Arrêt sur actu

Ihei KIMURA — Living in Photography|TOP MUSEUM 👁

 

Hongo Morikawa-cho, Tokyo, 1953 © Naoko Kimura
Exposition de photographie

Ihei Kimura — Living in Photography
50 Years after His Death

En commémoration du 50e anniversaire de sa mort, cette exposition présente le travail d'Ihei Kimura (1901-1974), un photographe qui a contribué de manière significative à l'histoire de la photographie japonaise. Kimura a été l'un des premiers à reconnaître le potentiel des nouveaux appareils compacts au format 35 mm pour l'expression photographique, appareils qui commençaient à peine à être utilisés dans les années 1920. Kimura a établi sa réputation en réalisant des portraits de personnalités littéraires et des instantanés de scènes quotidiennes dans les vieux quartiers de Tokyo, en utilisant ces appareils. Lors de la première exposition personnelle de Kimura, Portrait Photography of Literary Figures with the Leica Camera, qui s'est tenue en 1933, Kimura a établi son style unique en capturant les réactions spontanées de ses sujets, plutôt que de réaliser des portraits traditionnels. En 1936, il se rend pour la première fois à Okinawa et enregistre la vie quotidienne des habitants, capturant l'essence de la vie quotidienne. Cela a contribué à établir sa réputation de "maître de l'appareil photo Leica".

Photographe prolifique, Kimura a laissé derrière lui de nombreux chefs-d'œuvre capturant un large éventail de sujets. Il s'agit notamment de photos publicitaires et promotionnelles, de photos de kabuki et d'autres représentations théâtrales, d'œuvres réalisées avec des films couleur pendant son séjour en Europe, et d'une série de photos sur le thème des villages ruraux de la préfecture d'Akita. Sa grande curiosité et ses riches expériences sont à l'origine de son remarquable travail photographique et de sa profonde compréhension du matériel photographique et des matériaux photosensibilisés. Conscient de la fonction sociale de la photographie, qui consiste à transmettre des images de l'activité humaine par le biais des médias imprimés, il s'est positionné en tant que photojournaliste. Son expression photographique, qui se caractérise par une perspective particulière, est unique et continuera à vivre dans la mémoire de ceux qui la verront.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates Mar. 16—May. 12, 2024
Titre de l'exposition Ihei Kimura — Living in Photography
50 Years after His Death
Lieu Top Museum / Tokyo
Site https://topmuseum.jp/e

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The Marrow of Ropes, Hajime KINOKO| AKIO NAGASAWA gallery AOYAMA 👁

© Hajime Kinoko, COURTESY AKIO NAGASAWA GALLERY
Exposition de photographie

La galerie Akio Nagasawa Aoyama a le plaisir de présenter The Marrow of Ropes, une exposition personnelle de Hajime Kinoko.
Hajime Kinoko, maître du Shibari, est un artiste de la corde qui élève le bondage au rang d'art. Outre sa performance consistant à "lier" des personnes, Kinoko crée également des installations uniques dans lesquelles il transforme des objets naturels (pierres, arbres, etc.), des bâtiments et des espaces par le biais du bondage. Son travail a été activement présenté dans le monde entier, y compris au Japon.
C'est une belle occasion pour découvrir le monde tissé par le bondage, une culture japonaise unique.

 

I tie people up. Why do I do this, and what is the purpose? Is it even necessary? I have been working with rope on a daily basis, and before I knew it, the rope had become like a natural extension of my hand. When wrapping people up in rope and at once giving them love, the tied-up person’s mind relaxes, while the rope at once binds us together. The act of tieing up has the reverse effect of loosening up. This transformation process is what bondage is all about. As a rope artist, I have been tieing up all kinds of objects, even spaces, by various techniques. I arrived at a point where I felt the desire to revisit the essence of bondage, and leave a tangible trace.

Hajime Kinoko

 

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates 8  au 30 mars 2024
Titre de l'exposition The Marrow of Ropes
Lieu AKIO NAGASAWA - AOYAMA
Site https://www.akionagasawa.com/en/

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Tomoaki ISHIHARA, Saccade and Afterimage |MEM Gallery 👁

 

Eye Throw, 2022, Video (color, sound, 2min 36sec.)
Copyright Tomoaki Ishihara
Courtesy MEM Gallery Tokyo
Exposition de photographie

Tomoaki Ishihara crée des œuvres qui remettent en question le cadre des médias et la structure de la vision tout en franchissant les frontières de la photographie, de la peinture et de la sculpture. Ici, Ishihara présentera une installation vidéo basée sur l'hypothèse que l'"obscurité" peut être nécessaire pour une vision stable du monde, dérivée de la recherche sur les mouvements oculaires de "saccade" et l'image rémanente visuelle.

Les yeux bougent. Ils sont toujours en mouvement. Il ne s'agit pas de simples mouvements du corps, mais on dit que le globe oculaire tremble environ trois fois par seconde. Ce mouvement inconscient de l'œil est appelé "saccade". Malgré ces mouvements oculaires, le monde apparaît stable, sans aucune distinction. Il existe des explications scientifiques à ce phénomène, mais il est assez étrange que les humains n'aient pas le mal des transports dans leurs véhicules, car le monde devrait être constamment en mouvement instable.

Par ailleurs, j'ai entendu dire que le phénomène de "l'image rémanente" facilite les transitions fluides entre les images d'un film. En réalité, il y a une obscurité entre chaque image. Mais on dit que dans cette obscurité, le spectateur reste avec l'image rémanente de ce qu'il regardait l'instant d'avant. Ce phénomène d'image rémanente m'a été rappelé lorsque j'ai découvert le phénomène de la saccade. L'obscurité est peut-être nécessaire à la stabilité du monde.

Tomoaki Ishihara

Cette exposition est organisée dans le cadre des programmes de partenariat du festival international d'art et de visions alternatives de Yebisu 2024.

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Dates Du 1er au 29 février 2024
Titre de l'exposition Tomoaki Ishihara |Saccade and Afterimage
Lieu MEM Gallery Tokyo
Site https://mem-inc.jp/

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The Sea of Oblivion|Shinichiro Uchikura 📚

 

"Globe", from the series "The Sea of Oblivion"

2023 archival pigment print copyright Shinichiro Uchikura,
courtesy KANA KAWANISHI GALLERY
Exposition de photographie

Nous sommes heureux de vous présenter  la publication de la monographie de Shinichiro Uchikura, The Sea of Oblivion (Akaaka Art Publishing, Inc.), publiée en 2023. Shinichiro Uchikura est un photographe originaire de la ville de Nobeoka, dans la préfecture de Miyazaki. Après avoir étudié la photographie à Osaka, il a commencé sa carrière en présentant des clichés de rue et des autoportraits. Depuis qu'il a repris le studio photo de son père en 2009, il s'est installé dans la préfecture de Miyazaki, où il a réalisé diverses œuvres photographiques. Ses portraits, qui ont donné lieu à la monographie My Portrait (2020, Akaaka Art Publishing, Inc.), ont été récompensés et salués par de nombreux prix. Sa précédente œuvre, Collection, dans laquelle il a photographié divers objets abandonnés à Nobeoka, a remporté le 41e prix d'excellence Canon New Cosmos of Photography et a été sélectionnée pour le "Tokyo Photography Month 2022" organisé par la Japan Photographic Society et le Tokyo Metropolitan Museum of Photography.

Pour The Sea of Oblivion, Uchikura dit avoir été absorbé par une promenade en bord de mer, un appareil photo à la main, où de nombreux plastiques, objets de la vie quotidienne et débris inattendus s'étaient échoués. Recueillant les voix aphones des choses qui ont cessé d'exister, les images sont comme les derniers portraits de ces objets. En prenant une vue d'ensemble des traces de l'activité humaine, l'œuvre transcende le temps et évoque même un sentiment d'émerveillement.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Voici le lien de la dernière exposition présentant la série du livre. Cliquez ici

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Le Japon en couleurs. Photographies du XIXe siècle|MAD Paris 👁

 

Atelier de Kusakabe Kimbei, L’Avenue des cerisiers à Tokyo, 1880-1903
Épreuve sur papier albuminé rehaussée de couleurs
© Les Arts Décoratifs / photo : Christophe Dellière
Exposition de photographie

À l’occasion d’une publication aux éditions Volonté d’art, le musée des Arts décoratifs présente à la bibliothèque, du 8 novembre 2023 au 28 janvier 2024, l’exposition « Le Japon en couleurs. Photographies du XIXe siècle ». 35 photographies inédites rehaussées de couleurs issues du fonds de photographies japonaises composé de plus de 800 épreuves, illustrent une vision pittoresque du Japon. Appartenant à la vogue des « Yokohama Shashin », ces images offrent une version théâtralisée et stéréotypée du pays du Soleil Levant.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates 8 novembre 2023 au 28 janvier 2024
Titre de l'exposition LE JAPON EN COULEURS. PHOTOGRAPHIES DU XIXe SIÈCLE
Lieu MAD Paris
Site https://madparis.fr/

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M/E |Rinko KAWAUCHI 👁

 

Exposition de photographie

Pour la première fois depuis 2005, Rinko Kawauchi revient à Paris, avec une exposition pensée sur mesure pour Photo Days dans un lieu privé exceptionnel, la Fondazione Sozzani.

Rinko Kawauchi (née en 1972) est réputée pour la douceur et la luminosité de ses photographies couleurs qui révèlent, depuis ses premières œuvres, le mystère, l'éclat, la fragilité et la force de la vie sous toutes ses formes. Son regard se pose aussi bien sur les êtres délicats de son environnement immédiat, qu'il s'agisse de la flore, de la faune ou des membres de sa famille, que sur les grandes forces de la nature que constituent les volcans et les glaciers formés au cours de longues périodes temporelles. La sensibilité unique de sa photographie révèle les liens entre ces sujets, qui brillent tous d'un même éclat vital.

L’exposition imaginée ici par Rinko Kawauchi est constituée d’une installation spectaculaire qui occupe la hauteur sous plafond de cet ancien bâtiment industriel, d’une vidéo, et d’un ensemble de photographies sélectionné à partir de ses dernières séries, M/E, An Interlinking et Illuminance.

Avec le soutien de Dance Reflections by Van Cleef & Arpels

Née en 1972, Rinko Kawauchi vit et travaille au Japon.
Représentée par la galerie Priska Pasquer Paris

 

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates  7 au 21 novembre 2023
Titre de l'exposition M/E
Lieu Fondazione Sozzani
Site www.fondazionesozzani.org

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Revolution 9: Homma Takashi|TOP MUSEUM 👁

 

New York from the series THE NARCISSISTIC CITY 2013 ©Takashi Homma Courtesy of TARO NASU
Exposition de photographie

 Takashi Homma(né à Tokyo en 1962) a reçu le 24e prix Kimura Ihei pour son livre de photos Tokyo Suburbia (publié par Korinsha) en 1999. L'ouvrage a été très apprécié pour la manière dont Homma maintenait une certaine distance par rapport à ses sujets - des personnes et des paysages de la banlieue de Tokyo en cours de développement - et une perspective dépourvue de lyrisme.

En 2011 et 2012, Homma a organisé une exposition solo de grande envergure intitulée New Documentary, qui a été présentée dans trois musées au Japon. L'exposition comprenait à la fois des œuvres anciennes et nouvelles, offrant une vue d'ensemble des photographies et des vidéos de l'artiste. Elle comprenait ses premiers travaux pour des publications telles que le magazine culturel i-D, Tokyo and My Daughter, une œuvre qui se concentre sur des scènes de Tokyo et une jeune fille qui grandit dans cette ville en constante évolution, ainsi qu'une œuvre vidéo basée sur le photographe Nakahira Takuma.

Cette exposition, la première exposition individuelle de Homma dans un musée japonais depuis une dizaine d'années, se concentre sur des séries telles que The Narcissistic City, que l'artiste a décrite comme une tentative "d'utiliser la ville pour filmer la ville" en photographiant des villes du monde entier en utilisant des pièces comme s'il s'agissait d'appareils photo à sténopé. La lumière qui pénètre par un petit trou ouvert sur l'extérieur capture spontanément des paysages urbains inversés à l'intérieur de la pièce plongée dans le noir.

L'improvisation est l'un des mots clés de l'exposition. Homma s'intéresse actuellement à l'incorporation du hasard dans ses œuvres et ses expositions, et le titre anglais de cette exposition est "Improvisation".

Organisé par Tokyo Metropolitan Government, Tokyo Photographic Art Museum et mis en oeuvre par Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture

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Dates  6 octobre 2023 au 21 janvier 2024
Titre de l'exposition Revolution 9: Homma Takashi
Lieu Top Museum / Tokyo
Site https://topmuseum.jp/e

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Keiichi Tahara – Torse, 1987-1995|VLC by AKIO NAGASAWA 👁

 

Keiichi Tahara, Torse, 1987-1995
©︎ Keiichi Tahara, Courtesy of Akio Nagasawa Gallery
Exposition de photographie

La galerie VLC by AKIO NAGASAWA présente une exposition des photographies de Keiichi Tahara intitulée Keiichi Tahara "Torse, 1987-1995"

Né à Kyoto en 1951, Keiichi Tahara s'installe en France en 1971.
Il commence sa carrière de photographe, captivé par la lumière perçante de l'Europe, comparée à la lumière douce du Japon.
En 1977, à l'âge de 26 ans, il remporte le Grand Prix du Festival international d'Arles pour sa série Fenêtre, 1973-1981 qui le propulse sur le devant de la scène internationale.
Installé à Paris jusqu'en 2006, Tahara a travaillé sur des projets pour le gouvernement français dans un large éventail de genres tels que la photographie, la sculpture, l'installation et l'architecture sous le thème de la "lumière". Il a organisé de nombreuses expositions au Japon et en Europe.
Il a reçu de nombreux prix, dont le Kimura Ihei Photography Award, le Prix Nicéphore Nièpce, Chevalier des Arts et des Lettres de France, et le Grand Prix de la Ville de Paris.

Ses principales publications comprennent Architecture de Fin de Siècle (Kodansha), Architecture de Fin de Siècle (Taschen America LIC), L'Opéra de Paris (Bunkensha), et Light-Sculpture-Photography (ASSOULINE/MEP), etc. Tout en produisant ses propres œuvres, il a également participé à divers projets en tant que premier consultant japonais en stratégie de marque pour des maisons internationales telles que Cartier et Dom Pérignon. En 2017, il a organisé la première exposition à grande échelle au monde à la Galerie nationale de Prague.

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Dates  7 septembre au 22 décembre 2023
Titre de l'exposition Keiichi Tahara - "Torse, 1987-1995"
Lieu VLC Gallery by AKIO NAGASAWA
Site https://vlcgallery.com/en

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Leap Before You Look |TOP MUSEUM 👁

Utsu Yumiko, Chicken and Macaw, 2022 ©Yumiko Utsu
Exposition de photographie

Depuis 2002, le musée d'art photographique de Tokyo organise une exposition annuelle de photographie japonaise contemporaine afin de soutenir les esprits créatifs qui repoussent les limites de la photographie et du cinéma, de découvrir des artistes prometteurs et de présenter de nouveaux projets créatifs. Le vingtième volume de cette année présente cinq artistes et explore leur volonté de vivre en des temps incertains.
Depuis l'aube du XXIe siècle, nos vies ont été bouleversées par une série d'événements majeurs, à commencer par les attaques terroristes aux États-Unis, le tremblement de terre du Grand Est du Japon, la pandémie COVID-19 et l'invasion de l'Ukraine par la Russie. L'incertitude quant à l'avenir peut alimenter l'anxiété, la confusion et l'hésitation à essayer de nouvelles choses. Nous craignons de commettre des erreurs, nous reculons devant les défis et nous nous retrouvons dans une “solitude ten thousand fathoms deep” (W.H. Auden). Comment pouvons-nous nous libérer de cette tension spirituelle ?

Cette exposition présente cinq artistes qui sont confrontés à cette solitude profonde et dont les approches uniques de l'art photographique reflètent leurs motivations à vivre. Même lorsqu'ils sont plongés dans la solitude, leurs œuvres recherchent la connexion avec les autres, nous aident à nous libérer de l'entêtement et nous rappellent les choses qui enrichissent notre vie.
“Leap before you look” (qui pourrait se traduire par "Sauter avant de regarder") a toujours fait partie de la façon dont nous menons notre vie.

Artistes exposés
Utsu Yumiko -
Fuchikami Yuta
Hoshi Haruto
Mumuko
Yamagami Shimpei

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Dates  27 octobre 2023 au 21 janvier 2024
Titre de l'exposition Leap before you look
Lieu Top Museum / Tokyo
Site https://topmuseum.jp/e

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Le Japon en couleurs. Photographies du XIXe siècle|MAD Paris 👁

 

Atelier de Kusakabe Kimbei, L’Avenue des cerisiers à Tokyo, 1880-1903
Épreuve sur papier albuminé rehaussée de couleurs
© Les Arts Décoratifs / photo : Christophe Dellière
Exposition de photographie

À l’occasion d’une publication aux éditions Volonté d’art, le musée des Arts décoratifs présente à la bibliothèque, du 8 novembre 2023 au 28 janvier 2024, l’exposition « Le Japon en couleurs. Photographies du XIXe siècle ». 35 photographies inédites rehaussées de couleurs issues du fonds de photographies japonaises composé de plus de 800 épreuves, illustrent une vision pittoresque du Japon. Appartenant à la vogue des « Yokohama Shashin », ces images offrent une version théâtralisée et stéréotypée du pays du Soleil Levant.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates 8 novembre 2023 au 28 janvier 2024
Titre de l'exposition LE JAPON EN COULEURS. PHOTOGRAPHIES DU XIXe SIÈCLE
Lieu MAD Paris
Site https://madparis.fr/

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Hiromi Kakimoto « Starboy » |The Third gallery Aya 👁

@ Hiromi Kakimoto
Exposition de photographie

La galerie The Third Gallery Aya présente la nouvelle série de Hiromi Kakimoto, Star Boy : Night of the Flood.

Pour créer cette série photographique, Hiromi Kakimoto a été inspirée après avoir vu des photos de son père décédé dans un vieil album de famille. Cela l'a amenée à réfléchir à la relation entre la photographie et la mémoire, ainsi qu'à la nature des médias, tout en s'inspirant d'anecdotes que son père lui a racontées de son vivant.

Hiromi Kakimoto a fait ses débuts avec Returning Memory, dans lequel elle a exploré ses propres souvenirs en photographiant sa jeune sœur. Dans Little World, elle a évoqué un monde idéal dans l'imagination des jeunes filles, et dans sa série emblématique The Time of the Cocoon, elle a convoqué des images du subconscient issues des souvenirs et des rêves des jeunes filles. Au cours de résidences en Suisse et en Suède, elle s'est intéressée au processus de construction de nouveaux récits à partir de souvenirs ambigus, et a continué à reconstruire photographiquement des souvenirs occupant une zone intermédiaire entre le réel et l'irréel et des traditions transmises de génération en génération.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates  13 octobre au 4 novembre 2023
Titre de l'exposition Starboy
Lieu The Third Gallery Aya
Site https://thethirdgalleryaya.com/en/exhibitions/star-boy/

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Warp and Woof, Hiroyuki Takenouchi |PGI – gallery 👁

@Hiroyuki Takenouchi
Exposition de photographie

Le photographe japonais Hiroyuki Takenouchi (né en 1982 à Tokyo) a commencé sa carrière après avoir obtenu son diplôme de l'Institut supérieur de photographie de l'Université des arts de Nihon en 2008. Il a reçu une mention honorable au New Cosmos of Photography Awards en 2008 et le Special Award au Shiogama Photo Festival en 2009. Il a notamment exposé Liberty City (P.G.I.), Crow (P.G.I.), Things will get better with time (Gallery Trax), The Fourth Wall (PGI) et Distance and Depth (Studio Staff Only).
Qu'il prenne des photos de paysages urbains, d'arbres et de fleurs dans la nature, de la vie quotidienne ou d'amis chers, Takenouchi défie les règles tacites de la société et s'efforce de révéler la nature cachée de ses sujets. Confrontant la solitude, l'aliénation et les actions souvent négligées, sa photographie est une enquête sur les nuances de la diversité et de l'identité. Avec sa perspective unique et son regard tranquille, Takenouchi nous laisse entrevoir la beauté d'existences équivalentes.

Cette exposition présente des images de la nouvelle série Warp and Woof de Takenouchi, dont le titre fait allusion aux éléments de base du tissage et, par extension, aux fondations du monde.

Écoutons l'artiste nous parler de son exposition :

J'ai vécu une sorte de choc culturel lorsque j'ai visité une commune hippie pour une séance photo. C'était un monde avec des coutumes, des attitudes et des modes de vie complètement différents de ce que j'avais connu dans ma propre vie.
Le soir, au fin fond des montagnes, ma rédactrice et moi avons parlé de notre perplexité. Elle m'a dit : "N'avez-vous pas l'impression que le champ de réflexion de votre esprit s'agrandit lorsque vous rencontrez un monde différent comme celui-ci ?" Et en l'entendant ainsi, quelque chose d'important s'est mis en place pour moi.

Depuis lors, j'ai commencé à photographier des paysages avec mon téléobjectif habituel, dans le but de prêter attention non seulement aux paysages qui m'entourent, mais aussi au monde auquel ils appartiennent.
En juxtaposant des paysages différents dans des perspectives similaires et des paysages similaires dans des perspectives différentes, je compose ma propre cartographie de l'esprit.

La galerie PGI présente cette série. Pour plus d'information, voir ci-dessous

Dates  6 octobre au 18 novembre 2023
Titre de l'exposition Warp and Woof
Lieu PGI Gallery Tokyo
Site https://www.pgi.ac/en/exhibitions/7342/

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Keiichi Tahara « Eclats, 1979-1983 » |VLC Gallery by AKIO NAGASAWA 👁

Keiichi Tahara, Eclats, 1979-1983
©︎ Keiichi Tahara, Courtesy of Akio Nagasawa Gallery
Exposition de photographie

Né à Kyoto en 1951, Keiichi Tahara s'installe en France en 1971.Il commence sa carrière de photographe, captivé par la lumière perçante de l'Europe que l'on compare à la lumière douce du Japon.
En 1977, à l'âge de 26 ans, il remporte le Grand Prix du Festival international d'Arles pour sa série Fenêtre, 1973-1981 qui le propulse sur le devant de la scène internationale.
Installé à Paris jusqu'en 2006, Tahara a travaillé sur des projets pour le gouvernement français dans un large éventail de genres tels que la photographie, la sculpture, l'installation et l'architecture sous le thème de la "lumière". Il a organisé de nombreuses expositions au Japon et en Europe.
Il a reçu de nombreux prix, dont le Kimura Ihei Photography Award, le Prix Nicéphore Nièpce, Chevalier des Arts et des Lettres de France, et le Grand Prix de la Ville de Paris.

La galerie VLC Gallery by AKIO NAGASAWA présente cette série.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates  16 mars au 8 avril 2023
Titre de l'exposition Keiichi Tahara "Eclats, 1979-1983"
Lieu VLC Gallery by AKIO NAGASAWA
Site https://vlcgallery.com/en/ 

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Masahisa Fukase 1961-1991 Retrospective|TOP MUSEUM TOKYO 👁

Image extraite de Untitled from Window, from ”Yōko”, 1973
© Masahisa Fukase Archives
©︎ TOP Museum Tokyo
Exposition de photographie

Le Musée - Tokyo Photographic Art Museum, appelé TOP Museum -  présente une rétrospective intitulée "Masahisa Fukase 1961-1991 Retrospective" du 3 mars au 4 juin. En se concentrant sur sa vie personnelle, Masahisa Fukase s'est taillé une place unique dans l'histoire de la photographie japonaise des années 1960. En explorant les origines de la photographie, Fukase a développé une pratique majeure au sein d'un groupe d'artistes associés à ce qui fut plus tard connu sous le nom de shi-shashin ("I-photographie"). Fukase a braqué son appareil photo sur son entourage immédiat, y compris sa femme et sa famille. Tout en exposant sa propre vie privée, il a consciemment exploré la folie qui sommeillait au plus profond de lui-même. Cette folie a donné naissance à des œuvres remarquables et inégalées qui combinent le regard affectueux de Fukase pour ses sujets et son sens de l'humour insouciant.

Cette exposition présente un ensemble substantiel d'œuvres, y compris des pièces de la collection du musée tirées d'œuvres majeures de Fukase, telles que "Yūgi (Homo Ludence)", "Yōko", "Karasu" (Ravens) et "Kazoku" (Family). Parmi les autres œuvres marquantes, citons "Yōko" (qui fait partie de la série "From Window"), "Karasu" (Ravens), acquise par le Nihon University College of Art au début des années 1980, ainsi que "Bukubuku" et "Sasuke", qui proviennent tous deux d'une collection privée. Retraçant la trajectoire de Fukase des années 1960 au début des années 1990, l'exposition offre aux visiteurs l'occasion de découvrir l'univers unique de l'artiste.

Chapitres
1|”Yūgi [Homo Ludence]”
2|”Yōko”
3|”Kazoku [Family]”
4|”Karasu [Ravens]”
5|”Sasuke”
6|”Aruku me [Walking Eye]”
7|”Shikei [Private Scenes]”
8|”Bukubuku"

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates  3 mars au 4 juin 2023
Titre de l'exposition Masahisa Fukase 1961-1991 Retrospective
Lieu TOP Museum Tokyo
Site https://topmuseum.jp 

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HOJO |Mayumi Suzuki 👁

from the series, HOJO
2020-2021 | archival pigment print 

©︎ Mayumi Suzuki, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY
Exposition de photographie

Mayumi Suzuki est née en 1977 dans la ville d'Onagawa, préfecture de Miyagi, et vit et travaille actuellement à Zushi, préfecture de Kanagawa. Après avoir obtenu son diplôme, elle a travaillé comme photographe indépendante, se concentrant sur les portraits. Le grand tremblement de terre de l'est du Japon a frappé le 11 mars 2011. La ville natale de Suzuki, Onagawa, a été détruite par le tsunami et ses parents ont perdu la vie. Depuis lors, elle est souvent retournée dans sa ville natale pour enregistrer les efforts des habitants de la région pour sortir de la catastrophe. Elle est actuellement professeure adjointe de photographie au département de photographie du Nihon University College of Art.

Les expositions personnelles récentes de Suzuki incluent "The Restoration Will/The Place to appartenir" (2018, Galeria Miejska Arsenał, Poznań, Pologne), "The Restoration Will" (2018, SPAZIO LABO, Bologne, Italie), "The Restoration Will" (2017 , RAPPELS PHOTOGRAPHY STRONGHOLD, Tokyo).
Les expositions collectives incluent KYOTOGRAPHIE « 10/10 Celebrating Contemporary Japanese Women Photographers » (2022, HOSOO GALLERY, Kyoto), « Biennale de Photographie en Condroz » (2021, Belgique) et « Twilight Daylight Contemporary Japanese Photography vol.17 » (2020, Musée d'art photographique de Tokyo, Tokyo).

Suzuki a reçu le prix du meilleur livre de photographie de l'année PHotoESPAÑA 2018 (2018, Espagne) et a été sélectionné comme grand prix pour le Photobox (2018, Italie), entre autres.

La première série de Mayumi Suzuki, The Restoration Will, était une œuvre intime où l'artiste acceptait calmement les évènements qui lui étaient arrivés, ainsi qu'à sa famille, à la suite du grand tremblement de terre de l'est du Japon, et doucement, mais sans détour, levait la tête pour regarder et aller de l'avant. Sa série suivante, HOJO, qui signifie « fertilité » en anglais, est également basée sur ses propres expériences. Aujourd'hui l'artiste Mayumi Suzuki présente cette série à la galerie KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY.

L'artiste Mayumi Suzuki parle de ce projet

En japonais, 豊穣 (HOJO) fait référence à une terre en abondance ou à une bonne récolte. En anglais, il est généralement traduit par « fertilité ». Au Japon, les femmes sont traditionnellement vénérées comme des déesses de HOJO. L'idéal étant doté de récoltes abondantes et de nombreux enfants y ont été associés.

Ce projet est basé sur mon expérience de la fécondation in vitro (FIV), que j'ai commencée à l'âge de 41 ans. J'essaie de reconnaître mon existence comme une "valeur aberrante". Me photographier dans le noir avec un projecteur sur moi et une exposition d'environ 60 secondes m'a donné le temps de me regarder longuement et attentivement. Parfois, cela m'a rappelé les moments d'anxiété sur la chaise d'examen du médecin, la douleur de la récupération des ovules et la faible anticipation de l'implantation. À d'autres moments, j'ai ressenti une sensation de calme.

Le médecin utilise 60 secondes pour examiner le patient sur la chaise d'examen. Il ne prend pas beaucoup de temps pour examiner chaque femme. Elles sont nombreuses à venir à la clinique, les unes après les autres. J'avais espéré être examiné plus attentivement. En rentrant de la clinique, au marché, j'ai trouvé des légumes difformes qui n'avaient pas été vendus. Ils avaient l'air misérables, comme ma propre incapacité à concevoir. J'ai donc pensé à photographier et à manipuler chaque légume avec douceur. Pour le processus, j'utilise du papier positif direct et je travaille avec un appareil photo 4x5 pouces. Cette méthode me permet de contrôler l'exposition pour recréer le temps d'un examen dans une clinique de FIV.

J'ai aussi utilisé des photos d'ovules fécondés que j'ai reçus de la clinique. Ce sont des images brutes et pixélisées. D'après eux, il est difficile de faire la différence entre un ovule fécondé qui peut permettre de tomber enceinte et un autre qui ne le permet pas. Lorsque vous zoomez, c'est juste un point. S'il y a un facteur dans les centaines de millions de cellules de mon corps qui m'empêche de concevoir, je dois rechercher cette valeur aberrante. Je me souviens de terres infertiles sans fin.

De nos jours, les femmes peuvent choisir comment elles veulent vivre. Mais parfois, elles doivent accepter un destin sur lequel elles n'ont aucun contrôle. Même si mon propre corps n'est pas «fertile», je veux en être fière parce que c'est ma vie.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates  18 février au 25 mars  2023
Titre de l'exposition HOJO - Mayumi Suzuki
Lieu KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY
Site https://www.kanakawanishi.com/ 

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Osamu Kanemura|Can I Help Me? by MEM gallery 👁

All images ©Osamu Kanemura

courtesy MEM GALLERY
Exposition de photographie

Osamu Kanemura est connu pour ses solides photographies de paysages urbains et de ruelles encombrées de fils électriques, de panneaux publicitaires et de bâtiments. Mais depuis quelques années, il se consacre également à l'exposition de dessins, de collages et de vidéos. Cette exposition comprendra une installation vidéo et des collages de coupures de journaux et de magazines.

MEM est une galerie locale affiliée à 2023 Yebizo Meets, et cette exposition sera organisée en collaboration avec le Festival international d'art et de visions alternatives de Yebisu 2023.

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Dates  2 au 26 février 2023
Titre de l'exposition Osamu Kanemura|Can I Help Me?
Lieu MEM GALLERY TOKYO
Site https://mem-inc.jp

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#56 contrepoint |Yoko Ikeda 👁

 

1320-02 saga city, saga prefecture, japan, 2015
Chromogenic print
20 x 24 inch (paper size)
Edition 1 of 10

©Yoko Ikeda, Courtesy of Ibasho Gallery
Exposition de photographie

IBASHO est fier de présenter la deuxième exposition personnelle à la galerie de la photographe japonaise Yoko Ikeda. L'exposition coïncide avec le lancement de son nouveau livre "Contrepoint", qui est une coproduction d'IBASHO & the(M) éditions. Comme le livre, l'exposition sera une vitrine de l'œuvre d'Ikeda

Ikeda est né dans la ville de Kanazawa, préfecture d'Ishikawa. Elle travaille et vit à Tokyo. Elle a étudié au département de recherche du Tokyo College of Photography. En 2013, elle a reçu le Philadelphia Museum of Art Purchase Award et en 2016, elle a reçu le prestigieux Higashikawa New Photographer Award. En 2018, Ikeda a reçu le prix Alpa pour son travail présenté à Photo Basel. Le travail d'Ikeda a été largement exposé en Europe, aux États-Unis et au Japon. En 2015, année où Mons est capitale européenne de la culture, son travail fait partie de Regards de femmes à la Maison Folie.

Parasols en plastique transparent bon marché posés sur le béton gris ; des objets plutôt simples et banals dans l'une des photographies de Yoko Ikeda. L'image qu'Ikeda s'est faite de cette scène est pourtant poétique, fragile, presque éphémère. Elle a la capacité extraordinaire de voir la beauté d'objets apparemment sans signification et de les élever à de beaux sujets précieux dans ses photographies. Ses images montrent du respect pour chaque petit élément qui forme notre grand monde. Ikeda joue avec les ombres, les couleurs, les lignes et les textures qu'elle rencontre en se déplaçant et en observant la vie quotidienne.

Au moyen de son appareil photo, Ikeda a créé sa propre façon de voir et de montrer un monde extérieur que l'on ne pourrait normalement pas voir. Dans les compositions d'Ikeda, il n'y a souvent aucun point de référence. L'espace est aplati et abstrait, le lieu est ambigu. Elle expérimente des points de vue et des focus inhabituels. Ikeda recherche les contrastes de forme et de lumière et use de cadrages inattendus.

Pour plus d'information (en japonais seulement), veuillez cliquer ici

 

Dates  3 décembre 2022 - 22 janvier 2023
Titre de l'exposition #56 contrepoint - yoko ikeda
Lieu  Ibasho Gallery
Site https://ibashogallery.com

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Calendrier de l’avent 2022

Pour votre plus grand plaisir, sugoi.photo est heureux de vous proposer ce calendrier de l'avent

Cliquer ici

Bonne fin d'année 2022

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Winter Wanderings Ⅱ-South Korea, 1981/82|Masako Matsui 👁

 

"Winter Wanderings Ⅱ-South Korea, 1981/82-" 

©Masako Matsui, Courtesy of photographers'gallery

 

Exposition de photographie

Depuis les années 1970, Masako Matsui expose des photographies prises au Portugal et dans les anciennes colonies, ainsi qu'à l'étranger, dans le but de capturer les émotions communes qui existent dans différentes politiques, religions et cultures. Cette exposition présente des photographies inédites prises lors d'un voyage en Corée en 1981 - 82 . Il s'agit de la suite de l'exposition intitulée "Winter WanderingsⅠ-South Korea,1981/82-" qui s'est tenue en juin 2022.

"Lorsque j'ai visité la Corée du Sud pour la première fois, c'était une époque où l'assassinat du président Park Chung-hee en 1979 et l'incident de Gwangju en 1980 ont laissé une ombre forte sur le pays. Le public était principalement composé d'hommes. À Séoul, des chansons patriotiques étaient jouées. avant l'ouverture du théâtre et dans les rues tous les soirs, et tout le monde se tenait droit. De minuit à 4 heures du matin, aucune sortie nocturne n'était interdite. Il y avait aussi une répression des cheveux longs qui ne faisait pas de distinction entre les hommes et femmes.

Beaucoup de jeunes portaient des uniformes de camouflage et des uniformes scolaires. Ce fut un lourd voyage hivernal qui m'a fait réaliser que le pays était en trêve militaire. Il a montré une apparence simple qui est différente de la Corée, qui a l'impression d'être rigide ces derniers temps. Ce que vous pourrez voir lors de votre voyage sera un moment sur place. La ville, comme un être vivant, montre toujours une apparence complètement différente selon l'époque, la saison, le jour de la semaine, l'heure de la journée, etc., même au même endroit. Et parfois, la vision est universelle. Dans ce monde instable où des événements au-delà des attentes humaines se succèdent, je me suis demandé s'il était significatif d'exposer un certain moment dans le pays où j'ai voyagé autrefois, car il a disparu. Je voulais faire exister des moments du quotidien à travers la photographie ce lieu à ce moment-là.

Lieu : Séoul, Gyeongju, Busan, Jeju, Mokpo, Gwangju, Jeonju, Suwon. (Masako Matsui)

Pour plus d'information (en japonais seulement), veuillez cliquer ici

Dates  1er - 12 décembre octobre 2022
Titre de l'exposition Noguchi Rika: Small Miracles
Lieu  photographers'gallery
Site https://pg-web.net/

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Small Miracles |Rika Noguchi 👁

 

 

"Small Miracles #8", 2014, the amana collection 

©Noguchi Rika, Courtesy of Taka Ishii Gallery

 

Exposition de photographie

Présentation de l'exposition par le museum

Depuis que Rika Nogichi a reçu le premier prix dans la catégorie photographie "the 3.3m2 Exhibition" en 1995 et au concours New Cosmos of Photography en 1996, elle est considérée comme l'une des plus grandes photographes contemporaines du Japon, avec ses photographies et ses œuvres vidéo présentées dans de nombreuses expositions, tant au niveau national et à l'étranger. À travers des séries telles que A Prime (à partir de 1997), I Dreamed of Flying (2003) et The Sun (2005-08), To the Night Planet (2014-15), son travail a exploré la relation que les humains entretiennent avec des royaumes inconnus tels que les lieux sous-marins, à haute altitude et l'espace extra-atmosphérique. Ces dernières années, à travers une exploration des innombrables petites énigmes qui parsèment notre quotidien et notre environnement immédiat, elle a poursuivi une forme d'expression photographique qui libère les sens et l'imagination du spectateur.

De ses premières séries à ses pièces les plus récentes, cette exposition rassemble des œuvres de l'ensemble de la carrière d'une artiste qui produit des photos et des vidéos depuis plus de trente ans. Celles-ci ne sont pas présentées dans un ordre chronologique mais plutôt selon un agencement non linéaire qui permet aux œuvres de mieux se parler, les montrant sous un jour nouveau. Combinant des photographies, des œuvres vidéo, des dessins et plus encore, et guidée par le "petit miracle" de la manière dont la photographie est capable de transcender le temps et l'espace, l'exposition présente les différentes scènes et lieux que Rika Noguchi a rencontrés au cours de toutes ses années de travail,  de la première série To Dive (1995) à son œuvre la plus récente, A Palm Tree (2022). Les visiteurs rencontrant l'expressivité unique de Noguchi ont l'occasion de réexaminer la signification des différentes formes de vie existant dans ce monde et de réfléchir en quoi consiste le pouvoir mystérieux des photographies et de la vidéo.

Rika Nogichi
Née à Saitama City en 1971, Rika Nogichi commence la pratique de la photographie en 1992, développant une pratique centrée sur les expositions. Elle a participé à de nombreuses expositions d'art internationales. En 2002, elle a reçu le 52e prix d'encouragement artistique du ministre de l'Éducation pour les nouveaux artistes. Ses principales expositions à l'intérieur du Japon incluent le sentiment que quelque chose se passe (Marugame Genichiro-Inokuma Museum of Contemporary Art [MIMOCA], 2001), I Dreamed of Flying (The Hara Museum of Contemporary Art, 2004) et The light reaching the future (Izu Photo Museum, 2011-2012). Ses œuvres font partie des collections du National Museum of Modern Art, Tokyo, du National Museum of Art, Osaka, du Musée Guggenheim et du Centre Pompidou.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates  7 octobre 2022 - 22 janvier 2023
Titre de l'exposition Noguchi Rika: Small Miracles
Lieu  TOP Museum - Tokyo
Site https://topmuseum.jp/e/

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Hibiya Okuroji Photo Fair 👁

Foire de photographie

7 galeries photo (Blitz Gallery,  Bloom Gallery, Kana Kawanishi Gallery, PGI, Poetic Scape, The Third Gallery Aya et Wadagarou ) et 8 éditeurs/librairies ( FUGENSHA, Tsutaya books, Kana Kawanishi art office, Libro Arte, PURPLE / AKAAKA, Seigensha Art Publishing, Shelf, Torch press)  se réunissent à Hibiya OKUROJI, un lieu sous les voies ferrées surélevées, où les obsessions des adultes se cachent dans les profondeurs d'Hibiya, et une nouvelle foire d'art spécialisée dans la photographie est lancée en ce week end d'octobre 2022.

Le Japon possède la meilleure technologie d'impression au monde, le premier fabricant mondial d'appareils photo, une histoire incroyable d'édition de livres photo et de nombreux photographes exceptionnels qui se sont fait un nom dans l'histoire de la photographie. Cependant le marché local de la photographie a chuté au profit de l'Europe et des États-Unis. Préoccupés par cette situation, les galeries commerciales spécialisées dans la photographie et les éditeurs spécialisés dans les livres photo se rassemblent ici afin d'apporter un avenir meilleur au marché de la photographie au Japon. Un nouveau lieu de rencontres à découvrir.

Pour plus d'information, n'hésitez pas à visiter leur Instagram (ou leur site ci-dessous uniquement en japonais) : cliquez ici

Dates  7 au 10 octobre 2022
Titre de l'exposition Hibiya Okuroji Photo Fair
Site https://www.hibiyaokurojiartfair.com/

 

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Contrayerba in dreaming – detox plants-history |Koichi WATANABE 👁

©︎Koichi Watanabe, The Third Gallery Aya / Osaka, Japon

 

Exposition de photographie

Artist Statement
L'herbe mystérieuse "KON-TA-RA-E-RU-HA" [昆答刺越兒發], figurait dans plusieurs prescriptions de médicaments hollandais à l'époque d'Edo. "Contra" signifie contre-poison et "yerba" est une herbe en espagnol. C'est le sens de KONTARAERUHA.

J'ai suivi la trace de KONTARAERUHA dans de vieux livres d'études hollandaises au Japon et des livres d'herboristerie ou de médecine écrits pendant les Grandes Découvertes, plusieurs plantes partageant ce même nom sont apparues puis ont disparu. Je me suis égaré dans le labyrinthe où le temps s'est étiré sur 500 ans entre le XVe siècle et le présent et l'espace s'est étendu de l'Europe à l'Asie et à l'Amérique.

Dans mon voyage de quête des traces de cette plante médicinale qui n'est plus utilisée aujourd'hui, sont apparus dans un réseau qui s'est formé pendant plusieurs centaines d'années incluant des personnes en quête de contrayerba et l'exploitation de ces plantes comme des marchandises telles que les épices ou les médicaments commercialisés partout dans le monde. Au-delà de cette perspective, nous sommes passés à côté des l'aspects des plantes en tant qu'organismes vivant au-delà de la dimension de ce que nous en faisons en tant qu'être humain.

Dans les formes stratifiées de la forêt où j'ai atteint la fin du voyage, nos interprétations enchevêtrées autour de contrayerba ont été revues pour ne pas voir uniquement le poison dérivé de la catégorisation de la plante comme son nom l'indique, et revisitées comme un événement innommable créé par le passage du temps géologique. Cet événement est rempli d'échos qui subsistent après que les mots perdent leur sens, des voix sans voix, qui ne seraient pas entendues sans aiguiser nos sens.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates  17 septembre 2022 - 15 octobre 2022
Titre de l'exposition Contrayerba in dreaming
– detox plants-history
Lieu  Third Gallery Aya - Osaka
Site https://thethirdgalleryaya.com/en/

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icon CONTEMPORARY PHOTO EXHIBITION Ⅱ 👁

 

Exposition de photographie

“icon CONTEMPORARY PHOTOGRAPHY Ⅱ” est une exposition collective de 50 artistes axés sur la photographie contemporaine présentée par la galerie AXIS. Icon est une initiative du photographe Tomohide Ikeya.

"Statement" de l'évènement

" La culture et  l'art jouent un rôle important dans l'évolution de l'humanité et apporte un sentiment de solidarité aux êtres humains. La catastrophe actuelle de l'épidémie Covid 19 a restreint le champ d'action de notre vie quotidienne, augmentant notre sentiment d'aliénation et d'isolement, diminuant notre sens de la solidarité. Cela fait perdre aux gens leur ancrage émotionnel et dilue le contact humain.

Les artistes, porteurs de culture, ont perdu de nombreuses occasions de présenter leurs œuvres. L'exposition de cette année s'est concentrée sur l'art photographique - la photographie contemporaine, représenter de façon moindre au Japon par rapport à d'autres pays.

En plus des méthodes d'exposition conventionnelles, nous utiliserons la RA (réalité augmentée) et d'autres expositions virtuelles afin que les personnes qui ne peuvent pas sortir, ainsi que les personnes dans les régions éloignées et à l'étranger, puissent voir les expositions. En amont de l'exposition, nous souhaitons proposer un service d'information en ligne bilingue et global sur ce que les artistes ressentent dans ces circonstances et leur rapport à leur travail, afin de redynamiser le marché lui-même."

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

 

Dates  16 au 19 septembre 2022
Titre de l'exposition “ icon CONTEMPORARY PHOTOGRAPHY Ⅱ ”
Lieu  icon
Site https://icon-channel.com/586/

 

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in)(between record vol. 46 |Keizō KITAJIMA serigraphs 👁

 

©︎Keizo KITAJIMA, Courtesy in)(between GALLERY

 

Exposition de photographie

On ne présente plus Keizo Kitajima, grand photographe  japonais, qui a ouvert avec Daido Moriyama  le 'magasin d'images' CAMP,  un espace expérimental pionnier pour les photographes avant la création du système des galeries. Dans sa légendaire série expérimentale Photo Express (1979), Kitajima a photographié les gens dans les bars et dans les rues de Shinjuku la nuit et a converti la galerie en chambre noire pour faire des tirages muraux comme un événement de performance publique, et a même publié les images sous forme de livret instantané. À travers ces processus de livraison immédiate d'images, l'artiste a exploré les façons dont le temps affecte la photographie en termes de documentation, d'enregistrement et de mémoire.

Dans les années 80, Kitajima a passé six mois à New York à errer dans ses rues et à traîner dans ses clubs (série - New York- 1982) . Il présente une vision du New York des années 1980, pleine d'énergie, de décadence et de moments de désespoir tranquille. Comme la ville, la publication est pleine de juxtapositions austères, des démonstrations flamboyantes de comportements scandaleux sont montrées à côté d'images de désolation et d'abattement. Pour ce livre photo, Kitajima a reçu l'important prix Kimura Ihei en 1983.

Pour son édition - in)(between record vol. 46, Luigi Clavareau présente des sérigraphies exécutées avec la collaboration de Keizo Kitajima à la galerie PlaceM Yokohama.

Dates  18 juillet 2022
Titre de l'exposition Keizo Kitajima Serigraphs in)(between record vol. 46
Lieu Photo Gallery PlaceM Yokohama
Site placem.yokohama

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“The Floating Portrait”|Shinichiro UCHIKURA 👁

Exposition de photographie

from the series, The Floating Portrait 2022 | archival pigment print | 
©︎ Shinichiro Uchikura, courtesy KANA KAWANISHI GALLERY

 

Shinichiro Uchikura, fait des portraits photographiques depuis le début de sa carrière dans son studio. Dans une lumière naturelle mais dans un décor de studio, il photographie des gens "ordinaires", des clients mais avec une vision préalable d'en faire des portraits artistiques. Ses travaux de portrait ont été reconnus par des prix tels que la mention honorable Canon New Cosmos of Photography (sélectionné par Minoru Shimizu) et la publication de son livre photo My Portrait (2020) par Akaaka Art Publishing.

Les sujets éclairés sur un fond d'un noir absolu, Uchikura prend plusieurs centaines de clichés en l'espace de cinq à dix minutes, puis sélectionne les quelques moments imprévisibles au cours desquels ses sujets lâchent leurs masques et des expressions inattendues apparaissent. Alors que les photographies répondent aux conventions méthodologiques d'une « bonne photographie de portrait » standard, elles ont toutes leur propre texture unique, leur propre « présence » unique en plus du sujet capturé, leur propre monde mystérieux.

Dans cette exposition, « The Floating Portrait », Uchikura présente un ensemble de portraits inédits montrant une nouvelle évolution. Dans ces photographies, prises d'une hauteur d'environ 3 mètres, les sujets ont tous les yeux fermés, et l'atmosphère unique que chacun a eue depuis sa naissance semble être captée.

Uchikura dit qu'il a créé les photographies en se sentant "comme si leur présence flottait juste devant moi" dans "une dimension où même la frontière entre la vie et la mort a presque disparu". La présence de chaque individu émergeant du monde tranquille se sent certainement comme une présence mystérieuse émanant du corps.

 

Dates  9 juillet au 6 août 2022
Titre de l'exposition “The Floating Portrait”
Lieu KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY
Site www.kanakawanishi.com

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Photography? End? 📚

Livre de photographie

Sept visions et sept expériences photographiques

Avec Ken Kitano/Yuji Hamada/Miki Nitadori/Risaku Suzuki/ Kazuyoshi Usui/Yuki Ono dera/Naruki Oshima

Le livre se compose d'entretiens individuels avec sept artistes japonais, basés au Japon et en France. Ils travaillent ensemble en tant que collectif d'artistes sous le même nom que le titre de ce livre - Photographie?End?. Les membres sont : Yuji Hamada, Ken Kitano, Miki Nitadori, Yuki Onodera, Naruki Oshima, Risaku Suzuki et Kazuyoshi Usui. Les entretiens ont été menés et édités par le commissaire d’exposition Mitsuhiro Wakayama, qui demande comment les artistes en sont venus à adopter le médium de la photographie dans le développement de leur travail et quel rôle ce médium a joué dans leur création jusqu'à présent. Le livre explore le travail de chacun des artistes, révélant à la fois leurs qualités communes et contrastées telles qu'elles sont. Les artistes espèrent que cela pourrait être un point de départ pour que le lecteur découvre ou questionne ce que peut être la photographie contemporaine. Chacune des entrevues est accompagnée de photographies en couleur et en noir et blanc qui illustrent les travaux respectifs et les processus créatifs des artistes.

« C'est au spectateur de répondre à la question de savoir ce qu'est exactement une photographie.» Yuji Hamada

――

« La photographie démontre la possibilité que vous et moi soyons tous les deux des « points » de la même nature, coexistant sur le même plan. » Ken Kitano

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« Faciliter les rencontres entre des objets et des personnes qui viennent de différents contextes me fascine car cela peut ouvrir de nouvelles façons de penser et de voir. » Miki Nitadori

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« Je veux simplement poser une question. Je me demande «pourquoi» de la photographie. » Yuki Onodera

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« Lâcher de nombreuses pensées, sentiments et perceptions conditionnés qui, selon vous, font qui vous êtes - en un mot, la liberté.» Naruki Oshima

――

« Mon intérêt réside dans la meilleure façon d'unir la vision pure à l'acte volontaire de produire une photographie et ce motif traverse tous mes projets.» Risaku Suzuki

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« La force et la faiblesse adorables de l'humanité résident dans la zone grise après tout. »Kazuyoshi Usui

 

Pour l'édition spéciale, cliquer ici

Intervieweur/Éditeur
Conception graphique
Traduction
Relecture [japonais]
Relecture/rédaction [anglais]
Mitsuhiro Wakayama
Yuri Suyama
Gavin Frew
Fuyuki Ono
Susan Chikuba
Date de publication 10 juin 2022
Éditeur Magic hour édition

 

Caractéristiques du livre
Premier tirage|1500 exemplaires/Tirage spécial 30 exemplaires
Langues|anglais/japonais
Format|A5, 148 × 210 mm
Nombre total de pages|196
ISBN|978-4-600-00839-0

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DECOTORA-Hachinohe|Tatsuki MASARU 👁

Exposition de photographie

©︎Tatsuki Masaru, Courtesy Gallery Side 2

 

14 ans après que Tatsuki Masaru  a publié "DECOTORA" en 2007 qui a documenté la communauté des camionneurs et leurs camions richement décorés pendant 9 ans, Tatsuki les a revisités et a créé 12 nouvelles images photographiques. Ces photos ont été exposées lors de l'exposition d'inauguration au Hachinohe Art Museum en janvier 2022. La galerie Side 2 est heureuse de présenter 3 des nouvelles œuvres qui sont encadrées de peinture en tôle dans les mêmes couleurs que les camions. Sont également présentées des photographies DECOTORA de 2002-2005. Le livre DECOTORA-Hachinohe a été publié par T&M Projects en 2021.

Tatsuki Masaru (né en 1974) est un photographe japonais qui vit et travaille à Tokyo. Depuis son premier projet "DECOTORA" (2007) qui documente une sous-culture de camionneurs, Tatsuki a présenté 6 projets avec 6 livres. Il est récipiendaire du prix Ihei Kimura 2012 avec "Tohoku" (2011).

Pour cette série, Tatsuki a passé 6 ans à capturer le peuple Tohoku et ses paysages qui reflètent la culture japonaise ancienne. Dans "kuragari" (2013), Tatsuki a photographié les cerfs la nuit avec une lampe torche portée à la main. Il attend un signe de vie dans la peur de l'obscurité des bois vénérés par nos ancêtres. Nous allons parler de cette série prochainement dans un podcast.

Tatsuki a récemment commencé à photographier les fragments de céramique Jomon d'il y a 10 000 à 2 500 ans, emballés et stockés dans des musées. La recherche de Tatsuki sur le mythe folklorique et la réalité de la vie des gens se poursuit. L'exposition personnelle de Tatsuki comprend la galerie d'art civique de Yokohama, le musée Hachinohe Potal. Les expositions collectives récentes incluent Hachinohe Art Museum "Gift, Gift, Gift", Museum of Fine Arts Boston "In the Wake", Aichi Triennale 2016, Ashikaga Museum of Art "Blinking Skin, Life Shining through Death".

 

Dates  7 juin au 8 juillet 2022
Titre de l'exposition  DECOTORA-Hachinohe
Lieu  Gallery Side2
Site https://www.galleryside2.net/

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Chizu/The Map|Kikuji KAWADA 👁

Exposition de photographie

©︎Kikuji Kawada, Courtesy PGI, The Third Gallery Aya

 

La galerie The Third Gallery Aya présente une exposition solo du travail de Kikuji,KAWADA,  intitulée "Chizu The Map", permettant de découvrir ses débuts photographiques étonnants en 1965 avec la publication de Chizu (The Map), une collection de photographies transformant les souvenirs de la défaite du Japon en œuvres d'art. Ce photographe a été membre de VIVO (1959- 61), une agence photo formée avec Ikko NARAHARA , EikohHOSOE , Shomei TOMATSU , AkiraSATO  et Akira TANNO. Ces œuvres vont de tirages argentiques des années 1970 aux tirages numériques réalisés ces dernières années.

Une nouvelle édition de Chizu a été publiée par Getsuyo-sha (Japon) et Nazraeli Press (États-Unis) en 2005, et une réimpression par Akio Nagasawa Publishing est sortie en 2014. L'année dernière, Mack (Royaume-Uni) et la New York Public Library (États-Unis ) a publié Kawada Kikuji: Chizu (Maquette Edition), une restauration de Chizu faite à la main par Kawada. Tous ses livres de photos, de la première édition à la récente édition maquette, sont présentés dans cette exposition.

Kikuji KAWADA est né à Ibaraki au Japon en 1933. Il rejoint Shinchosha en 1955. Il devient photographe indépendant et co-fonde le collectif VIVO en 1959 avec Ikko NARAHARA , EikohHOSOE , Shomei TOMATSU , AkiraSATO  et Akira TANNO.En 1965, il a publié The Map, un livre photo révolutionnaire chargé de métaphores politiques d'après-guerre, et il continue de défier notre intellect avec des images tout aussi fraîches et clairvoyantes à ce jour. Kawada décrit son travail comme "l'expression d'une scène spécifique dans le temps et de ma relation avec elle, encadrée en conséquence, et le style né de l'échange". Ces jours-ci, on peut trouver Kawada en train de publier des images et des réflexions photographiques sur son compte Instagram.

 

Dates  14 mai au 18 juin 2022
Titre de l'exposition  Chizu/The Map
Lieu  The Third Gallery Aya
Site thethirdgalleryaya.com

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« N/B »|Kazuyoshi Usui 👁

Exposition de photographie

©︎ courtesy of Kazuyoshi Usui |Place M Yokohama

 

Le photographe Kazuyoshi Usui présente ses oeuvres photographiques depuis ses débuts à des photographies inédites.

Dernièrement ce photographe a fait la Une du magazine Tempura Hors Série "Manger le Japon"    (https://www.tempuramag.com)

Dates 17 au 29 mai 2022
Titre de l'exposition  Kazuyoshi Usui
Lieu  Place M Yokohama
Site du photographe  http://kazuyoshiusui.com

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KYOTOGRAPHIE | 10/10 Celebrating Contemporary Japanese Women Photographers 👁

©︎ courtesy of Kyotographie

De gauche à droite et de haut en bas : ZAIDO Yukari Chikura ©Yukari Chikura, Eagle and Raven Ariko Inaoka ©︎Ariko Inaoka, die of love Hideka Tonomura ©Hideka Tonomura, NEW SKIN Mayumi Hosokura ©︎Mayumi Hosokura, sawasawato Noriko Hayashi ©Noriko Hayashi, HOJO Mayumi Suzuki ©︎Mayumi Suzuki, NEW RIVER Ai Iwane ©︎Ai Iwane, Negative Ecology Tamaki Yoshida ©︎Tamaki Yoshida, ILMATAR 2020 Archival color C-print Momo Okabe ©Momo Okabe, mutation / creation Harumi Shimizu ©︎Harumi Shimizu.

 

Expositions de photographie

KYOTOGRAPHIE présente dans son programme : 10/10 Celebrating Contemporary Japanese Women Photographers 

Cet évènement est co-organisée par Pauline Vermare, curatrice indépendante et historienne de la photographie (anciennement directrice culturelle de Magnum Photos et curatrice à ICP, New York) et les co-fondateurs/co-directreurs de KYOTOGRAPHIE, Lucille Reyboz et Yusuke Nakanishi.

À travers les séries présentées dans l'exposition, nous voyons une réflexion et une perspective propres à chaque photographe, qu'il vive et travaille au Japon ou à l'étranger. Ces images puissantes seront présentées dans une scénographie qui incarne l'esprit KYOTOGRAPHIE et donne à chaque artiste son propre espace personnalisé, grâce à une structure polyvalente et durable, conçue par le designer et architecte basé à Kyoto Hiroyasu Konishi.
Cette exposition est soutenue par Women In Motion, un programme de Kering qui met en lumière le talent des femmes dans les domaines des arts et de la culture. Depuis 2015, Women In Motion est une plateforme de choix pour faire évoluer les mentalités et réfléchir sur la place et la reconnaissance des femmes dans les champs artistiques.

« Cette exposition est un manifeste pour les femmes photographes au Japon et pour toutes les femmes japonaises. » - Lucille Reyboz, co-fondatrice et directrice de KYOTOGRAPHIE, co-commissaire de l’exposition.

« Cette exposition résonne avec le thème de KYOTOGRAPHIE cette année, ‘One’. C’est une célébration de l’individu mais également une célébration de chacune de leurs communautés. » – Yusuke Nakanishi, co-fondateur et directeur de KYOTOGRAPHIE, co-commissaire de l’exposition.

« Pendant longtemps, le Japon a été vu à travers un regard masculin, comme si nous ne l’avions en réalité jamais vu. En tant qu’historienne, et parce que je suis personnellement très attachée au Japon où j’ai grandi, j’ai pensé qu’il était important de redécouvrir leur travail et de le montrer au monde. » – Pauline Vermare, historienne de la photographie, co-commissaire de l’exposition.

Ces expositions sont soutenues par Kering | Women in motion, , cliquer ici pour en savoir plus

Pour voir le programme, cliquer ici mais en voici le détail pour votre plus grand plaisir :

- ZAIDO par Yukari Chikura
en vidéo, cliquer ici
©Yukari Chikura

- Eagle and Raven par Ariko Inaoka
en vidéo, cliquer ici
©︎Ariko Inaoka

- die of love par Hideka Tonomura
en vidéo, cliquer ici
©Hideka Tonomura

- NEW SKIN par Mayumi Hosokura
en vidéo, cliquer ici
©︎Mayumi Hosokura

- sawasawato par Noriko Hayashi
en vidéo, cliquer ici
©Noriko Hayashi

- HOJO par Mayumi Suzuki
en vidéo, cliquer ici
©︎Mayumi Suzuki

- NEW RIVER par Ai Iwane
en vidéo, cliquer ici
©︎Ai Iwane

- Negative Ecology par Tamaki Yoshida
en vidéo, cliquer ici
©︎Tamaki Yoshida

- ILMATAR par Momo Okabe
en vidéo, cliquer ici
©Momo Okabe

mutation par Harumi Shimizu
en vidéo, cliquer ici
©︎Harumi Shimizu.

 

Dates 9 avril au 8 mai 2022
Titre de l'évènement Kyotographie
Lieu KYOTO / HOSOO GALLERY
Site  KYOTOGRAPHIE

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Shiho Yoshida Survey: Mountains 46th Kimura Ihei Award Exhibition 👁

©︎ courtesy of Yumiko Associates

 

Exposition de photographie

La galerie Yumiko Chiba Associates | Shinjuku est ravie d'accueillir une exposition du travail de la photographe Shiho Yoshida pour marquer sa sélection en tant que lauréate du 46e prix Kimura Ihei.
La pratique photographique de Yoshida se distingue par la technique non conventionnelle consistant à rechercher sur Internet des informations et des images liées à un lieu, à se rendre réellement à cet endroit pour prendre des photos et à construire des œuvres multicouches dans lesquelles les photos, informations et images résultantes se croisent. Sa technique de va-et-vient entre les extrêmes opposés des résultats de recherche sur Internet et ses propres photos lui permet d'explorer les espaces d'information et les photographies en tant qu'images, ainsi que la matérialité hybride de la photographie. En employant cette approche, Yoshida a produit un travail qui critique constamment l'ensemble particulier de circonstances dans lesquelles la photographie se trouve aujourd'hui. Pour célébrer sa sélection pour le prix Kimura Ihei récompensant de jeunes photographes exceptionnels, cette exposition présentera les séries Survey: Mountains et The Whale under the Sand pour lesquelles Yoshida a reçu le prix. Une conversation avec le chercheur culturel et artiste Hiroki Yamamoto aura également lieu pendant l'exposition.

Artist Statement

C'est un grand honneur d'avoir été choisi pour recevoir le 46e prix Kimura Ihei.
Les années 2020 et 2021 au cours desquelles le jugement a eu lieu ont été des années difficiles, rendant parfois plus difficile que jamais la production et la présentation d'un travail.
Cela fait maintenant six ans que j'ai exposé pour la première fois Survey: Mountains dans cette galerie, et j'ai l'impression que les «montagnes» imaginaires de l'œuvre ont continué à accumuler différents éléments et à changer de forme au fil du temps.
Mon intention est de continuer à créer de nouveaux paysages inédits, en gardant à l'esprit les questions abordées dans les commentaires du jury, à savoir ce qu'il faut photographier à une époque où tout le monde prend des photos, ce qui entraîne une surabondance d'images ; et comment apporter des réponses à cette question en réalisant des œuvres à partir de photographies."

Pour en savoir plus sur la photographe, cliquer ici

Dates 8 avril au 14 mai 2022
Lieu Yumiko Chiba Associates
Site http://ycassociates.co.jp

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Have a break | Koji ONAKA 📚

Livre de photographie

Huit ans après son dernier livre de photo de voyage « Short Trip Again », Koji Onaka a de nouveau erré dans l’arrière-pays du Japon, l’observant à travers un objectif 35 mm.
Photographié sur une période de sept ans, « Have a Break » présente des scènes prises à Hokkaido, au nord, à Kyushu, au sud, et de nombreuses autres stations entre les deux. L’affection d’Onaka pour un style de couleur particulier et unique ajoute au sentiment sentimental, profond de familiarité et de chaleur dans ses images, dans lequel Koji Onaka transforme les sites quotidiens dans les petites villes et les régions rurales en merveilles visuelles curieuses.

 « Les photographies ne montrent rien de particulièrement spécial qui pourrait être pris n’importe où, mais des scènes qui ont étrangement touché mon cœur – des paysages urbains, des gens, de la lumière du soleil ou parfois des chats. » 

Koji Onaka

Voir le livre plus en détails, cliquer ici

Éditeur Kaido books
Date de publication 2021
Site de l'éditeur https://www.onakakoji.com/book-shop-international/

 

Disponible aussi chez : La Nouvelle chambre Claire ,  Shashasha

Vous pouvez trouver des informations complémentaires sur l'artiste en cliquant ici

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Fisheye Magazine #52 |Signes — 表徴 📚

Magazine de photographie

 

©︎ courtesy of Kenta Nakamura pour la photographie de la couverture |Fisheye magazine

 

Signes — 表徴

Fisheye #52 présente un focus sur le Japon.

Le Japon, dans toute sa diversité. Une exploration de la photographie émergente nippone poursuivie dans un tiré à part conçu en collaboration avec Women In Motion, le programme de Kering qui met en lumière les femmes dans les arts et la culture.

Dans ce  numéro de Fisheye, vous pouvez découvrir les photographes japonais suivants

 

 

Dates Sortie en kiosque le 8 mars 2022
Titre du numéro Signes — 表徴
Site du magazine https://www.fisheyemagazine.fr

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KYOTOGRAPHIE international photography festival 👁

©︎ courtesy of Kyotographie

 

Exposition de photographie

KYOTOGRAPHIE, organisé au printemps de chaque année, est un festival de photographie dans l'ancienne ville de Kyoto et est considéré comme l'un des rares événements artistiques véritablement internationaux qui se déroulent au Japon. Le festival propose des expositions de photographie d'artistes de renommée internationale sous des formats non traditionnels dans des endroits exceptionnels. Un festival photo à part et à ne pas manquer !

Il est difficile cependant de se déplacer aujourd'hui au Japon, donc n'hésitez pas à aller sur leur site pour pouvoir découvrir les expositions proposées cette année. Notre site sugoi.photo vous proposera dans les semaines à venir des podcasts et articles en liaison avec le Festival International de la Photographie KYOTOGRAPHIE. Cette année, le festival fête ses 10 ans sous le thème « ONE »

Le dicton bouddhiste "Un vaut dix" exprime l'idée que ce qui est unique, en intériorisant l'extérieur, devient immédiatement une incarnation du tout, et ne se positionne avec les autres que par cette attitude globale. "Un" représente l'individu et "Dix" est le nombre d'intégralité, représentant le tout.

Les organisateurs / fondateurs de ce festival, Lucille Reyboz & Yusuke Nakanishi nous parlent de leur choix et objectif pour 2022  :

"En 2022, une autre guerre a commencé. Les tentatives pour justifier la guerre sont inconcevables ; la guerre n'est jamais la solution. D'après les expériences amères de l'humanité du passé, nous savons que des vies ne devraient jamais être sacrifiées au nom d'une cause totalitaire qui prétend de manière trompeuse être représentative de l'ensemble. En 2022, avec la 10ème édition, KYOTOGRAPHIE souhaite célébrer l'existence unique de chacun et notre diversité collective. Nous espérons que « ONE » est une occasion de redémarrer, en reconnectant les déconnectés et en recherchant la renaissance d'un monde post-pandémique pacifique."

Pour voir le programme, cliquer ici

 

Dates 9 avril au 8 mai 2022
Titre de l'évènement Kyotographie
Lieu KYOTO / différents lieux
Site  KYOTOGRAPHIE

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(un)real |Naoki HONJO 👁

©︎ courtesy of nap gallery and the artist Naoki Honjo

 

Exposition de photographie

Le photographe Naoki Honjo est connu pour son style de photographie caractéristique qui utilise un appareil photo grand format avec un objectif à bascule et décalage pour capturer les villes comme s'il s'agissait de dioramas. Évoquant le sentiment d'un monde miniature, Honjo brouille les frontières entre la réalité et la fiction du monde qui nous entoure.
Il s'agit de la première exposition solo à grande échelle de l'artiste et présentera environ 200 œuvres, y compris des séries inédites, qui, ensemble, offrent un aperçu complet de sa carrière à ce jour. L'exposition met également en lumière de nouvelles œuvres spéciales qui présentent les villes hôtes où se tiennent ses expositions.

 

Dates 19 mars au 15 mai 2022
Titre de l'exposition (un)real Utopia
Lieu TOP Museum, Tokyo / Japon
Site  TOP museum

 

Pour découvrir le travail de Naoki Honjo, cliquez ici

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Tokyo Silence | Yasuhiro OGAWA 📚

Livre de photographie

Ce livre "Tokyo Silence" est un ouvrage rassemblant une collection de photographies N&B capturant la vie dans les rues de Tokyo entre 2003 et 2006. On pense que Tokyo est l'une des villes les plus bruyantes au monde, mais à travers ces photographies, je veux montrer l'autre aspect de Tokyo - pour moi, c'est une ville où un étrange silence règne au fond de notre vie comme de l'eau.

" Pendant cette période, j'étais fou de voyager en Chine. En Chine, partout où vous regardez, c'est le chaos. Les cris des gens dans les rues surpeuplées, les klaxons des voitures résonnant dans le ciel gris, les voix rugissantes des haut-parleurs dispersés dans toutes les villes - j'ai vraiment adoré ces bruits de rue chinoise et je me souviens avoir marché chaque jour comme frappé par la foudre.

Après m'être habitué à de tels bruits chaotiques en Chine, le silence de Tokyo m'a semblé très unique. Chaque fois que je revenais à Tokyo, je me demandais comment la ville pouvait-elle être si calme ? Personne ne parle dans les trains, personne ne crie dans les rues. Oui, Tokyo est aussi une ville bruyante, mais je pense que le caractère du bruit est intrinsèquement différent entre les deux pays. Ici à Tokyo, presque tous les bruits proviennent de la lecture automatique de musique, comme la musique de fond des magasins ou les publicités vidéo sur des écrans géants. Que se passerait-il si toute la musique en lecture automatique était soudainement coupée ? En me promenant dans les rues de Tokyo, je ressens parfois une illusion comme si j'étais au fond d'un aquarium, où un curieux silence nous entoure.

Une telle pensée m'a poussé à photographier les rues de Tokyo, un Leica chargé de film monochrome à la main. Je voulais capturer ce silence caractéristique de Tokyo, et le silence qui s'installe profondément en nous."

 

Éditeur T&M Projects
Date de publication 2022
Site de l'éditeur www.tandmprojects.com

Disponible chez : Photobookstore ,  Setantabook

Vous pouvez trouver des informations complémentaires sur l'artiste en cliquant ici

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#51 a retrospective – hiromi tsuchida | IBASHO, Anvers 👁

hiromi tsuchida - military uniform (hiroshima collection), 1982
Vintage gelatin silver print, printed 1985
40.6 x 50.8 cm
16 x 20 in

©︎ hiromi tsuchida & courtesy of Ibasho Gallery

 

Exposition de photographie

IBASHO présente l'exposition personnelle d'Hiromi Tsuchida "A Retrospective". Tsuchida est l'un des grands maîtres de la photographie japonaise, qui produit des œuvres uniques depuis les années 1970. Il a réussi de manière unique à métaphoriser l'orientation socio-économique de son pays grâce à un certain nombre de techniques et d'approches. Des œuvres de ses séries phares «Zokushi», «Counting Grains of Sand», «Hiroshima Collection» et «Hiroshima Monument» seront exposées.

Pour en savoir plus, cliquer ici

Vous pouvez également visionner une vidéo ici

 

Dates 26 mars au 1er mai 2022
Titre de l'évènement #51 a retrospective – hiromi tsuchida
Lieu Ibasho gallery
Site https://ibashogallery.com

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(Un autre) Éloge de l’ombre |Musée Réattu 👁

 

Kishin Shinoyama, Tatouages, Yokohama, 1974 © Kishin Shinoyama 2021

 

Exposition de photographie

(Un autre) Éloge de l'ombre
La photographie japonaise dans les collections du musée

Au musée Réattu, à Arles, vous est proposée une exposition  de grands photographes japonais contemporains : Eiichiro Sakata, créateur d'étonnants portraits d'artistes ; Kishin Shinoyama, maître du nu féminin et réalisateur d'une fascinante série sur une maison de tatouage à Yokohama ; Keiichi Tahara et Senji Taniuchi, dont les séries Fenêtres et Reflections respirent le « Ma » (間), un concept purement japonais fusionnant les notions de temps et d'espace.
Le titre de l'exposition rend hommage à l'écrivain Jun'ichirô Tanizaki, auteur de l'éloge de l'ombre (1933), essai à travers lequel il défend une certaine idée de l'esthétique japonaise, qui donne une importance considérable à la pénombre, au clair-obscur et à la patine des choses.

Dans les photographies conservées au musée, l'ombre joue en effet sa partition aussi fort que la lumière ; elle anime les surfaces, organise l'espace, donne profondeur et mystère aux images ; elle n'est pas une absence de lumière, elle est une matière active, un espace de suggestion à travers lequel tout peut advenir.

 

Dates Prolongation jusqu’au 15 mai
Titre de l'exposition (Un autre) Éloge de l'ombre
Lieu Musée Réattu, Arles
Pour en savoir plus, cliquer ici
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« MADE IN KYOTO » |KIMIKO YOSHIDA 👁

©︎ courtesy of Kimiko Yoshida

 

Exposition de photographie

PALAZZO AMALTEO / GRAND OPENING
Situé à Venise dans un palais classé de 1540, le Palazzo Amalteo ouvre un tout nouvel espace d’expositions aménagé avec les standards museaux les plus élevés. Le directeur, Jean-Michel Ribettes, est un curateur d’art contemporain avec une longue expérience internationale (Fondation Cartier à Paris, PS1-MoMA à New York, Metropolitan Art Museum à Tokyo, etc.).

La programmation - art contemporain et architecture - est assurée par une sélection de curateurs internationaux. Chacune de ces signatures est invitée à oser l’audace et plus encore à assumer ses propres péjugés - loin des effets de consensus. Le programme du Palazzo Amalteo s’appuie seulement sur un principe d’excellence : à la fois surprendre, contrarier et ravir.

À l’occasion de l’inauguration de la Biennale d’Art de Venise an avril 2022, le Palazzo Amalteo fait son Grand Opening.

HOMO FABER
Du 10 avril au 1er mai 2022, dans le cadre de l’événement culturel Homo Faber in Città, le Palazzo Amalteo présente une exposition intitulée Le Dit du Genji réunissant les œuvres récentes de l’artiste japonaise Kimiko Yoshida. Organisé par la Fondazione MichelAngelo auprès de la Fondazione Cini à Venise, le programme Homo Faber 2022 a pour invités d’honneur des Trésors vivants du Japon.

LE DIT DU GENJI
La photographe Kimiko Yoshida travaille à Kyoto avec de prestigieux artisans, founisseurs de la Cour impériale, pour créer une série de kakejiku (peinture japonaise traditionnelle en rouleau qui se déroule pour être accrochée au mur).

Kimiko Yoshida présente des kakejiku géants (350 x 180 cm) réalisés avec l’ensemble de la soie composant traditionnellement un kimono; chaque lé de soie est sérigraphié à la laque ton sur ton avec un pattern qui requiert 7 passages de couleur.

Une autre série de kakejiku, de grandes et moyennes dimensions, présente une double image. Dans la prestigieuse tradition de l’artisanat japonais, d’anciens dessins illustrant Le Dit du Genji (récit écrit au XIe siècle par dame Murasaki-shikibu) sont appliqués à la laque et poudre d’or sur les autoportraits photographiques de l’artiste (impression pigmentaire sur toile). Ces “images laquées” (urushi-e) présentent ainsi des “doubles images” qui quperposent, comme par transparence, une image ancienne et une image contemporaine.

Pour en savoir plus sur cette exposition :

https://amalteo.it/exhibitions/

https://kimiko.fr/project/urushi-e/

https://www.homofaber.com/it/in-citta
Dates 10 avril au 1er mai 2021
Titre de l'exposition Le Dit du Genji
Lieu Palazzo Amalteo, Venise

 

Pour découvrir le travail de Kimiko Yoshida, cliquez ici

Pour en savoir plus sur Kimiko Yoshida, n'hésitez pas à lire notre article dans la section Bain d'arrêt ou cliquer ici

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MALL | Kei ONO 📚

Livre de photographie

Depuis 2002, Kei Ono a commencé la photographie avec deux séries importantes "The Glare of Youth" et "NEW TEXT" dans lesquelles il a photographié des lycéens dans tout le Japon. Alors qu'Ono parcourt le Japon pour photographier des sujets rencontrés sur le web, il se rend compte que la construction de centres commerciaux augmente un peu partout. Le centre commercial, d'ailleurs, est déjà présent dans les photos de ces deux séries, devenu un endroit de vie pour ces lycéens que Kei Ono photographie.
Capturant les images de ce lieu de vie qu'est le centre commercial, Kei Ono donne à regarder les changements du Japon et nous permet de nous poser des questions sur nos vies et notre façon de vivre.
Dans les années 2010, Kei Ono quitte le monde des lycéens pour se tourner  sérieusement sur l'univers du centre commercial. Le centre commercial apparaît comme un énorme boîte étouffant les désirs et les différences des gens. A l'intérieur, le comportement humain est à la fois une errant sans réel but et pourtant connecté au quotidien. Comment fonctionne ce lieu, à la fois ville et paysage, un étrange paravent du paysage local ? Et avec le temps, certains centres commerciaux sont abandonnés pour d'autres centres commerciaux qui continuent à se construire.
Ce livre de photographies est une tentative de fixer une image du centre commercial comme un nouveau lieu commun des hommes, et cela, à travers 20 ans de photographie, permettant de voir le cycle social et humain à l'intérieur et à l'extérieur de ce lieu.

Ce que j'avais découvert, c'était simplement le monde dans lequel je vivais. Autour du centre commercial, de nouvelles résidences ont été construites. Le long des rues se trouvent des magasins de grands détaillants d'électronique ou des géants de la restauration rapide, et sur les routes des camions qui approvisionnent tout cela. D'ACCORD. C'est notre monde. J'avais perçu les hommes, mes lycéens photographies, comme des choses distinctes alors qu'elles étaient en fait connectées, et le centre commercial faisait également partie de cet ensemble.
J'étais sûr que l'appareil photo télémétrique moyen format était le mieux adapté au thème. je l'utilisais depuis que j'étais étudiant, et je marchais sans relâche avec lui et un trépied pliable dans tout le Japon. La nature du projet semblait s'être élargie des portraits pour inclure les paysages aussi.

 

Éditeur Akaaka
Date de publication Janvier 2022
Site de l'éditeur www.akaaka.com

Disponible chez : Akaaka

Vous pouvez trouver des informations complémentaires sur l'artiste en cliquant ici

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ギャラリー冬青 |PHOTOGRAPHERHAL 👁

©︎ courtesy of PHOTOGRAPHER HAL

 

Exposition de photographie

Cette exposition est une rétrospective des duos "emballés" internationalement connus du fameux photographe PHOTOGRAPHER HAL

Dates 5 novembre - 26 décembre 2021
Titre de l'exposition " PHOTOGRAPHERHAL "
Lieu ギャラリー冬青
Site de l'artiste www.photographerhal.com
 

Pour découvrir plus en détails son travail, cliquez ici

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Moving Away | Miyako ISHIUCHI 📚

Livre de photographie

“Il y a plusieurs raisons de déménager. Dans mon cas, un matin, j’ai été soudainement submergé par la sensation étrangement convaincante que je ne devrais plus être ici.”

Dans Moving Away, la photographe japonaise Miyako Ishiuchi devient elle-même le sujet de sa photographie. Au cours des trois années qui se sont écoulées entre la décision soudaine de quitter la maison dans laquelle elle avait vécu pendant 43 ans et son déménagement réel, elle a pris une série de paysages, de photos de rues, de plans de détail et de vies autour de sa maison et de son quartier que tous – soit directement comme une image miroir ou indirectement – la présentez d’une manière ou d’une autre. Ishiuchi documente la fin d’un autre chapitre de sa vie avec attention, sentimentalité mais aussi résolument positivement.

“J’ai toujours cru que chaque photographie est le reflet de son créateur, quel que soit son sujet. Je ne me suis donc jamais photographié intentionnellement. Mes photographies se sont toujours démarquées de l’essence de la photographie en tant que documentation afin d’évoquer l’extraordinaire.”

 

Éditeur Sokyusha
Date de publication Avril 2021
Site de l'éditeur www.sokyusha.com

 
Disponible chez : La Chambre Claire

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Memories Penetrate the Ground and Permeate the Wind | TOP Museum, Tokyo 👁

 

©︎ courtesy of TOP Museum 

 

Exposition de photographie

Dates 6 novembre 2021 - 23 janvier 2022
Titre de l'exposition Memories Penetrate the Ground and Permeate the Wind
Lieu TOP Museum, Tokyo
Site du musée topmuseum.jp

 

En 2002, le TOP Museum (Tokyo Photographic Art Museum) a lancé des expositions sous le label "la photographie japonaise contemporaine" afin de soutenir la création et les artistes pour qu'ils explorent le potentiel de la photographie et de l'image en mouvement, soient découverts des artistes prometteurs et que le musée devienne un  lieu propice à de nouvelles initiatives artistiques. Basée sur le thème « les souvenirs pénètrent le sol et imprègnent le vent », cette exposition, la 18e de la série, présente des photographies et des images en mouvement de quatre individus et d'un duo d'artistes qui abordent de diverses manières la relation entre le corps, la terre, les paysages et la mémoire. Dans notre société marquée par des changements constants par la mondialisation et l'absence de frontières, l'histoire, les coutumes, les traditions et les mémoires propres à une région ou à une zone donnée existent sous des formes variées à côté d'un large éventail de valeurs. D'un autre côté, nos idées peuvent parfois traverser des myriades de frontières avec la facilité du vent, nous aidant à découvrir des façons de traiter avec les autres. À ce stade de l'histoire humaine, une série d'efforts pour s'installer et se déplacer, comment pouvons-nous engager un dialogue avec la région et le paysage, et entrer en relation avec d'autres personnes ? Yoshida Shiho crée plusieurs couches de paysages et d'images en utilisant un hybride de technologie numérique et analogique. Han Ishu explore la relation entre les paysages et l'individu à travers des images en mouvement basées sur ses propres performances. Komori Haruka et Seo Natsumi créent des œuvres traitant des traditions et des histoires liées aux catastrophes naturelles et au mode de vie des gens. Ikeda Hiroshi a tiré sur des Aïnous pendant plus de dix ans et a soulevé des questions sur les stéréotypes raciaux. Yamamoto Ayaka a examiné les relations physiques inconscientes qui transcendent le langage dans des régions inconnues. Les expressions faites par ces artistes promettent de nous fournir des indices pour considérer l'époque actuelle dans laquelle nous vivons.

Pour en savoir plus : cliquer ici

Pour en savoir plus sur l'exposition :

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Entrez dans le miroir |Takehiko NAKAFUJI 👁

©︎ courtesy of Irie Taikichi Memorial Museum of Photography Nara City

©︎ courtesy of Takehiko Nakafuji

 

Exposition de photographie

Cette exposition, présentée par le musée de la photographie de Nara, propose une rétrospective de la photographie de Takehiko Nakafuji, un corpus de photographies d'une ville, fugitive, en noir et blanc, de New York à la La Havane, de Shanghai en Russie, de Paris à l'Europe de l'Est (Berlin, Prague, Budapest, Varsovie…). Les œuvres aux contrastes élevés et aux tonalités puissantes découpées de la ville visitée depuis un quart de siècle font ressentir au spectateur une énergie intense.

Pendant plus de 20 ans, Takehiko Nakafuji a erré dans de nombreuses villes à travers le monde, photographiant la ville et les gens qui la composent. Il. nous explique : "Je ne suis pas un photographe de presse qui couvre de façon documentaire des évènements et des problèmes sociaux. Je me laisse aller à mon intuition et me jette à corps perdu dans la ville, juste en prenant des clichés d'un point de vue purement personnel. Cependant, ces clichés ont parfois un pouvoir mystérieux qui dépasse le sens et l'explication que l'on voudrait y mettre. C'est un sentiment étrange comme si vous pénétriez "au-delà du miroir", dans un monde qui n'est pas exactement la réalité, tout en étant conscient de ce qui est vraiment réel. L'ensemble de ces photographies où le hasard intervient, capturent ce "quelque chose" en plus qu'il faudrait appeler les âmes des gens et les souvenirs de la terre, au-delà de l'apparence de la ville que nous connaissons communément."
Cette exposition rassemble les photographies de huit villes de par le monde : New York, La Havane, Europe de l'Est, Russie, Shanghai, Hong Kong, Paris et Tokyo.

"J'ai choisi ces villes spécifiques comme sujets que j'ai photographié régulièrement car elles semblaient être un lieu symbolique pour capturer notre époque. L'effondrement du socialisme, qui peut être considéré comme une grande expérience au 20e siècle, et le monde capitaliste comme son opposition binaire. L'effondrement du système socialiste, qui a commencé avec la chute du mur de Berlin et a conduit à l'autodestruction de l'Union soviétique en 1991, a été un événement choquant pour moi en tant que jeune homme. Juste à cette époque, j'ai commencé à prendre des photos de rue, et je choisissais les lieux pour photographier en fonction de l'actualité mondiale du moment qui me semblait importante. Les villes du monde entier sont constamment turbulentes et changeantes au milieu de grandes houles. Tout ce que je peux faire et continuerai de faire, c'est de rester dans la rue, de me promener et de m'entraîner à photographier pendant que mon corps réagit aux personnes que je rencontre et aux vues inattendues. C'est une joie inattendue d'exposer ce corpus d'oeuvres de plus de 20 ans. Que la lumière qui traverse ces villes, inonde l'espace d'exposition et laisse entrevoir un autre monde au-delà du miroir."
(Takehiko Nakafuji)

 

Dates 29 octobre - 26 décembre 2021
Titre de l'exposition Takehiko Nakafuji |Entrez dans le miroir
Lieu Musée de la photographie de Nara,
Site Musée de la photographie Nara

 

Pour découvrir le travail de Takehiko Nakafuji, cliquez ici

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Chicharrón | Hiro TANAKA 📚

Livre de photographie

"Chicharrón" - lauréat du Cosmos Arles PDF Award 2018 - présente les photographies au flash hautement saturées de Hiro Tanaka prises sur la route aux États-Unis. Les photographies (principalement des gros plans d'objets, de paysages, de scènes humoristiques et de portraits) sont présentées comme diptyques dans le livre.
Tanaka est arrivé aux États-Unis pour la première fois après avoir remporté un voyage gratuit lors d'une tombola dans un centre commercial, puis a choisi la photographie en voyageant avec des groupes punk.

 

Éditeur Witty Kiwi
Date de publication November 2018
Site de l'éditeur https://witty-books.com

 

Vous pouvez  découvrir son travail à l'exposition BLOCK HOUSE+island JAPAN+アホウキ芸術協会 : Cliquez ici pour avoir une visite virtuelle ( 3D archive by ARCHI HATCH )

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KG + 2021 / Nuit Blanche KYOTO 2021 |Maryam Kordbacheh × Hiromi Kakimoto

©︎ courtesy of KG+ and the artists

 

Exposition de photographie
Cette exposition a lieu pendant Nuit Blanche KYOTO 2021  et KG+2021 dans le cadre de Kyotographie 2021.

« Poetry of Clothing » est un portrait de vêtements : des vêtements en tant qu'objets qui transcendent le temps et l'espace. Cette exposition capture l'interaction entre les vêtements et la nature calme et sereine du Japon où les sons des oiseaux, des rivières, du vent et des montagnes s'imprègnent dans le vêtement. Le sujet des oeuvres de cette exposition est un nouveau vêtement dont le focus est sur la recherche du matériau, de la forme et tout cela dans une perspective philosophique du costume shintoïste qui est transmis depuis plus de mille ans au Japon. Dans cette exposition, seront exposées également des œuvres vidéo sur le thème de l'admiration pour la nature à laquelle on ne peut résister et des prières secrètes dédiées à la nature. Cette exposition est un travail photo et vidéo réalisé en collaboration avec la créatrice de mode néerlandaise Maryam Kordbacheh et l'artiste japonais Hiromi Kakimoto.

Vêtements en collaboration avec l'artisan japonais Yoshida Shozoku. Avec le soutien de MonoJapan. Financé par Dutch Stimuleringsfonds.

 
Dates 1 octobre - 17 octobre 2021
Titre de l'exposition Maryam Kordbacheh × Hiromi Kakimoto |Poetry of Clothing
Lieu GOOD NATURE STATION 4F GALLERY
Site KG+2021 Nuit Blanche KYOTO 2021
 

Pour découvrir le travail de Hiromi Kakimoto, cliquez ici

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「Are you my echo.」|Takashi SUZUKI 👁

©︎ courtesy of HRD FINE ART and the artists

 

Exposition de photographie

HRD Fine Art présente une exposition personnelle de Takashi Suzuki, intitulée « Are you my echo. ». Cette exposition est présentée dans le cadre du programme de "KG+ 2021", un événement satellite du "Kyotographie International Photography Festival".

Takashi Suzuki est né à Kyoto en 1971. Il a étudié l'art photographique à l'Art Institute of Boston aux États-Unis et à la Kunstakademie Dusseldorf en Allemagne, et est maintenant basé à Kyoto.

L'intérêt principal de Suzuki réside dans l'acte de voir/regarder, et sa relation avec la perception et la compréhension humaines. Sa création est multicouche, utilisant non seulement la photographie mais aussi les objets et la vidéo afin de présenter les écarts et les écarts entre les phénomènes réels et les images qui les capturent, ainsi que la fluctuation de la perception humaine causée par de tels écarts et écarts.

Ces dernières années, Suzuki a travaillé sur la construction de l'espace en adoptant la méthode du montage, en assemblant différentes œuvres d'art et en transformant l'ensemble de la galerie en un espace/œuvre d'art expérimental. Suzuki sélectionne toujours un mot-clé spécifique pour définir un affichage spécifique, et pour cette exposition solo, le mot-clé est "écho". Au sein de la maison de ville machiya qui date de plus de 90 ans, le phénomène et le concept « d'écho » produisent des réverbérations complexes.

 

Dates 2 septembre - 2 octobre 2021
Titre de l'exposition Takashi Suzuki: Are you my echo.
Lieu HRD FINE ART
Site HRD FINE ART

 
 
Une visite virtuelle est proposée en vidéo ( seulement en Japonais) : cliquez ici
 

Pour découvrir le travail de Takashi Suzuki, cliquez ici

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Takano Ryudai | The National Museum of Art, Osaka

2018.11.14.#05 2018 ©Takano Ryudai, Courtesy of Yumiko Chiba Associates

 

Dates 29 Juin 29 – 23 Septembre, 2021
Titre de l'exposition TAKANO RYUDAI:

DAILY PHOTOGRAPHS 1999-2021

Lieu NMAO, the National Museum of Art, Osaka
Site de la galerie www.nmao.go.jp

 

Cette exposition propose une série de photographies de Takano Ryudai (né en 1963) exécutées de 1999 à 2021.

Takano Ryudai est largement reconnu comme un photographe qui traite des thèmes du genre et de la sexualité. Dans le livre photo de 2005, IN MY ROOM, pour lequel il a reçu le Kimura Ihei Photo Award, Takano a entrepris de visualiser la zone ambiguë qui se situe entre les notions binaires de la sexualité humaine telles que la femme et l'homme, l'homosexuel et l'hétérosexuel. Dans le même temps, tout en se faisant une règle de prendre des photos tous les jours sans faute depuis 1998, Takano a entrepris une variété d'expériences et a examiné à plusieurs reprises les vues institutionnalisées, ainsi que les caractéristiques et les limites du médium photographique. Le projet, appelé Daily Photographs, est toujours en cours. Dans cette exposition, la première grande exposition personnelle de Takano dans un musée, environ 130 œuvres de l'artiste seront présentées chronologiquement. Outre Daily Photographs, qui sert de fondement à la pratique de Takano, l'exposition comprendra les œuvres sur le thème du genre et de la sexualité qui lui ont valu d'être célèbre ; Kasubaba, qui se concentre sur les paysages urbains chaotiques uniquement japonais ; la tour de Tokyo, qui utilise l'observation à point fixe ; et les pièces d'ombre, auxquelles Takano s'est consacré depuis le grand tremblement de terre de l'est du Japon.

Pour en savoir plus en anglais ou en japonais : Cliquer ici

 

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HOME AGAIN | Mari KATAYAMA 👁

©︎ courtesy of MEP Paris & Mari Katayama

 

Exposition de photographie

Mari Katayama, artiste polymorphe, allie sculpture, couture, performance et photographie dans une œuvre intime qui interroge le spectateur sur sa propre relation au corps.

 

Dates 3 septembre - 24 octobre 2021
Titre de l'exposition MARI KATAYAMA
HOME AGAIN
Lieu MEP - MAISON EUROPÉENNE DE LA PHOTOGRAPHIE, Paris
Site du musée www.mep-fr

 

Pour en savoir plus, visiter le site de la MEP : cliquer ici

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Photograph of Photograph and Photographs | YUMIKO CHIBA ASSOCIATES

©︎ courtesy of Yumiko Chiba Associates

 

Exposition de photographie

Cet été, Yumiko Chiba vous propose une exposition de photographies qui nous fait réfléchir sur ce qu'est la photographie.

L'histoire de la photographie est l'histoire de l'invention en tant que technologie de reproduction et d'enregistrement, mais aussi l'histoire d'un nouveau mode d'expression  dans le monde de l'art. Ce faisant, la photographie acquis une expressivité, une politique et une expérimentation technique sans précédent. L'histoire d'une telle photographie doit avoir été une tentative d'explorer et d'actualiser constamment les questions "qu'est-ce que la photographie" et "que peut-on faire avec la photographie".

Cette exposition présente des œuvres photographiques de Ryudai Takano (actuellement exposé  au National Museum of Art), Osaka, Jiro Takamatsu, Yuki Onodera, Osamu Shiihara, Wols et Eugene Atget.

À travers le travail de ces artistes qui ont élargi les possibilités de la photographie en tant que médium, on peut découvrir des œuvres photographiques expérimentales positionnant aujourd'hui la photographie comme un moyen d'expression important dans le monde de l'art contemporain.

 
Dates 20 juillet - 29 août 2021
Titre de l'exposition “Photograph of Photograph and Photographs”
Lieu YUMIKO CHIBA ASSOCIATES
Site de la galerie ycassociates.co.jp
 
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HESTER | Kumi OGURO

Livre de photographie

« HESTER est le titre de l'une de mes photographies présentées dans ce livre et est à l'origine un personnage du roman, A Prayer for Owen Meany, de John Irving. Je suis attirée par cette femme fictive particulière, Hester, en raison de sa nature extrême; c'est une extravertie, agressive et chaotique, mais aussi sensible, aimante et charmante.

Avec beaucoup d'affection, je pourrais appeler toutes les femmes de mes photographies 'Hester'." - Kumi Oguro.

Depuis plusieurs années, Kumi Oguro poursuit un projet photographique centré sur la création de scènes incluant des figures féminines. Ses compositions éveillent l'imaginaire et l'inconscient du spectateur, se connectant à une multitude de références culturelles que chaque individu peut détenir.

Les photographies sont un point d'immobilité dans un « monde juste à côté du nôtre », comme le décrit Kumi Oguro, où l'esprit va errer à travers son livre de mémoire et de pensée. (extrait de texte de Laura Barnicoat)

Les textes du livres sont d'Alain Delaunois et Hans Van den Broeck.
Langue : français, anglais et japonais.

 

Éditeur Stockmans Art Books (Belgium)
Date de publication 2021
Site de l'artiste www.kumioguro.com
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Sakyukan | MI YEON

©︎ Mi Yeon

 

Exposition de photographie

Cette série " Truth is One " a été prise lors d'un séjour à la Kriti Gallery & Artist Residency à Varanasi, en Inde. Voici des extraits du texte décrivant le projet, écrit par Okura Hiroshi (directeur Sakyukan, critique d'art) :

" ... Jeune enfant, elle (Mi Yeon) croyait être le seul "moi", jusqu'à ce  jour où elle est surprise d'apprendre qu'il y avait d'autres « moi » dans le monde...."

" Les photos rapportées d'Inde par Mi-Yeon .../... séduisent par leur générosité, comme une expansion illimitée de sa première découverte de ces autres "moi". Lumière chatoyante sur le Gange, les gens portent, se parent, se frottent avec du rouge, du vermillon, du cramoisi. La lumière et les couleurs vives qui imprègnent ses photos sont à la fois la vraie lumière et la vraie couleur, et aussi la lumière et la couleur trouvées au plus profond du « moi (seul) » de chacune des personnes venant prier, se baigner, s'attarder au bord de la rivière .../... Les photos de Mi-Yeon, qui a commencé à visiter des sites sacrés dans des endroits tels que l'île de Jeju et Okinawa, se déplacent comme des aiguilles de boussole pointant vers des endroits éloignés mais très proches, démêlant les chevaux de masses humaines d'individus éparpillés le long du chemin."

Texte original complet traduit en anglais : Ici
 

Dates 5 août - 5 septembre 2021
Titre de l'exposition “Truth is One”
Lieu Sakyukan, Niigata-city
Site de la galerie www.sakyukan.jp

 

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Sakura | Yoshinori MIZUTANI

Livre de photographie

"Cherry blossoms are so beautiful
that I don't think I've spent as much
time looking at anything else

Facing a saura tree
my eyes shift
from one petal to another
from one flower to another
until the whole picture is grasped

In 'SAKURA'
I attempt to visualize
the move of my observing eyes
and crystallise the visual experience
of meditating and wandering upon
the blooming tree

As a result
the images show that
photography captures nog only
a specific moment
but also the passing of time"

- Yoshinori Mizutani
design by Akiko Wakabayashi
text by Yoshinori Mizutani in English and Japanese

 

Éditeur   The (M)éditions & IBASHO
Date de publication   2021
Site de l'artiste www.yoshinori-mizutani.com
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Alone Together | MI YEON

Livre de photographie

Un livre magnifiquement conçu de photographies en noir et blanc sur ce que signifie faire partie d'une société et nos relations avec les autres. Chaque page est une émotion nous disant "seul et ensemble" ... (Alone Together)

 

Éditeur Kaya books
Date de publication 2014
Site de l'artiste mi-yeon.jp

 

Disponible chez : MI YEON site

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#47 mizu | IBASHO, Anvers

©︎ Asako Narahashi , courtesy of Ibasho , 2013

 

Exposition de photographie

Cet été, IBASHO a choisi le thème 'Mizu', le mot pour 'eau' en japonais. En tant que nation insulaire, le Japon a un lien profond avec l'eau de diverses manières, créant une histoire culturelle où l'eau et la vie vont de pair.

Parmi les photographes présentés, des photographes contemporains japonais - Mika Horie, , Keiichi Ito, Miho Kajioka, James Osamu Nakagawa, Asako Narahashi et Toshio Shibata  ont été choisis pour montrer leur regard sur l'eau, "mizu".

La galerie nous raconte :

"Au Japon, sous l'influence de la religion indigène shintoïsme, "Mizu" est censé incarner la pureté et la simplicité souple de la vie. Une connexion spirituelle avec des éléments comme l'eau est considérée comme une force principale dans la vie d'un prêtre shintoïste. De même, les chutes d'eau sont considérées comme sacrées et se tenir sous l'une d'elles est censé purifier l'individu...".

 

Dates 17 juin - 22 août 2021
Titre de l'exposition # 47 mizu
Lieu IBASHO, Anvers, Belgique
Site de la galerie ibashogallery.com

 
Pour plus d'information et continuer votre lecture, cliquer sur : #47 mizu
 

Vous pouvez également voir une vidéo présentant l'exposition sur le lien suivant :

#47 mizu vidéo

 

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Flowers Bloom, Butterflies Come | Miho KAJIOKA

Livre de photographie

"Flowers Bloom, Butterflies Come" (IIKKI 014) est le résultat du dialogue entre les photos poétiques de Miho Kajioka et la belle musique des musiciens britanniques Ian Hawgood et Craig Tattersall.

Tirage limité à 750 exemplaires

Couverture rigide, 24cm x 22cm, 96 pages,

93 photos imprimées sur Munken Print Cream, logo, fente et cercle en relief, plastification mate et finition vernis sélectif.

Numéroté à la main.

 

Éditeur    Iikki
Date de publication   2021
Site de l'artiste   www.mihokajioka.com

 

Disponible chez : Ibasho

Les copies disponibles chez IBASHO sont livrées avec un code pour télécharger la musique de 'Conservatories' (Hawgood et Tattersall).

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植木|Petits pots et jardins | Yasuyuki TAKAGI

©︎ Yasuyuki Takagi, courtesy galleryMain, Kyoto

 

Exposition de photographie

La relation entre les hommes et la nature a été un thème principal des travaux photographiques de Yasuyuki Takagi. Ce photographe a porté son attention sur « les jardins bohèmes des rues » du centre-ville de Tokyo et ce travail a été présenté dans son livre photo Ueki  voulant dire « petits pots et jardins » (voir section livres)

Cette exposition inclut des Polaroïds et des photographies de plantes en pot mais également les matériaux de recherche collectés par le photographe. Le but est de réfléchir sur l'art et l'histoire de notre culture « Ueki » et de  nos liens avec la vie végétale.

 

Dates 23 juin - 11 juillet 2021
Titre de l'exposition Petits pots et Jardins
Lieu galleryMain, Kyoto, Japon
Site de la galerie https://gallerymain.com/

 

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To Be Bewitched by a Fox | Tomoko SAWADA

Livre de photographie

Ce livre résume les 25 ans de carrière de Tomoko Sawada, allant de son premier travail "ID400" aux dernières productions. Il a été publié en lien avec une exposition produite pour le musée de la photographie à Tokyo / TOP Museum en 2021 intitulé To Be Bewitched by a Fox

 

Tomoko Sawada a remporté le Canon Photo New Century Excellence Award en 2000 pour son autoportrait "ID400", le Kimura Ihei Award en 2004 et le NY International Center of Photography Young Photographer Award.

 

Éditeur SEIGENSHA Art Publishing, Inc.
Date de publication 2021
Site de l'artiste tomokosawada.com

 

Vous pouvez découvrir ce travail dans cette vidéo en japonais. Une version français expliquant le travail de Tomoko Sawada sera prochainement édité dans la section Viewing room

 

Disponible chez: Seigensha

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UEKI, petits pots et jardins | Yasuyuki TAKAGI