Ihei Kimura — Living in Photography
50 Years after His Death

En commémoration du 50e anniversaire de sa mort, cette exposition présente le travail d'Ihei Kimura (1901-1974), un photographe qui a contribué de manière significative à l'histoire de la photographie japonaise. Kimura a été l'un des premiers à reconnaître le potentiel des nouveaux appareils compacts au format 35 mm pour l'expression photographique, appareils qui commençaient à peine à être utilisés dans les années 1920. Kimura a établi sa réputation en réalisant des portraits de personnalités littéraires et des instantanés de scènes quotidiennes dans les vieux quartiers de Tokyo, en utilisant ces appareils. Lors de la première exposition personnelle de Kimura, Portrait Photography of Literary Figures with the Leica Camera, qui s'est tenue en 1933, Kimura a établi son style unique en capturant les réactions spontanées de ses sujets, plutôt que de réaliser des portraits traditionnels. En 1936, il se rend pour la première fois à Okinawa et enregistre la vie quotidienne des habitants, capturant l'essence de la vie quotidienne. Cela a contribué à établir sa réputation de "maître de l'appareil photo Leica".

Photographe prolifique, Kimura a laissé derrière lui de nombreux chefs-d'œuvre capturant un large éventail de sujets. Il s'agit notamment de photos publicitaires et promotionnelles, de photos de kabuki et d'autres représentations théâtrales, d'œuvres réalisées avec des films couleur pendant son séjour en Europe, et d'une série de photos sur le thème des villages ruraux de la préfecture d'Akita. Sa grande curiosité et ses riches expériences sont à l'origine de son remarquable travail photographique et de sa profonde compréhension du matériel photographique et des matériaux photosensibilisés. Conscient de la fonction sociale de la photographie, qui consiste à transmettre des images de l'activité humaine par le biais des médias imprimés, il s'est positionné en tant que photojournaliste. Son expression photographique, qui se caractérise par une perspective particulière, est unique et continuera à vivre dans la mémoire de ceux qui la verront.

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Tomoaki Ishihara crée des œuvres qui remettent en question le cadre des médias et la structure de la vision tout en franchissant les frontières de la photographie, de la peinture et de la sculpture. Ici, Ishihara présentera une installation vidéo basée sur l'hypothèse que l'"obscurité" peut être nécessaire pour une vision stable du monde, dérivée de la recherche sur les mouvements oculaires de "saccade" et l'image rémanente visuelle.

Les yeux bougent. Ils sont toujours en mouvement. Il ne s'agit pas de simples mouvements du corps, mais on dit que le globe oculaire tremble environ trois fois par seconde. Ce mouvement inconscient de l'œil est appelé "saccade". Malgré ces mouvements oculaires, le monde apparaît stable, sans aucune distinction. Il existe des explications scientifiques à ce phénomène, mais il est assez étrange que les humains n'aient pas le mal des transports dans leurs véhicules, car le monde devrait être constamment en mouvement instable.

Par ailleurs, j'ai entendu dire que le phénomène de "l'image rémanente" facilite les transitions fluides entre les images d'un film. En réalité, il y a une obscurité entre chaque image. Mais on dit que dans cette obscurité, le spectateur reste avec l'image rémanente de ce qu'il regardait l'instant d'avant. Ce phénomène d'image rémanente m'a été rappelé lorsque j'ai découvert le phénomène de la saccade. L'obscurité est peut-être nécessaire à la stabilité du monde.

Tomoaki Ishihara

Cette exposition est organisée dans le cadre des programmes de partenariat du festival international d'art et de visions alternatives de Yebisu 2024.

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Nous sommes heureux de vous présenter  la publication de la monographie de Shinichiro Uchikura, The Sea of Oblivion (Akaaka Art Publishing, Inc.), publiée en 2023. Shinichiro Uchikura est un photographe originaire de la ville de Nobeoka, dans la préfecture de Miyazaki. Après avoir étudié la photographie à Osaka, il a commencé sa carrière en présentant des clichés de rue et des autoportraits. Depuis qu'il a repris le studio photo de son père en 2009, il s'est installé dans la préfecture de Miyazaki, où il a réalisé diverses œuvres photographiques. Ses portraits, qui ont donné lieu à la monographie My Portrait (2020, Akaaka Art Publishing, Inc.), ont été récompensés et salués par de nombreux prix. Sa précédente œuvre, Collection, dans laquelle il a photographié divers objets abandonnés à Nobeoka, a remporté le 41e prix d'excellence Canon New Cosmos of Photography et a été sélectionnée pour le "Tokyo Photography Month 2022" organisé par la Japan Photographic Society et le Tokyo Metropolitan Museum of Photography.

Pour The Sea of Oblivion, Uchikura dit avoir été absorbé par une promenade en bord de mer, un appareil photo à la main, où de nombreux plastiques, objets de la vie quotidienne et débris inattendus s'étaient échoués. Recueillant les voix aphones des choses qui ont cessé d'exister, les images sont comme les derniers portraits de ces objets. En prenant une vue d'ensemble des traces de l'activité humaine, l'œuvre transcende le temps et évoque même un sentiment d'émerveillement.

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À l’occasion d’une publication aux éditions Volonté d’art, le musée des Arts décoratifs présente à la bibliothèque, du 8 novembre 2023 au 28 janvier 2024, l’exposition « Le Japon en couleurs. Photographies du XIXe siècle ». 35 photographies inédites rehaussées de couleurs issues du fonds de photographies japonaises composé de plus de 800 épreuves, illustrent une vision pittoresque du Japon. Appartenant à la vogue des « Yokohama Shashin », ces images offrent une version théâtralisée et stéréotypée du pays du Soleil Levant.

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Pour la première fois depuis 2005, Rinko Kawauchi revient à Paris, avec une exposition pensée sur mesure pour Photo Days dans un lieu privé exceptionnel, la Fondazione Sozzani.

Rinko Kawauchi (née en 1972) est réputée pour la douceur et la luminosité de ses photographies couleurs qui révèlent, depuis ses premières œuvres, le mystère, l'éclat, la fragilité et la force de la vie sous toutes ses formes. Son regard se pose aussi bien sur les êtres délicats de son environnement immédiat, qu'il s'agisse de la flore, de la faune ou des membres de sa famille, que sur les grandes forces de la nature que constituent les volcans et les glaciers formés au cours de longues périodes temporelles. La sensibilité unique de sa photographie révèle les liens entre ces sujets, qui brillent tous d'un même éclat vital.

L’exposition imaginée ici par Rinko Kawauchi est constituée d’une installation spectaculaire qui occupe la hauteur sous plafond de cet ancien bâtiment industriel, d’une vidéo, et d’un ensemble de photographies sélectionné à partir de ses dernières séries, M/E, An Interlinking et Illuminance.

Avec le soutien de Dance Reflections by Van Cleef & Arpels

Née en 1972, Rinko Kawauchi vit et travaille au Japon.
Représentée par la galerie Priska Pasquer Paris

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 Takashi Homma(né à Tokyo en 1962) a reçu le 24e prix Kimura Ihei pour son livre de photos Tokyo Suburbia (publié par Korinsha) en 1999. L'ouvrage a été très apprécié pour la manière dont Homma maintenait une certaine distance par rapport à ses sujets - des personnes et des paysages de la banlieue de Tokyo en cours de développement - et une perspective dépourvue de lyrisme.

En 2011 et 2012, Homma a organisé une exposition solo de grande envergure intitulée New Documentary, qui a été présentée dans trois musées au Japon. L'exposition comprenait à la fois des œuvres anciennes et nouvelles, offrant une vue d'ensemble des photographies et des vidéos de l'artiste. Elle comprenait ses premiers travaux pour des publications telles que le magazine culturel i-D, Tokyo and My Daughter, une œuvre qui se concentre sur des scènes de Tokyo et une jeune fille qui grandit dans cette ville en constante évolution, ainsi qu'une œuvre vidéo basée sur le photographe Nakahira Takuma.

Cette exposition, la première exposition individuelle de Homma dans un musée japonais depuis une dizaine d'années, se concentre sur des séries telles que The Narcissistic City, que l'artiste a décrite comme une tentative "d'utiliser la ville pour filmer la ville" en photographiant des villes du monde entier en utilisant des pièces comme s'il s'agissait d'appareils photo à sténopé. La lumière qui pénètre par un petit trou ouvert sur l'extérieur capture spontanément des paysages urbains inversés à l'intérieur de la pièce plongée dans le noir.

L'improvisation est l'un des mots clés de l'exposition. Homma s'intéresse actuellement à l'incorporation du hasard dans ses œuvres et ses expositions, et le titre anglais de cette exposition est "Improvisation".

Organisé par Tokyo Metropolitan Government, Tokyo Photographic Art Museum et mis en oeuvre par Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture

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La galerie VLC by AKIO NAGASAWA présente une exposition des photographies de Keiichi Tahara intitulée Keiichi Tahara "Torse, 1987-1995"

Né à Kyoto en 1951, Keiichi Tahara s'installe en France en 1971.
Il commence sa carrière de photographe, captivé par la lumière perçante de l'Europe, comparée à la lumière douce du Japon.
En 1977, à l'âge de 26 ans, il remporte le Grand Prix du Festival international d'Arles pour sa série Fenêtre, 1973-1981 qui le propulse sur le devant de la scène internationale.
Installé à Paris jusqu'en 2006, Tahara a travaillé sur des projets pour le gouvernement français dans un large éventail de genres tels que la photographie, la sculpture, l'installation et l'architecture sous le thème de la "lumière". Il a organisé de nombreuses expositions au Japon et en Europe.
Il a reçu de nombreux prix, dont le Kimura Ihei Photography Award, le Prix Nicéphore Nièpce, Chevalier des Arts et des Lettres de France, et le Grand Prix de la Ville de Paris.

Ses principales publications comprennent Architecture de Fin de Siècle (Kodansha), Architecture de Fin de Siècle (Taschen America LIC), L'Opéra de Paris (Bunkensha), et Light-Sculpture-Photography (ASSOULINE/MEP), etc. Tout en produisant ses propres œuvres, il a également participé à divers projets en tant que premier consultant japonais en stratégie de marque pour des maisons internationales telles que Cartier et Dom Pérignon. En 2017, il a organisé la première exposition à grande échelle au monde à la Galerie nationale de Prague.

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Depuis 2002, le musée d'art photographique de Tokyo organise une exposition annuelle de photographie japonaise contemporaine afin de soutenir les esprits créatifs qui repoussent les limites de la photographie et du cinéma, de découvrir des artistes prometteurs et de présenter de nouveaux projets créatifs. Le vingtième volume de cette année présente cinq artistes et explore leur volonté de vivre en des temps incertains.
Depuis l'aube du XXIe siècle, nos vies ont été bouleversées par une série d'événements majeurs, à commencer par les attaques terroristes aux États-Unis, le tremblement de terre du Grand Est du Japon, la pandémie COVID-19 et l'invasion de l'Ukraine par la Russie. L'incertitude quant à l'avenir peut alimenter l'anxiété, la confusion et l'hésitation à essayer de nouvelles choses. Nous craignons de commettre des erreurs, nous reculons devant les défis et nous nous retrouvons dans une “solitude ten thousand fathoms deep” (W.H. Auden). Comment pouvons-nous nous libérer de cette tension spirituelle ?

Cette exposition présente cinq artistes qui sont confrontés à cette solitude profonde et dont les approches uniques de l'art photographique reflètent leurs motivations à vivre. Même lorsqu'ils sont plongés dans la solitude, leurs œuvres recherchent la connexion avec les autres, nous aident à nous libérer de l'entêtement et nous rappellent les choses qui enrichissent notre vie.
“Leap before you look” (qui pourrait se traduire par "Sauter avant de regarder") a toujours fait partie de la façon dont nous menons notre vie.

Artistes exposés
Utsu Yumiko -
Fuchikami Yuta
Hoshi Haruto
Mumuko
Yamagami Shimpei

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À l’occasion d’une publication aux éditions Volonté d’art, le musée des Arts décoratifs présente à la bibliothèque, du 8 novembre 2023 au 28 janvier 2024, l’exposition « Le Japon en couleurs. Photographies du XIXe siècle ». 35 photographies inédites rehaussées de couleurs issues du fonds de photographies japonaises composé de plus de 800 épreuves, illustrent une vision pittoresque du Japon. Appartenant à la vogue des « Yokohama Shashin », ces images offrent une version théâtralisée et stéréotypée du pays du Soleil Levant.

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La galerie The Third Gallery Aya présente la nouvelle série de Hiromi Kakimoto, Star Boy : Night of the Flood.

Pour créer cette série photographique, Hiromi Kakimoto a été inspirée après avoir vu des photos de son père décédé dans un vieil album de famille. Cela l'a amenée à réfléchir à la relation entre la photographie et la mémoire, ainsi qu'à la nature des médias, tout en s'inspirant d'anecdotes que son père lui a racontées de son vivant.

Hiromi Kakimoto a fait ses débuts avec Returning Memory, dans lequel elle a exploré ses propres souvenirs en photographiant sa jeune sœur. Dans Little World, elle a évoqué un monde idéal dans l'imagination des jeunes filles, et dans sa série emblématique The Time of the Cocoon, elle a convoqué des images du subconscient issues des souvenirs et des rêves des jeunes filles. Au cours de résidences en Suisse et en Suède, elle s'est intéressée au processus de construction de nouveaux récits à partir de souvenirs ambigus, et a continué à reconstruire photographiquement des souvenirs occupant une zone intermédiaire entre le réel et l'irréel et des traditions transmises de génération en génération.

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Le photographe japonais Hiroyuki Takenouchi (né en 1982 à Tokyo) a commencé sa carrière après avoir obtenu son diplôme de l'Institut supérieur de photographie de l'Université des arts de Nihon en 2008. Il a reçu une mention honorable au New Cosmos of Photography Awards en 2008 et le Special Award au Shiogama Photo Festival en 2009. Il a notamment exposé Liberty City (P.G.I.), Crow (P.G.I.), Things will get better with time (Gallery Trax), The Fourth Wall (PGI) et Distance and Depth (Studio Staff Only).
Qu'il prenne des photos de paysages urbains, d'arbres et de fleurs dans la nature, de la vie quotidienne ou d'amis chers, Takenouchi défie les règles tacites de la société et s'efforce de révéler la nature cachée de ses sujets. Confrontant la solitude, l'aliénation et les actions souvent négligées, sa photographie est une enquête sur les nuances de la diversité et de l'identité. Avec sa perspective unique et son regard tranquille, Takenouchi nous laisse entrevoir la beauté d'existences équivalentes.

Cette exposition présente des images de la nouvelle série Warp and Woof de Takenouchi, dont le titre fait allusion aux éléments de base du tissage et, par extension, aux fondations du monde.

Écoutons l'artiste nous parler de son exposition :

J'ai vécu une sorte de choc culturel lorsque j'ai visité une commune hippie pour une séance photo. C'était un monde avec des coutumes, des attitudes et des modes de vie complètement différents de ce que j'avais connu dans ma propre vie.
Le soir, au fin fond des montagnes, ma rédactrice et moi avons parlé de notre perplexité. Elle m'a dit : "N'avez-vous pas l'impression que le champ de réflexion de votre esprit s'agrandit lorsque vous rencontrez un monde différent comme celui-ci ?" Et en l'entendant ainsi, quelque chose d'important s'est mis en place pour moi.

Depuis lors, j'ai commencé à photographier des paysages avec mon téléobjectif habituel, dans le but de prêter attention non seulement aux paysages qui m'entourent, mais aussi au monde auquel ils appartiennent.
En juxtaposant des paysages différents dans des perspectives similaires et des paysages similaires dans des perspectives différentes, je compose ma propre cartographie de l'esprit.

La galerie PGI présente cette série. Pour plus d'information, voir ci-dessous

Né à Kyoto en 1951, Keiichi Tahara s'installe en France en 1971.Il commence sa carrière de photographe, captivé par la lumière perçante de l'Europe que l'on compare à la lumière douce du Japon.
En 1977, à l'âge de 26 ans, il remporte le Grand Prix du Festival international d'Arles pour sa série Fenêtre, 1973-1981 qui le propulse sur le devant de la scène internationale.
Installé à Paris jusqu'en 2006, Tahara a travaillé sur des projets pour le gouvernement français dans un large éventail de genres tels que la photographie, la sculpture, l'installation et l'architecture sous le thème de la "lumière". Il a organisé de nombreuses expositions au Japon et en Europe.
Il a reçu de nombreux prix, dont le Kimura Ihei Photography Award, le Prix Nicéphore Nièpce, Chevalier des Arts et des Lettres de France, et le Grand Prix de la Ville de Paris.

La galerie VLC Gallery by AKIO NAGASAWA présente cette série.

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Le Musée - Tokyo Photographic Art Museum, appelé TOP Museum -  présente une rétrospective intitulée "Masahisa Fukase 1961-1991 Retrospective" du 3 mars au 4 juin. En se concentrant sur sa vie personnelle, Masahisa Fukase s'est taillé une place unique dans l'histoire de la photographie japonaise des années 1960. En explorant les origines de la photographie, Fukase a développé une pratique majeure au sein d'un groupe d'artistes associés à ce qui fut plus tard connu sous le nom de shi-shashin ("I-photographie"). Fukase a braqué son appareil photo sur son entourage immédiat, y compris sa femme et sa famille. Tout en exposant sa propre vie privée, il a consciemment exploré la folie qui sommeillait au plus profond de lui-même. Cette folie a donné naissance à des œuvres remarquables et inégalées qui combinent le regard affectueux de Fukase pour ses sujets et son sens de l'humour insouciant.

Cette exposition présente un ensemble substantiel d'œuvres, y compris des pièces de la collection du musée tirées d'œuvres majeures de Fukase, telles que "Yūgi (Homo Ludence)", "Yōko", "Karasu" (Ravens) et "Kazoku" (Family). Parmi les autres œuvres marquantes, citons "Yōko" (qui fait partie de la série "From Window"), "Karasu" (Ravens), acquise par le Nihon University College of Art au début des années 1980, ainsi que "Bukubuku" et "Sasuke", qui proviennent tous deux d'une collection privée. Retraçant la trajectoire de Fukase des années 1960 au début des années 1990, l'exposition offre aux visiteurs l'occasion de découvrir l'univers unique de l'artiste.

Chapitres
1｜”Yūgi [Homo Ludence]”
2｜”Yōko”
3｜”Kazoku [Family]”
4｜”Karasu [Ravens]”
5｜”Sasuke”
6｜”Aruku me [Walking Eye]”
7｜”Shikei [Private Scenes]”
8｜”Bukubuku"

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Mayumi Suzuki est née en 1977 dans la ville d'Onagawa, préfecture de Miyagi, et vit et travaille actuellement à Zushi, préfecture de Kanagawa. Après avoir obtenu son diplôme, elle a travaillé comme photographe indépendante, se concentrant sur les portraits. Le grand tremblement de terre de l'est du Japon a frappé le 11 mars 2011. La ville natale de Suzuki, Onagawa, a été détruite par le tsunami et ses parents ont perdu la vie. Depuis lors, elle est souvent retournée dans sa ville natale pour enregistrer les efforts des habitants de la région pour sortir de la catastrophe. Elle est actuellement professeure adjointe de photographie au département de photographie du Nihon University College of Art.

Les expositions personnelles récentes de Suzuki incluent "The Restoration Will/The Place to appartenir" (2018, Galeria Miejska Arsenał, Poznań, Pologne), "The Restoration Will" (2018, SPAZIO LABO, Bologne, Italie), "The Restoration Will" (2017 , RAPPELS PHOTOGRAPHY STRONGHOLD, Tokyo).
Les expositions collectives incluent KYOTOGRAPHIE « 10/10 Celebrating Contemporary Japanese Women Photographers » (2022, HOSOO GALLERY, Kyoto), « Biennale de Photographie en Condroz » (2021, Belgique) et « Twilight Daylight Contemporary Japanese Photography vol.17 » (2020, Musée d'art photographique de Tokyo, Tokyo).

Suzuki a reçu le prix du meilleur livre de photographie de l'année PHotoESPAÑA 2018 (2018, Espagne) et a été sélectionné comme grand prix pour le Photobox (2018, Italie), entre autres.

La première série de Mayumi Suzuki, The Restoration Will, était une œuvre intime où l'artiste acceptait calmement les évènements qui lui étaient arrivés, ainsi qu'à sa famille, à la suite du grand tremblement de terre de l'est du Japon, et doucement, mais sans détour, levait la tête pour regarder et aller de l'avant. Sa série suivante, HOJO, qui signifie « fertilité » en anglais, est également basée sur ses propres expériences. Aujourd'hui l'artiste Mayumi Suzuki présente cette série à la galerie KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY.

L'artiste Mayumi Suzuki parle de ce projet

En japonais, 豊穣 (HOJO) fait référence à une terre en abondance ou à une bonne récolte. En anglais, il est généralement traduit par « fertilité ». Au Japon, les femmes sont traditionnellement vénérées comme des déesses de HOJO. L'idéal étant doté de récoltes abondantes et de nombreux enfants y ont été associés.

Ce projet est basé sur mon expérience de la fécondation in vitro (FIV), que j'ai commencée à l'âge de 41 ans. J'essaie de reconnaître mon existence comme une "valeur aberrante". Me photographier dans le noir avec un projecteur sur moi et une exposition d'environ 60 secondes m'a donné le temps de me regarder longuement et attentivement. Parfois, cela m'a rappelé les moments d'anxiété sur la chaise d'examen du médecin, la douleur de la récupération des ovules et la faible anticipation de l'implantation. À d'autres moments, j'ai ressenti une sensation de calme.

Le médecin utilise 60 secondes pour examiner le patient sur la chaise d'examen. Il ne prend pas beaucoup de temps pour examiner chaque femme. Elles sont nombreuses à venir à la clinique, les unes après les autres. J'avais espéré être examiné plus attentivement. En rentrant de la clinique, au marché, j'ai trouvé des légumes difformes qui n'avaient pas été vendus. Ils avaient l'air misérables, comme ma propre incapacité à concevoir. J'ai donc pensé à photographier et à manipuler chaque légume avec douceur. Pour le processus, j'utilise du papier positif direct et je travaille avec un appareil photo 4x5 pouces. Cette méthode me permet de contrôler l'exposition pour recréer le temps d'un examen dans une clinique de FIV.

J'ai aussi utilisé des photos d'ovules fécondés que j'ai reçus de la clinique. Ce sont des images brutes et pixélisées. D'après eux, il est difficile de faire la différence entre un ovule fécondé qui peut permettre de tomber enceinte et un autre qui ne le permet pas. Lorsque vous zoomez, c'est juste un point. S'il y a un facteur dans les centaines de millions de cellules de mon corps qui m'empêche de concevoir, je dois rechercher cette valeur aberrante. Je me souviens de terres infertiles sans fin.

De nos jours, les femmes peuvent choisir comment elles veulent vivre. Mais parfois, elles doivent accepter un destin sur lequel elles n'ont aucun contrôle. Même si mon propre corps n'est pas «fertile», je veux en être fière parce que c'est ma vie.

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Osamu Kanemura est connu pour ses solides photographies de paysages urbains et de ruelles encombrées de fils électriques, de panneaux publicitaires et de bâtiments. Mais depuis quelques années, il se consacre également à l'exposition de dessins, de collages et de vidéos. Cette exposition comprendra une installation vidéo et des collages de coupures de journaux et de magazines.

MEM est une galerie locale affiliée à 2023 Yebizo Meets, et cette exposition sera organisée en collaboration avec le Festival international d'art et de visions alternatives de Yebisu 2023.

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IBASHO est fier de présenter la deuxième exposition personnelle à la galerie de la photographe japonaise Yoko Ikeda. L'exposition coïncide avec le lancement de son nouveau livre "Contrepoint", qui est une coproduction d'IBASHO & the(M) éditions. Comme le livre, l'exposition sera une vitrine de l'œuvre d'Ikeda

Ikeda est né dans la ville de Kanazawa, préfecture d'Ishikawa. Elle travaille et vit à Tokyo. Elle a étudié au département de recherche du Tokyo College of Photography. En 2013, elle a reçu le Philadelphia Museum of Art Purchase Award et en 2016, elle a reçu le prestigieux Higashikawa New Photographer Award. En 2018, Ikeda a reçu le prix Alpa pour son travail présenté à Photo Basel. Le travail d'Ikeda a été largement exposé en Europe, aux États-Unis et au Japon. En 2015, année où Mons est capitale européenne de la culture, son travail fait partie de Regards de femmes à la Maison Folie.

Parasols en plastique transparent bon marché posés sur le béton gris ; des objets plutôt simples et banals dans l'une des photographies de Yoko Ikeda. L'image qu'Ikeda s'est faite de cette scène est pourtant poétique, fragile, presque éphémère. Elle a la capacité extraordinaire de voir la beauté d'objets apparemment sans signification et de les élever à de beaux sujets précieux dans ses photographies. Ses images montrent du respect pour chaque petit élément qui forme notre grand monde. Ikeda joue avec les ombres, les couleurs, les lignes et les textures qu'elle rencontre en se déplaçant et en observant la vie quotidienne.

Au moyen de son appareil photo, Ikeda a créé sa propre façon de voir et de montrer un monde extérieur que l'on ne pourrait normalement pas voir. Dans les compositions d'Ikeda, il n'y a souvent aucun point de référence. L'espace est aplati et abstrait, le lieu est ambigu. Elle expérimente des points de vue et des focus inhabituels. Ikeda recherche les contrastes de forme et de lumière et use de cadrages inattendus.

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Depuis les années 1970, Masako Matsui expose des photographies prises au Portugal et dans les anciennes colonies, ainsi qu'à l'étranger, dans le but de capturer les émotions communes qui existent dans différentes politiques, religions et cultures. Cette exposition présente des photographies inédites prises lors d'un voyage en Corée en 1981 - 82 . Il s'agit de la suite de l'exposition intitulée "Winter WanderingsⅠ-South Korea,1981/82-" qui s'est tenue en juin 2022.

"Lorsque j'ai visité la Corée du Sud pour la première fois, c'était une époque où l'assassinat du président Park Chung-hee en 1979 et l'incident de Gwangju en 1980 ont laissé une ombre forte sur le pays. Le public était principalement composé d'hommes. À Séoul, des chansons patriotiques étaient jouées. avant l'ouverture du théâtre et dans les rues tous les soirs, et tout le monde se tenait droit. De minuit à 4 heures du matin, aucune sortie nocturne n'était interdite. Il y avait aussi une répression des cheveux longs qui ne faisait pas de distinction entre les hommes et femmes.

Beaucoup de jeunes portaient des uniformes de camouflage et des uniformes scolaires. Ce fut un lourd voyage hivernal qui m'a fait réaliser que le pays était en trêve militaire. Il a montré une apparence simple qui est différente de la Corée, qui a l'impression d'être rigide ces derniers temps. Ce que vous pourrez voir lors de votre voyage sera un moment sur place. La ville, comme un être vivant, montre toujours une apparence complètement différente selon l'époque, la saison, le jour de la semaine, l'heure de la journée, etc., même au même endroit. Et parfois, la vision est universelle. Dans ce monde instable où des événements au-delà des attentes humaines se succèdent, je me suis demandé s'il était significatif d'exposer un certain moment dans le pays où j'ai voyagé autrefois, car il a disparu. Je voulais faire exister des moments du quotidien à travers la photographie ce lieu à ce moment-là.

Lieu : Séoul, Gyeongju, Busan, Jeju, Mokpo, Gwangju, Jeonju, Suwon. (Masako Matsui)

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Présentation de l'exposition par le museum

Depuis que Rika Nogichi a reçu le premier prix dans la catégorie photographie "the 3.3m2 Exhibition" en 1995 et au concours New Cosmos of Photography en 1996, elle est considérée comme l'une des plus grandes photographes contemporaines du Japon, avec ses photographies et ses œuvres vidéo présentées dans de nombreuses expositions, tant au niveau national et à l'étranger. À travers des séries telles que A Prime (à partir de 1997), I Dreamed of Flying (2003) et The Sun (2005-08), To the Night Planet (2014-15), son travail a exploré la relation que les humains entretiennent avec des royaumes inconnus tels que les lieux sous-marins, à haute altitude et l'espace extra-atmosphérique. Ces dernières années, à travers une exploration des innombrables petites énigmes qui parsèment notre quotidien et notre environnement immédiat, elle a poursuivi une forme d'expression photographique qui libère les sens et l'imagination du spectateur.

De ses premières séries à ses pièces les plus récentes, cette exposition rassemble des œuvres de l'ensemble de la carrière d'une artiste qui produit des photos et des vidéos depuis plus de trente ans. Celles-ci ne sont pas présentées dans un ordre chronologique mais plutôt selon un agencement non linéaire qui permet aux œuvres de mieux se parler, les montrant sous un jour nouveau. Combinant des photographies, des œuvres vidéo, des dessins et plus encore, et guidée par le "petit miracle" de la manière dont la photographie est capable de transcender le temps et l'espace, l'exposition présente les différentes scènes et lieux que Rika Noguchi a rencontrés au cours de toutes ses années de travail,  de la première série To Dive (1995) à son œuvre la plus récente, A Palm Tree (2022). Les visiteurs rencontrant l'expressivité unique de Noguchi ont l'occasion de réexaminer la signification des différentes formes de vie existant dans ce monde et de réfléchir en quoi consiste le pouvoir mystérieux des photographies et de la vidéo.

Rika Nogichi
Née à Saitama City en 1971, Rika Nogichi commence la pratique de la photographie en 1992, développant une pratique centrée sur les expositions. Elle a participé à de nombreuses expositions d'art internationales. En 2002, elle a reçu le 52e prix d'encouragement artistique du ministre de l'Éducation pour les nouveaux artistes. Ses principales expositions à l'intérieur du Japon incluent le sentiment que quelque chose se passe (Marugame Genichiro-Inokuma Museum of Contemporary Art [MIMOCA], 2001), I Dreamed of Flying (The Hara Museum of Contemporary Art, 2004) et The light reaching the future (Izu Photo Museum, 2011-2012). Ses œuvres font partie des collections du National Museum of Modern Art, Tokyo, du National Museum of Art, Osaka, du Musée Guggenheim et du Centre Pompidou.

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7 galeries photo (Blitz Gallery,  Bloom Gallery, Kana Kawanishi Gallery, PGI, Poetic Scape, The Third Gallery Aya et Wadagarou ) et 8 éditeurs/librairies ( FUGENSHA, Tsutaya books, Kana Kawanishi art office, Libro Arte, PURPLE / AKAAKA, Seigensha Art Publishing, Shelf, Torch press)  se réunissent à Hibiya OKUROJI, un lieu sous les voies ferrées surélevées, où les obsessions des adultes se cachent dans les profondeurs d'Hibiya, et une nouvelle foire d'art spécialisée dans la photographie est lancée en ce week end d'octobre 2022.

Le Japon possède la meilleure technologie d'impression au monde, le premier fabricant mondial d'appareils photo, une histoire incroyable d'édition de livres photo et de nombreux photographes exceptionnels qui se sont fait un nom dans l'histoire de la photographie. Cependant le marché local de la photographie a chuté au profit de l'Europe et des États-Unis. Préoccupés par cette situation, les galeries commerciales spécialisées dans la photographie et les éditeurs spécialisés dans les livres photo se rassemblent ici afin d'apporter un avenir meilleur au marché de la photographie au Japon. Un nouveau lieu de rencontres à découvrir.

Pour plus d'information, n'hésitez pas à visiter leur Instagram (ou leur site ci-dessous uniquement en japonais) : cliquez ici

Artist Statement
L'herbe mystérieuse "KON-TA-RA-E-RU-HA" [昆答刺越兒發], figurait dans plusieurs prescriptions de médicaments hollandais à l'époque d'Edo. "Contra" signifie contre-poison et "yerba" est une herbe en espagnol. C'est le sens de KONTARAERUHA.

J'ai suivi la trace de KONTARAERUHA dans de vieux livres d'études hollandaises au Japon et des livres d'herboristerie ou de médecine écrits pendant les Grandes Découvertes, plusieurs plantes partageant ce même nom sont apparues puis ont disparu. Je me suis égaré dans le labyrinthe où le temps s'est étiré sur 500 ans entre le XVe siècle et le présent et l'espace s'est étendu de l'Europe à l'Asie et à l'Amérique.

Dans mon voyage de quête des traces de cette plante médicinale qui n'est plus utilisée aujourd'hui, sont apparus dans un réseau qui s'est formé pendant plusieurs centaines d'années incluant des personnes en quête de contrayerba et l'exploitation de ces plantes comme des marchandises telles que les épices ou les médicaments commercialisés partout dans le monde. Au-delà de cette perspective, nous sommes passés à côté des l'aspects des plantes en tant qu'organismes vivant au-delà de la dimension de ce que nous en faisons en tant qu'être humain.

Dans les formes stratifiées de la forêt où j'ai atteint la fin du voyage, nos interprétations enchevêtrées autour de contrayerba ont été revues pour ne pas voir uniquement le poison dérivé de la catégorisation de la plante comme son nom l'indique, et revisitées comme un événement innommable créé par le passage du temps géologique. Cet événement est rempli d'échos qui subsistent après que les mots perdent leur sens, des voix sans voix, qui ne seraient pas entendues sans aiguiser nos sens.

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On ne présente plus Keizo Kitajima, grand photographe  japonais, qui a ouvert avec Daido Moriyama  le 'magasin d'images' CAMP,  un espace expérimental pionnier pour les photographes avant la création du système des galeries. Dans sa légendaire série expérimentale Photo Express (1979), Kitajima a photographié les gens dans les bars et dans les rues de Shinjuku la nuit et a converti la galerie en chambre noire pour faire des tirages muraux comme un événement de performance publique, et a même publié les images sous forme de livret instantané. À travers ces processus de livraison immédiate d'images, l'artiste a exploré les façons dont le temps affecte la photographie en termes de documentation, d'enregistrement et de mémoire.

Dans les années 80, Kitajima a passé six mois à New York à errer dans ses rues et à traîner dans ses clubs (série - New York- 1982) . Il présente une vision du New York des années 1980, pleine d'énergie, de décadence et de moments de désespoir tranquille. Comme la ville, la publication est pleine de juxtapositions austères, des démonstrations flamboyantes de comportements scandaleux sont montrées à côté d'images de désolation et d'abattement. Pour ce livre photo, Kitajima a reçu l'important prix Kimura Ihei en 1983.

Pour son édition - in)(between record vol. 46, Luigi Clavareau présente des sérigraphies exécutées avec la collaboration de Keizo Kitajima à la galerie PlaceM Yokohama.

Shinichiro Uchikura, fait des portraits photographiques depuis le début de sa carrière dans son studio. Dans une lumière naturelle mais dans un décor de studio, il photographie des gens "ordinaires", des clients mais avec une vision préalable d'en faire des portraits artistiques. Ses travaux de portrait ont été reconnus par des prix tels que la mention honorable Canon New Cosmos of Photography (sélectionné par Minoru Shimizu) et la publication de son livre photo My Portrait (2020) par Akaaka Art Publishing.

Les sujets éclairés sur un fond d'un noir absolu, Uchikura prend plusieurs centaines de clichés en l'espace de cinq à dix minutes, puis sélectionne les quelques moments imprévisibles au cours desquels ses sujets lâchent leurs masques et des expressions inattendues apparaissent. Alors que les photographies répondent aux conventions méthodologiques d'une « bonne photographie de portrait » standard, elles ont toutes leur propre texture unique, leur propre « présence » unique en plus du sujet capturé, leur propre monde mystérieux.

Dans cette exposition, « The Floating Portrait », Uchikura présente un ensemble de portraits inédits montrant une nouvelle évolution. Dans ces photographies, prises d'une hauteur d'environ 3 mètres, les sujets ont tous les yeux fermés, et l'atmosphère unique que chacun a eue depuis sa naissance semble être captée.

Uchikura dit qu'il a créé les photographies en se sentant "comme si leur présence flottait juste devant moi" dans "une dimension où même la frontière entre la vie et la mort a presque disparu". La présence de chaque individu émergeant du monde tranquille se sent certainement comme une présence mystérieuse émanant du corps.

Sept visions et sept expériences photographiques

Avec Ken Kitano/Yuji Hamada/Miki Nitadori/Risaku Suzuki/ Kazuyoshi Usui/Yuki Ono dera/Naruki Oshima

Le livre se compose d'entretiens individuels avec sept artistes japonais, basés au Japon et en France. Ils travaillent ensemble en tant que collectif d'artistes sous le même nom que le titre de ce livre - Photographie?End?. Les membres sont : Yuji Hamada, Ken Kitano, Miki Nitadori, Yuki Onodera, Naruki Oshima, Risaku Suzuki et Kazuyoshi Usui. Les entretiens ont été menés et édités par le commissaire d’exposition Mitsuhiro Wakayama, qui demande comment les artistes en sont venus à adopter le médium de la photographie dans le développement de leur travail et quel rôle ce médium a joué dans leur création jusqu'à présent. Le livre explore le travail de chacun des artistes, révélant à la fois leurs qualités communes et contrastées telles qu'elles sont. Les artistes espèrent que cela pourrait être un point de départ pour que le lecteur découvre ou questionne ce que peut être la photographie contemporaine. Chacune des entrevues est accompagnée de photographies en couleur et en noir et blanc qui illustrent les travaux respectifs et les processus créatifs des artistes.

« C'est au spectateur de répondre à la question de savoir ce qu'est exactement une photographie.» Yuji Hamada

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« La photographie démontre la possibilité que vous et moi soyons tous les deux des « points » de la même nature, coexistant sur le même plan. » Ken Kitano

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« Faciliter les rencontres entre des objets et des personnes qui viennent de différents contextes me fascine car cela peut ouvrir de nouvelles façons de penser et de voir. » Miki Nitadori

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« Je veux simplement poser une question. Je me demande «pourquoi» de la photographie. » Yuki Onodera

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« Lâcher de nombreuses pensées, sentiments et perceptions conditionnés qui, selon vous, font qui vous êtes - en un mot, la liberté.» Naruki Oshima

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« Mon intérêt réside dans la meilleure façon d'unir la vision pure à l'acte volontaire de produire une photographie et ce motif traverse tous mes projets.» Risaku Suzuki

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« La force et la faiblesse adorables de l'humanité résident dans la zone grise après tout. »Kazuyoshi Usui

Pour l'édition spéciale, cliquer ici

Caractéristiques du livre
Premier tirage｜1500 exemplaires/Tirage spécial 30 exemplaires
Langues｜anglais/japonais
Format｜A5, 148 × 210 mm
Nombre total de pages｜196
ISBN｜978-4-600-00839-0

14 ans après que Tatsuki Masaru  a publié "DECOTORA" en 2007 qui a documenté la communauté des camionneurs et leurs camions richement décorés pendant 9 ans, Tatsuki les a revisités et a créé 12 nouvelles images photographiques. Ces photos ont été exposées lors de l'exposition d'inauguration au Hachinohe Art Museum en janvier 2022. La galerie Side 2 est heureuse de présenter 3 des nouvelles œuvres qui sont encadrées de peinture en tôle dans les mêmes couleurs que les camions. Sont également présentées des photographies DECOTORA de 2002-2005. Le livre DECOTORA-Hachinohe a été publié par T&M Projects en 2021.

Tatsuki Masaru (né en 1974) est un photographe japonais qui vit et travaille à Tokyo. Depuis son premier projet "DECOTORA" (2007) qui documente une sous-culture de camionneurs, Tatsuki a présenté 6 projets avec 6 livres. Il est récipiendaire du prix Ihei Kimura 2012 avec "Tohoku" (2011).

Pour cette série, Tatsuki a passé 6 ans à capturer le peuple Tohoku et ses paysages qui reflètent la culture japonaise ancienne. Dans "kuragari" (2013), Tatsuki a photographié les cerfs la nuit avec une lampe torche portée à la main. Il attend un signe de vie dans la peur de l'obscurité des bois vénérés par nos ancêtres. Nous allons parler de cette série prochainement dans un podcast.

Tatsuki a récemment commencé à photographier les fragments de céramique Jomon d'il y a 10 000 à 2 500 ans, emballés et stockés dans des musées. La recherche de Tatsuki sur le mythe folklorique et la réalité de la vie des gens se poursuit. L'exposition personnelle de Tatsuki comprend la galerie d'art civique de Yokohama, le musée Hachinohe Potal. Les expositions collectives récentes incluent Hachinohe Art Museum "Gift, Gift, Gift", Museum of Fine Arts Boston "In the Wake", Aichi Triennale 2016, Ashikaga Museum of Art "Blinking Skin, Life Shining through Death".

La galerie The Third Gallery Aya présente une exposition solo du travail de Kikuji,KAWADA,  intitulée "Chizu The Map", permettant de découvrir ses débuts photographiques étonnants en 1965 avec la publication de Chizu (The Map), une collection de photographies transformant les souvenirs de la défaite du Japon en œuvres d'art. Ce photographe a été membre de VIVO (1959- 61), une agence photo formée avec Ikko NARAHARA , EikohHOSOE , Shomei TOMATSU , AkiraSATO  et Akira TANNO. Ces œuvres vont de tirages argentiques des années 1970 aux tirages numériques réalisés ces dernières années.

Une nouvelle édition de Chizu a été publiée par Getsuyo-sha (Japon) et Nazraeli Press (États-Unis) en 2005, et une réimpression par Akio Nagasawa Publishing est sortie en 2014. L'année dernière, Mack (Royaume-Uni) et la New York Public Library (États-Unis ) a publié Kawada Kikuji: Chizu (Maquette Edition), une restauration de Chizu faite à la main par Kawada. Tous ses livres de photos, de la première édition à la récente édition maquette, sont présentés dans cette exposition.

Kikuji KAWADA est né à Ibaraki au Japon en 1933. Il rejoint Shinchosha en 1955. Il devient photographe indépendant et co-fonde le collectif VIVO en 1959 avec Ikko NARAHARA , EikohHOSOE , Shomei TOMATSU , AkiraSATO  et Akira TANNO.En 1965, il a publié The Map, un livre photo révolutionnaire chargé de métaphores politiques d'après-guerre, et il continue de défier notre intellect avec des images tout aussi fraîches et clairvoyantes à ce jour. Kawada décrit son travail comme "l'expression d'une scène spécifique dans le temps et de ma relation avec elle, encadrée en conséquence, et le style né de l'échange". Ces jours-ci, on peut trouver Kawada en train de publier des images et des réflexions photographiques sur son compte Instagram.

Le photographe Kazuyoshi Usui présente ses oeuvres photographiques depuis ses débuts à des photographies inédites.

Dernièrement ce photographe a fait la Une du magazine Tempura Hors Série "Manger le Japon"    (https://www.tempuramag.com)

KYOTOGRAPHIE présente dans son programme : 10/10 Celebrating Contemporary Japanese Women Photographers 

Cet évènement est co-organisée par Pauline Vermare, curatrice indépendante et historienne de la photographie (anciennement directrice culturelle de Magnum Photos et curatrice à ICP, New York) et les co-fondateurs/co-directreurs de KYOTOGRAPHIE, Lucille Reyboz et Yusuke Nakanishi.

À travers les séries présentées dans l'exposition, nous voyons une réflexion et une perspective propres à chaque photographe, qu'il vive et travaille au Japon ou à l'étranger. Ces images puissantes seront présentées dans une scénographie qui incarne l'esprit KYOTOGRAPHIE et donne à chaque artiste son propre espace personnalisé, grâce à une structure polyvalente et durable, conçue par le designer et architecte basé à Kyoto Hiroyasu Konishi.
Cette exposition est soutenue par Women In Motion, un programme de Kering qui met en lumière le talent des femmes dans les domaines des arts et de la culture. Depuis 2015, Women In Motion est une plateforme de choix pour faire évoluer les mentalités et réfléchir sur la place et la reconnaissance des femmes dans les champs artistiques.

« Cette exposition est un manifeste pour les femmes photographes au Japon et pour toutes les femmes japonaises. » - Lucille Reyboz, co-fondatrice et directrice de KYOTOGRAPHIE, co-commissaire de l’exposition.

« Cette exposition résonne avec le thème de KYOTOGRAPHIE cette année, ‘One’. C’est une célébration de l’individu mais également une célébration de chacune de leurs communautés. » – Yusuke Nakanishi, co-fondateur et directeur de KYOTOGRAPHIE, co-commissaire de l’exposition.

« Pendant longtemps, le Japon a été vu à travers un regard masculin, comme si nous ne l’avions en réalité jamais vu. En tant qu’historienne, et parce que je suis personnellement très attachée au Japon où j’ai grandi, j’ai pensé qu’il était important de redécouvrir leur travail et de le montrer au monde. » – Pauline Vermare, historienne de la photographie, co-commissaire de l’exposition.

Ces expositions sont soutenues par Kering | Women in motion, , cliquer ici pour en savoir plus

Pour voir le programme, cliquer ici mais en voici le détail pour votre plus grand plaisir :

- ZAIDO par Yukari Chikura
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©Yukari Chikura

- Eagle and Raven par Ariko Inaoka
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©︎Ariko Inaoka

- die of love par Hideka Tonomura
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©Hideka Tonomura

- NEW SKIN par Mayumi Hosokura
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©︎Mayumi Hosokura

- sawasawato par Noriko Hayashi
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©Noriko Hayashi

- HOJO par Mayumi Suzuki
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©︎Mayumi Suzuki

- NEW RIVER par Ai Iwane
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©︎Ai Iwane

- Negative Ecology par Tamaki Yoshida
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©︎Tamaki Yoshida

- ILMATAR par Momo Okabe
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©Momo Okabe

mutation par Harumi Shimizu
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©︎Harumi Shimizu.

La galerie Yumiko Chiba Associates | Shinjuku est ravie d'accueillir une exposition du travail de la photographe Shiho Yoshida pour marquer sa sélection en tant que lauréate du 46e prix Kimura Ihei.
La pratique photographique de Yoshida se distingue par la technique non conventionnelle consistant à rechercher sur Internet des informations et des images liées à un lieu, à se rendre réellement à cet endroit pour prendre des photos et à construire des œuvres multicouches dans lesquelles les photos, informations et images résultantes se croisent. Sa technique de va-et-vient entre les extrêmes opposés des résultats de recherche sur Internet et ses propres photos lui permet d'explorer les espaces d'information et les photographies en tant qu'images, ainsi que la matérialité hybride de la photographie. En employant cette approche, Yoshida a produit un travail qui critique constamment l'ensemble particulier de circonstances dans lesquelles la photographie se trouve aujourd'hui. Pour célébrer sa sélection pour le prix Kimura Ihei récompensant de jeunes photographes exceptionnels, cette exposition présentera les séries Survey: Mountains et The Whale under the Sand pour lesquelles Yoshida a reçu le prix. Une conversation avec le chercheur culturel et artiste Hiroki Yamamoto aura également lieu pendant l'exposition.

Artist Statement

" C'est un grand honneur d'avoir été choisi pour recevoir le 46e prix Kimura Ihei.
Les années 2020 et 2021 au cours desquelles le jugement a eu lieu ont été des années difficiles, rendant parfois plus difficile que jamais la production et la présentation d'un travail.
Cela fait maintenant six ans que j'ai exposé pour la première fois Survey: Mountains dans cette galerie, et j'ai l'impression que les «montagnes» imaginaires de l'œuvre ont continué à accumuler différents éléments et à changer de forme au fil du temps.
Mon intention est de continuer à créer de nouveaux paysages inédits, en gardant à l'esprit les questions abordées dans les commentaires du jury, à savoir ce qu'il faut photographier à une époque où tout le monde prend des photos, ce qui entraîne une surabondance d'images ; et comment apporter des réponses à cette question en réalisant des œuvres à partir de photographies."

Pour en savoir plus sur la photographe, cliquer ici

Huit ans après son dernier livre de photo de voyage « Short Trip Again », Koji Onaka a de nouveau erré dans l’arrière-pays du Japon, l’observant à travers un objectif 35 mm.
Photographié sur une période de sept ans, « Have a Break » présente des scènes prises à Hokkaido, au nord, à Kyushu, au sud, et de nombreuses autres stations entre les deux. L’affection d’Onaka pour un style de couleur particulier et unique ajoute au sentiment sentimental, profond de familiarité et de chaleur dans ses images, dans lequel Koji Onaka transforme les sites quotidiens dans les petites villes et les régions rurales en merveilles visuelles curieuses.

 « Les photographies ne montrent rien de particulièrement spécial qui pourrait être pris n’importe où, mais des scènes qui ont étrangement touché mon cœur – des paysages urbains, des gens, de la lumière du soleil ou parfois des chats. » 

Koji Onaka

Voir le livre plus en détails, cliquer ici

Disponible aussi chez : La Nouvelle chambre Claire ,  Shashasha

Vous pouvez trouver des informations complémentaires sur l'artiste en cliquant ici

Signes — 表徴

Fisheye #52 présente un focus sur le Japon.

Le Japon, dans toute sa diversité. Une exploration de la photographie émergente nippone poursuivie dans un tiré à part conçu en collaboration avec Women In Motion, le programme de Kering qui met en lumière les femmes dans les arts et la culture.

Dans ce  numéro de Fisheye, vous pouvez découvrir les photographes japonais suivants

• Kenta Nakamura en couverture - www.kentanakamura.com 
• Akihito Yoshida - akihito-yoshida-en.myportfolio.com
• Kenya Sugai - www.kenya-sugai.com
• Momo Okabe - cliquer ici pour découvrir sa photographie
• Mikito Tanaka - www.tanakamikito.com
• Satoshi Fujiwara - www.satoshi-fujiwara.com
• Shu Watanabe - https://watanabedesign511.com

KYOTOGRAPHIE, organisé au printemps de chaque année, est un festival de photographie dans l'ancienne ville de Kyoto et est considéré comme l'un des rares événements artistiques véritablement internationaux qui se déroulent au Japon. Le festival propose des expositions de photographie d'artistes de renommée internationale sous des formats non traditionnels dans des endroits exceptionnels. Un festival photo à part et à ne pas manquer !

Il est difficile cependant de se déplacer aujourd'hui au Japon, donc n'hésitez pas à aller sur leur site pour pouvoir découvrir les expositions proposées cette année. Notre site sugoi.photo vous proposera dans les semaines à venir des podcasts et articles en liaison avec le Festival International de la Photographie KYOTOGRAPHIE. Cette année, le festival fête ses 10 ans sous le thème « ONE »

Le dicton bouddhiste "Un vaut dix" exprime l'idée que ce qui est unique, en intériorisant l'extérieur, devient immédiatement une incarnation du tout, et ne se positionne avec les autres que par cette attitude globale. "Un" représente l'individu et "Dix" est le nombre d'intégralité, représentant le tout.

Les organisateurs / fondateurs de ce festival, Lucille Reyboz & Yusuke Nakanishi nous parlent de leur choix et objectif pour 2022  :

"En 2022, une autre guerre a commencé. Les tentatives pour justifier la guerre sont inconcevables ; la guerre n'est jamais la solution. D'après les expériences amères de l'humanité du passé, nous savons que des vies ne devraient jamais être sacrifiées au nom d'une cause totalitaire qui prétend de manière trompeuse être représentative de l'ensemble. En 2022, avec la 10ème édition, KYOTOGRAPHIE souhaite célébrer l'existence unique de chacun et notre diversité collective. Nous espérons que « ONE » est une occasion de redémarrer, en reconnectant les déconnectés et en recherchant la renaissance d'un monde post-pandémique pacifique."

Pour voir le programme, cliquer ici

Le photographe Naoki Honjo est connu pour son style de photographie caractéristique qui utilise un appareil photo grand format avec un objectif à bascule et décalage pour capturer les villes comme s'il s'agissait de dioramas. Évoquant le sentiment d'un monde miniature, Honjo brouille les frontières entre la réalité et la fiction du monde qui nous entoure.
Il s'agit de la première exposition solo à grande échelle de l'artiste et présentera environ 200 œuvres, y compris des séries inédites, qui, ensemble, offrent un aperçu complet de sa carrière à ce jour. L'exposition met également en lumière de nouvelles œuvres spéciales qui présentent les villes hôtes où se tiennent ses expositions.

Pour découvrir le travail de Naoki Honjo, cliquez ici

Ce livre "Tokyo Silence" est un ouvrage rassemblant une collection de photographies N&B capturant la vie dans les rues de Tokyo entre 2003 et 2006. On pense que Tokyo est l'une des villes les plus bruyantes au monde, mais à travers ces photographies, je veux montrer l'autre aspect de Tokyo - pour moi, c'est une ville où un étrange silence règne au fond de notre vie comme de l'eau.

" Pendant cette période, j'étais fou de voyager en Chine. En Chine, partout où vous regardez, c'est le chaos. Les cris des gens dans les rues surpeuplées, les klaxons des voitures résonnant dans le ciel gris, les voix rugissantes des haut-parleurs dispersés dans toutes les villes - j'ai vraiment adoré ces bruits de rue chinoise et je me souviens avoir marché chaque jour comme frappé par la foudre.

Après m'être habitué à de tels bruits chaotiques en Chine, le silence de Tokyo m'a semblé très unique. Chaque fois que je revenais à Tokyo, je me demandais comment la ville pouvait-elle être si calme ? Personne ne parle dans les trains, personne ne crie dans les rues. Oui, Tokyo est aussi une ville bruyante, mais je pense que le caractère du bruit est intrinsèquement différent entre les deux pays. Ici à Tokyo, presque tous les bruits proviennent de la lecture automatique de musique, comme la musique de fond des magasins ou les publicités vidéo sur des écrans géants. Que se passerait-il si toute la musique en lecture automatique était soudainement coupée ? En me promenant dans les rues de Tokyo, je ressens parfois une illusion comme si j'étais au fond d'un aquarium, où un curieux silence nous entoure.

Une telle pensée m'a poussé à photographier les rues de Tokyo, un Leica chargé de film monochrome à la main. Je voulais capturer ce silence caractéristique de Tokyo, et le silence qui s'installe profondément en nous."

Disponible chez : Photobookstore ,  Setantabook

Vous pouvez trouver des informations complémentaires sur l'artiste en cliquant ici

IBASHO présente l'exposition personnelle d'Hiromi Tsuchida "A Retrospective". Tsuchida est l'un des grands maîtres de la photographie japonaise, qui produit des œuvres uniques depuis les années 1970. Il a réussi de manière unique à métaphoriser l'orientation socio-économique de son pays grâce à un certain nombre de techniques et d'approches. Des œuvres de ses séries phares «Zokushi», «Counting Grains of Sand», «Hiroshima Collection» et «Hiroshima Monument» seront exposées.

Pour en savoir plus, cliquer ici

Vous pouvez également visionner une vidéo ici

(Un autre) Éloge de l'ombre
La photographie japonaise dans les collections du musée

Au musée Réattu, à Arles, vous est proposée une exposition  de grands photographes japonais contemporains : Eiichiro Sakata, créateur d'étonnants portraits d'artistes ; Kishin Shinoyama, maître du nu féminin et réalisateur d'une fascinante série sur une maison de tatouage à Yokohama ; Keiichi Tahara et Senji Taniuchi, dont les séries Fenêtres et Reflections respirent le « Ma » (間), un concept purement japonais fusionnant les notions de temps et d'espace.
Le titre de l'exposition rend hommage à l'écrivain Jun'ichirô Tanizaki, auteur de l'éloge de l'ombre (1933), essai à travers lequel il défend une certaine idée de l'esthétique japonaise, qui donne une importance considérable à la pénombre, au clair-obscur et à la patine des choses.

Dans les photographies conservées au musée, l'ombre joue en effet sa partition aussi fort que la lumière ; elle anime les surfaces, organise l'espace, donne profondeur et mystère aux images ; elle n'est pas une absence de lumière, elle est une matière active, un espace de suggestion à travers lequel tout peut advenir.

Pour en savoir plus, cliquer ici

PALAZZO AMALTEO / GRAND OPENING
Situé à Venise dans un palais classé de 1540, le Palazzo Amalteo ouvre un tout nouvel espace d’expositions aménagé avec les standards museaux les plus élevés. Le directeur, Jean-Michel Ribettes, est un curateur d’art contemporain avec une longue expérience internationale (Fondation Cartier à Paris, PS1-MoMA à New York, Metropolitan Art Museum à Tokyo, etc.).

La programmation - art contemporain et architecture - est assurée par une sélection de curateurs internationaux. Chacune de ces signatures est invitée à oser l’audace et plus encore à assumer ses propres péjugés - loin des effets de consensus. Le programme du Palazzo Amalteo s’appuie seulement sur un principe d’excellence : à la fois surprendre, contrarier et ravir.

À l’occasion de l’inauguration de la Biennale d’Art de Venise an avril 2022, le Palazzo Amalteo fait son Grand Opening.

HOMO FABER
Du 10 avril au 1er mai 2022, dans le cadre de l’événement culturel Homo Faber in Città, le Palazzo Amalteo présente une exposition intitulée Le Dit du Genji réunissant les œuvres récentes de l’artiste japonaise Kimiko Yoshida. Organisé par la Fondazione MichelAngelo auprès de la Fondazione Cini à Venise, le programme Homo Faber 2022 a pour invités d’honneur des Trésors vivants du Japon.

LE DIT DU GENJI
La photographe Kimiko Yoshida travaille à Kyoto avec de prestigieux artisans, founisseurs de la Cour impériale, pour créer une série de kakejiku (peinture japonaise traditionnelle en rouleau qui se déroule pour être accrochée au mur).

Kimiko Yoshida présente des kakejiku géants (350 x 180 cm) réalisés avec l’ensemble de la soie composant traditionnellement un kimono; chaque lé de soie est sérigraphié à la laque ton sur ton avec un pattern qui requiert 7 passages de couleur.

Une autre série de kakejiku, de grandes et moyennes dimensions, présente une double image. Dans la prestigieuse tradition de l’artisanat japonais, d’anciens dessins illustrant Le Dit du Genji (récit écrit au XIe siècle par dame Murasaki-shikibu) sont appliqués à la laque et poudre d’or sur les autoportraits photographiques de l’artiste (impression pigmentaire sur toile). Ces “images laquées” (urushi-e) présentent ainsi des “doubles images” qui quperposent, comme par transparence, une image ancienne et une image contemporaine.

Pour en savoir plus sur cette exposition :

https://amalteo.it/exhibitions/

https://kimiko.fr/project/urushi-e/

https://www.homofaber.com/it/in-citta

Pour découvrir le travail de Kimiko Yoshida, cliquez ici

Pour en savoir plus sur Kimiko Yoshida, n'hésitez pas à lire notre article dans la section Bain d'arrêt ou cliquer ici

Depuis 2002, Kei Ono a commencé la photographie avec deux séries importantes "The Glare of Youth" et "NEW TEXT" dans lesquelles il a photographié des lycéens dans tout le Japon. Alors qu'Ono parcourt le Japon pour photographier des sujets rencontrés sur le web, il se rend compte que la construction de centres commerciaux augmente un peu partout. Le centre commercial, d'ailleurs, est déjà présent dans les photos de ces deux séries, devenu un endroit de vie pour ces lycéens que Kei Ono photographie.
Capturant les images de ce lieu de vie qu'est le centre commercial, Kei Ono donne à regarder les changements du Japon et nous permet de nous poser des questions sur nos vies et notre façon de vivre.
Dans les années 2010, Kei Ono quitte le monde des lycéens pour se tourner  sérieusement sur l'univers du centre commercial. Le centre commercial apparaît comme un énorme boîte étouffant les désirs et les différences des gens. A l'intérieur, le comportement humain est à la fois une errant sans réel but et pourtant connecté au quotidien. Comment fonctionne ce lieu, à la fois ville et paysage, un étrange paravent du paysage local ? Et avec le temps, certains centres commerciaux sont abandonnés pour d'autres centres commerciaux qui continuent à se construire.
Ce livre de photographies est une tentative de fixer une image du centre commercial comme un nouveau lieu commun des hommes, et cela, à travers 20 ans de photographie, permettant de voir le cycle social et humain à l'intérieur et à l'extérieur de ce lieu.

Ce que j'avais découvert, c'était simplement le monde dans lequel je vivais. Autour du centre commercial, de nouvelles résidences ont été construites. Le long des rues se trouvent des magasins de grands détaillants d'électronique ou des géants de la restauration rapide, et sur les routes des camions qui approvisionnent tout cela. D'ACCORD. C'est notre monde. J'avais perçu les hommes, mes lycéens photographies, comme des choses distinctes alors qu'elles étaient en fait connectées, et le centre commercial faisait également partie de cet ensemble.
J'étais sûr que l'appareil photo télémétrique moyen format était le mieux adapté au thème. je l'utilisais depuis que j'étais étudiant, et je marchais sans relâche avec lui et un trépied pliable dans tout le Japon. La nature du projet semblait s'être élargie des portraits pour inclure les paysages aussi.

Disponible chez : Akaaka

Vous pouvez trouver des informations complémentaires sur l'artiste en cliquant ici

“Il y a plusieurs raisons de déménager. Dans mon cas, un matin, j’ai été soudainement submergé par la sensation étrangement convaincante que je ne devrais plus être ici.”

Dans Moving Away, la photographe japonaise Miyako Ishiuchi devient elle-même le sujet de sa photographie. Au cours des trois années qui se sont écoulées entre la décision soudaine de quitter la maison dans laquelle elle avait vécu pendant 43 ans et son déménagement réel, elle a pris une série de paysages, de photos de rues, de plans de détail et de vies autour de sa maison et de son quartier que tous – soit directement comme une image miroir ou indirectement – la présentez d’une manière ou d’une autre. Ishiuchi documente la fin d’un autre chapitre de sa vie avec attention, sentimentalité mais aussi résolument positivement.

“J’ai toujours cru que chaque photographie est le reflet de son créateur, quel que soit son sujet. Je ne me suis donc jamais photographié intentionnellement. Mes photographies se sont toujours démarquées de l’essence de la photographie en tant que documentation afin d’évoquer l’extraordinaire.”

 
Disponible chez : La Chambre Claire

"Chicharrón" - lauréat du Cosmos Arles PDF Award 2018 - présente les photographies au flash hautement saturées de Hiro Tanaka prises sur la route aux États-Unis. Les photographies (principalement des gros plans d'objets, de paysages, de scènes humoristiques et de portraits) sont présentées comme diptyques dans le livre.
Tanaka est arrivé aux États-Unis pour la première fois après avoir remporté un voyage gratuit lors d'une tombola dans un centre commercial, puis a choisi la photographie en voyageant avec des groupes punk.

« Poetry of Clothing » est un portrait de vêtements : des vêtements en tant qu'objets qui transcendent le temps et l'espace. Cette exposition capture l'interaction entre les vêtements et la nature calme et sereine du Japon où les sons des oiseaux, des rivières, du vent et des montagnes s'imprègnent dans le vêtement. Le sujet des oeuvres de cette exposition est un nouveau vêtement dont le focus est sur la recherche du matériau, de la forme et tout cela dans une perspective philosophique du costume shintoïste qui est transmis depuis plus de mille ans au Japon. Dans cette exposition, seront exposées également des œuvres vidéo sur le thème de l'admiration pour la nature à laquelle on ne peut résister et des prières secrètes dédiées à la nature. Cette exposition est un travail photo et vidéo réalisé en collaboration avec la créatrice de mode néerlandaise Maryam Kordbacheh et l'artiste japonais Hiromi Kakimoto.

Vêtements en collaboration avec l'artisan japonais Yoshida Shozoku. Avec le soutien de MonoJapan. Financé par Dutch Stimuleringsfonds.

Pour découvrir le travail de Hiromi Kakimoto, cliquez ici

HRD Fine Art présente une exposition personnelle de Takashi Suzuki, intitulée « Are you my echo. ». Cette exposition est présentée dans le cadre du programme de "KG+ 2021", un événement satellite du "Kyotographie International Photography Festival".

Takashi Suzuki est né à Kyoto en 1971. Il a étudié l'art photographique à l'Art Institute of Boston aux États-Unis et à la Kunstakademie Dusseldorf en Allemagne, et est maintenant basé à Kyoto.

L'intérêt principal de Suzuki réside dans l'acte de voir/regarder, et sa relation avec la perception et la compréhension humaines. Sa création est multicouche, utilisant non seulement la photographie mais aussi les objets et la vidéo afin de présenter les écarts et les écarts entre les phénomènes réels et les images qui les capturent, ainsi que la fluctuation de la perception humaine causée par de tels écarts et écarts.

Ces dernières années, Suzuki a travaillé sur la construction de l'espace en adoptant la méthode du montage, en assemblant différentes œuvres d'art et en transformant l'ensemble de la galerie en un espace/œuvre d'art expérimental. Suzuki sélectionne toujours un mot-clé spécifique pour définir un affichage spécifique, et pour cette exposition solo, le mot-clé est "écho". Au sein de la maison de ville machiya qui date de plus de 90 ans, le phénomène et le concept « d'écho » produisent des réverbérations complexes.

 
 
Une visite virtuelle est proposée en vidéo ( seulement en Japonais) : cliquez ici
 

Pour découvrir le travail de Takashi Suzuki, cliquez ici

Mari Katayama, artiste polymorphe, allie sculpture, couture, performance et photographie dans une œuvre intime qui interroge le spectateur sur sa propre relation au corps.

Pour en savoir plus, visiter le site de la MEP : cliquer ici

Cet été, Yumiko Chiba vous propose une exposition de photographies qui nous fait réfléchir sur ce qu'est la photographie.

L'histoire de la photographie est l'histoire de l'invention en tant que technologie de reproduction et d'enregistrement, mais aussi l'histoire d'un nouveau mode d'expression  dans le monde de l'art. Ce faisant, la photographie acquis une expressivité, une politique et une expérimentation technique sans précédent. L'histoire d'une telle photographie doit avoir été une tentative d'explorer et d'actualiser constamment les questions "qu'est-ce que la photographie" et "que peut-on faire avec la photographie".

Cette exposition présente des œuvres photographiques de Ryudai Takano (actuellement exposé  au National Museum of Art), Osaka, Jiro Takamatsu, Yuki Onodera, Osamu Shiihara, Wols et Eugene Atget.

À travers le travail de ces artistes qui ont élargi les possibilités de la photographie en tant que médium, on peut découvrir des œuvres photographiques expérimentales positionnant aujourd'hui la photographie comme un moyen d'expression important dans le monde de l'art contemporain.

« HESTER est le titre de l'une de mes photographies présentées dans ce livre et est à l'origine un personnage du roman, A Prayer for Owen Meany, de John Irving. Je suis attirée par cette femme fictive particulière, Hester, en raison de sa nature extrême; c'est une extravertie, agressive et chaotique, mais aussi sensible, aimante et charmante.

Avec beaucoup d'affection, je pourrais appeler toutes les femmes de mes photographies 'Hester'." - Kumi Oguro.

Depuis plusieurs années, Kumi Oguro poursuit un projet photographique centré sur la création de scènes incluant des figures féminines. Ses compositions éveillent l'imaginaire et l'inconscient du spectateur, se connectant à une multitude de références culturelles que chaque individu peut détenir.

Les photographies sont un point d'immobilité dans un « monde juste à côté du nôtre », comme le décrit Kumi Oguro, où l'esprit va errer à travers son livre de mémoire et de pensée. (extrait de texte de Laura Barnicoat)

Les textes du livres sont d'Alain Delaunois et Hans Van den Broeck.
Langue : français, anglais et japonais.

Cette série " Truth is One " a été prise lors d'un séjour à la Kriti Gallery & Artist Residency à Varanasi, en Inde. Voici des extraits du texte décrivant le projet, écrit par Okura Hiroshi (directeur Sakyukan, critique d'art) :

" ... Jeune enfant, elle (Mi Yeon) croyait être le seul "moi", jusqu'à ce  jour où elle est surprise d'apprendre qu'il y avait d'autres « moi » dans le monde...."

" Les photos rapportées d'Inde par Mi-Yeon .../... séduisent par leur générosité, comme une expansion illimitée de sa première découverte de ces autres "moi". Lumière chatoyante sur le Gange, les gens portent, se parent, se frottent avec du rouge, du vermillon, du cramoisi. La lumière et les couleurs vives qui imprègnent ses photos sont à la fois la vraie lumière et la vraie couleur, et aussi la lumière et la couleur trouvées au plus profond du « moi (seul) » de chacune des personnes venant prier, se baigner, s'attarder au bord de la rivière .../... Les photos de Mi-Yeon, qui a commencé à visiter des sites sacrés dans des endroits tels que l'île de Jeju et Okinawa, se déplacent comme des aiguilles de boussole pointant vers des endroits éloignés mais très proches, démêlant les chevaux de masses humaines d'individus éparpillés le long du chemin."

Texte original complet traduit en anglais : Ici
 

"Cherry blossoms are so beautiful
that I don't think I've spent as much
time looking at anything else

Facing a saura tree
my eyes shift
from one petal to another
from one flower to another
until the whole picture is grasped

In 'SAKURA'
I attempt to visualize
the move of my observing eyes
and crystallise the visual experience
of meditating and wandering upon
the blooming tree

As a result
the images show that
photography captures nog only
a specific moment
but also the passing of time"

- Yoshinori Mizutani
design by Akiko Wakabayashi
text by Yoshinori Mizutani in English and Japanese

Cet été, IBASHO a choisi le thème 'Mizu', le mot pour 'eau' en japonais. En tant que nation insulaire, le Japon a un lien profond avec l'eau de diverses manières, créant une histoire culturelle où l'eau et la vie vont de pair.

Parmi les photographes présentés, des photographes contemporains japonais - Mika Horie, , Keiichi Ito, Miho Kajioka, James Osamu Nakagawa, Asako Narahashi et Toshio Shibata  ont été choisis pour montrer leur regard sur l'eau, "mizu".

La galerie nous raconte :

"Au Japon, sous l'influence de la religion indigène shintoïsme, "Mizu" est censé incarner la pureté et la simplicité souple de la vie. Une connexion spirituelle avec des éléments comme l'eau est considérée comme une force principale dans la vie d'un prêtre shintoïste. De même, les chutes d'eau sont considérées comme sacrées et se tenir sous l'une d'elles est censé purifier l'individu...".

 
Pour plus d'information et continuer votre lecture, cliquer sur : #47 mizu
 

Vous pouvez également voir une vidéo présentant l'exposition sur le lien suivant :

#47 mizu vidéo

La relation entre les hommes et la nature a été un thème principal des travaux photographiques de Yasuyuki Takagi. Ce photographe a porté son attention sur « les jardins bohèmes des rues » du centre-ville de Tokyo et ce travail a été présenté dans son livre photo Ueki  voulant dire « petits pots et jardins » (voir section livres)

Cette exposition inclut des Polaroïds et des photographies de plantes en pot mais également les matériaux de recherche collectés par le photographe. Le but est de réfléchir sur l'art et l'histoire de notre culture « Ueki » et de  nos liens avec la vie végétale.

Une promenade dans le Tôkyô traditionnel où les façades s'ornent de petits pots de fleurs et de plantes.

Accompagné d'un texte de Philippe Pons et sous la direction artistique d'Eric Pillault

Prenez une minute pour découvrir le processus de fabrication et d'impression du livre.

Les oeuvres de KAI Keijiro entraînent le spectateur dans la foule durant des rituels traditionnels de combat ou de sport du monde entier qui sont antérieurs à notre concept moderne de « sport ». En examinant de près l'interaction humaine dans ces cadres traditionnels, les photographies de KAI nous offrent un aperçu de l'essence même de la vie humaine.

Hauling the City est une série de photographies en noir et blanc de paysages tissés par des poteaux électriques et des câbles dans les 23 quartiers de Tokyo. Makino montre que Tokyo possède un système électrique, un des moins enterrés parmi les pays développés au monde, présentant ainsi un paysage incroyablement chaotique juste en levant les yeux.

À première vue, ces images sont pleines d'humour et de divertissement, mais le paysage urbain avec des lignes droites et courbes tentaculaires dans l'air reflète les conditions sociales et apporte une touche mélancolique au paysage.

Vous pouvez voir l'exposition en 3D : Cliquez ici

" Mon nouveau livre  The Dreaming inclut 86 images noir et blanc sélectionnées de mes 27 années de carrière en tant photographe et voyageur . Lorsque j'ai eu 50ans l'année dernière, j'ai décidé de trier tous mes négatifs noir & blanc. Chaque moment de mes voyages m'est apparu comme une vision d'un rêve. C'était cette pensée qui m'a poussé à faire ce livre. "

- Yasuhiro Ogawa

De 2018 au printemps 2020, Fugo et Uomoto ont travaillé ensemble sur ce projet où ils ont pris des photos de leur environnement en se synchronisant lorsqu'ils appuient sur le déclencheur. Ils ont regroupé ces photos en 40 paires et intitulé cette série, en même temps. Il y a des juxtapositions de contrées lointaines et de scènes domestiques mais aussi certaines prises dans la même ville. Les gens naissent dans des endroits différents; certains étendent leurs racines hors de leurs origines, tandis que d'autres se délocalisent vers des endroits différents. La vie continue mais il y a un nombre infini de perspectives existantes en regardant simultanément un nombre infini de scènes. Dans un monde COVID-19 dans lequel la distance entre les gens a créé une anxiété existentielle, nous espérons que cela créera en même temps une opportunité d'imaginer ces autres perspectives dans ce monde où nous partageons le temps.

En 1989, lorsqu'au Japon l'ère de Showa est passée  à l'ère de Heisei, j'ai voyagé au Royaume-Uni et y a vécu pendant deux ans. En y réfléchissant bien, peut-être que je me sentait étouffé par l'essor de la bulle économique au Japon.

Trente ans plus tard, en 2019, au Japon, l'ère de Heisei est passée  à l'ère de Reiwa. J'ai décidé de louer une petite voiture et de faire tout le chemin depuis Margate , la ville du sud où j'ai vécu pour la première fois , à l'extrême nord du Royaume-Uni.

Disponible chez: BAL BOOKS et Le Plac'Art Photo