Avertissement : Les informations ne sont pas retraitées ou interprétées et sont sourcées d’après les sites originaux.

Sous l’épaisseur de la nuit se cache le bleu du ciel, Sakiko Nomura | Galerie Écho 119 👁

Sous l’épaisseur de la nuit se cache le bleu du ciel

Sakiko Nomura explore l’intimité de ses modèles dans des chambres dépouillées, où la nudité des lieux répond à celle des corps. Ses images se construisent dans l’ambiguïté des ombres et des lumières, là où se confondent chien et loup, masculin et féminin, jour et nuit. Dans cette obscurité incertaine surgit l’intensité d’un instant suspendu. Est-ce l’éclair d’une seconde, la durée d’un silence, ou le calme avant la tempête ? C’est peut-être tout cela à la fois — ou rien…

L’exposition met en résonance deux ensembles : Night Flight, l’une de ses rares séries en couleur encore jamais exposée en France, et Another black darkness une série énigmatique, d’images uniques, d’un noir intensément profond.

Night Flight, 2008 © Sakiko Nomura

« Que suis-je en train de faire ? Je me retrouve nue, allongée sur le lit dans une douce obscurité. La lumière de la lampe brille comme si elle flottait dans les airs. Les draps en soie sont agréables au contact de ma peau. Assise en tailleur au pied du lit, une femme tient un petit appareil photo. Qui peut-elle bien être ? Au-delà de l’appareil photo, je vois une peau blanche. Des vêtements noirs. Le son sensuel d’une voix féminine. Que peut-elle bien me dire, ici, dans ma nudité ? Le bruit d’un obturateur qui clique. Elle dit à nouveau quelque chose. Ces sons doux m’impressionnent par leur élégance. Ils sont proches, mais semblent venir de très loin. Je me demande ce qu’elle dit. La voix qui parle est plus qu’un son. Ou plutôt, comme une musique apaisante. Et pourtant si vague. Quelque chose tombe vaguement sur mes yeux. C’est comme si un film aussi fin que les ailes d’une libellule avait été tiré entre elle et moi. Et pourtant, il est aussi solide que de la soie d’araignée. Comment ce film peut-il être si solide ? Je ne sais pas. Le film ne peut tout simplement pas être fragile. C’est ce que je pense. À nouveau, le bruit d’un déclencheur. Le voile tremble légèrement. Je regarde fixement mon bras devant moi. La voix de la femme s’estompe au loin. Le film coupe immanquablement la lumière, parfois en se fondant dans celle-ci. Je suis transporté dans un monde de ténèbres chaotiques. Et une fois de plus, je retourne dans le monde de la lumière. Mais pendant un instant, je suis perdu entre les deux »

Excerpt from Tatsushi Omori’s essay titled Light in the Chaos, published in Night Flight (2008)

Night Flight, 2008 © Sakiko Nomura

Le travail de Sakiko Nomura est également visible du 3 au 8 novembre à l’Hotel de la Louisiane dans le cadre du Festival Photo Saint Germain, pour l’exposition Room Service.

Pour plus d’information, veuillez cliquer ici

Dates	du 7 novembre 2025 au 17 janvier 2026
Titre de l’exposition	Sous l’épaisseur de la nuit se cache le bleu du ciel
Lieu	Galerie Écho 119
Site	https://www.galerieecho119.com/

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Miki Fukumoto “Wadatsumi — God of the Sea” | Zen Foto Gallery 👁

Miki Fukumoto “Wadatsumi — God of the Sea”
© Miki Fukumoto, Courtesy Zen Foto Gallery

La galerie Zen Foto est heureuse de présenter l’exposition photographique de Miki Fukumoto, « Wadatsumi — Dieu de la Mer », du vendredi 12 septembre au samedi 1er novembre 2025. Il s’agit de la première exposition personnelle de Fukumoto à la galerie Zen Foto.

L’exposition présentera une sélection d’œuvres extraites de son livre photo éponyme, paru en juin dernier. Née à Kobe, au Japon, Miki Fukumoto a étudié la photographie auprès de Daido Moriyama et travaille actuellement comme photographe indépendante. Depuis plus de dix ans, et ce depuis environ 2010, elle parcourt les ports de pêche du Japon, photographiant les pêcheurs et les paysages de ces régions. Le fruit de ce travail a été rassemblé dans sa dernière publication.

Le samedi 20 septembre, Miki Fukumoto et Mark Pearson, directeur de la galerie, animeront une rencontre-débat.

«Après la publication de *À Paris*, mon livre de photos sur Paris, en 2010, j’ai décidé de photographier le Japon. Je me suis demandé comment aborder le sujet à ma manière, car tant d’autres avaient déjà immortalisé le pays. Amoureux de la mer, j’ai parcouru les côtes, les ports et les ports de pêche. En photographiant ces derniers, j’ai ressenti une atmosphère particulière, comme une douce quiétude. Convaincu que c’était une caractéristique unique du Japon, j’ai entrepris de photographier ports et pêcheurs dans différentes régions.

Un jour, alors que je cherchais un titre pour toutes mes photos, le mot « Wadatsumi » m’est venu à l’esprit. Quelques années plus tard, lors d’une visite au port de pêche d’Atsumi Onsen, dans la préfecture de Yamagata, j’ai aperçu un bateau de pêche nommé Wadatsumi. Il s’agissait du bateau de M. Kasuya, le propriétaire de l’auberge où je logeais, lui-même pêcheur. Il m’a expliqué que Wadatsumi était le dieu de la tribu Azumi. Cette tribu était connue pour vivre au bord de la mer dans le Japon ancien. Par la suite, j’ai continué à rencontrer et à photographier des gens et des paysages magnifiques au cours de mes voyages, comme guidé par Wadatsumi.»
— Miki Fukumoto

Pour plus d’information, veuillez cliquer ici

Dates	du 12 septembre au 1er novembre 2025
Titre de l’exposition	Miki Fukumoto “Wadatsumi — God of the Sea”
Lieu	Zen Photo Gallery
Site	https://zen-foto.jp/

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Hitoshi Fugo, On the Ground | MEM Gallery 👁

Hitoshi Fugo, “On the Ground – Picking Up Cicadas”
2004, Gelatin silver print, 44.6×35.7cm each (a set of 3)
© Hitoshi Fugo, Courtesy MEM Gallery

Hitoshi Fugo est depuis longtemps sensible à ce que la photographie ne peut saisir. Bien que son objectif capture des sujets tangibles, il les considère comme de simples catalyseurs, son appareil tourné vers l’invisible, tapi juste au-delà.

La série « Sur le sol », qui donne son titre à cette exposition, n’a jamais été présentée officiellement jusqu’à présent. Composée de trois ensembles distincts : « Cigales ramassées », « Le temps qui passe » et « Ciel et Terre contemplés », cette série a débuté vers 2004 et s’est progressivement développée grâce à un va-et-vient constant entre la création d’images et la réflexion, à l’image d’un arbre qui approfondit ses racines, étend ses branches et se couvre de feuillage.

À la fin de chaque été, Fugo ramassait les cigales mortes tombées près de chez lui ou dans la cour de l’école voisine. En examinant les corps qu’il tenait entre ses mains, il constatait que chacun portait une particularité : certaines mordillées par d’autres insectes, d’autres aux ailes déchirées, d’autres encore aux membres écrasés ou manquants. Les nervures de leurs ailes, la structure de leur corps et l’éclat de leur surface révélaient une beauté sculpturale et paisible. Captivé par ces formes, Fugo photographia chaque cigale avec minutie, capturant l’avant et l’arrière, et tira ces clichés. À mesure que le nombre de spécimens augmentait, il commença à les réduire, une à une, en fine poudre. Il plaçait chaque poignée de poudre dans un petit flacon de verre qui, à l’instar des cigales elles-mêmes, révélait sa propre singularité. Fugo photographia ensuite les flacons, composant des triptyques à partir des clichés de chaque cigale, de face et de dos. C’était peut-être sa manière silencieuse d’honorer sa mémoire.

Tous les êtres vivants, cigales et humains confondus, naissent et retournent à la terre. Notre existence s’inscrit dans ce cycle perpétuel. Fugo se demandait s’il était possible de photographier le flux et les strates du temps cyclique accumulé au fil des millénaires. À cette époque, des fouilles archéologiques, mettant au jour des vestiges des périodes Jōmon et Yayoi, étaient en cours dans la cour de l’école près de chez lui. Les couches de terre exposées dans ces fosses révélaient des milliers d’années de sédimentation ; une rencontre avec un passé lointain. « Toucher le Temps » a débuté avec ses photographies de ces strates et s’est depuis transformé en un témoignage continu de la cour de l’école, un lieu en perpétuelle évolution.

À chaque visite, Fugo photographiait également le sol à ses pieds et le ciel à la verticale depuis un point précis de la cour, créant ainsi des paires d’images ancrées à cette position fixe : « Voir le Ciel et la Terre ».

« Attraper les Cigales » offre une représentation minutieuse de la forme ultime de la vie. « Toucher le Temps » retrace le lien entre le présent et le passé le plus lointain. « Voir le ciel et la terre » aligne la Terre et le cosmos sur une même ligne de mire. Ces trois séries, centrées sur les restes de cigales, s’unissent pour former une constellation d’images intitulée « Sur le sol ».

Hitoshi Fugo, “On the Ground – Touching the Time”
2008, Inkjet print, 29.8×44.9cm
© Hitoshi Fugo, Courtesy MEM Gallery

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Dates	du 17 mai au 1er juin, 2025
Titre de l’exposition	Hitoshi Fugo｜On the Ground
Lieu	MEM Gallery

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Tokihiro Sato – Respiration de lumière : Paysage urbain ｜ POETIC SCAPE 👁

© Tokihiro Sato, Courtesy IBASHO Gallery

Tokihiro Sato est un pionnier de l’expression photographique originale, explorant des thèmes tels que la lumière, le temps, l’espace et le corps, à travers des techniques uniques comme les appareils sténopé, la chambre noire et les poses longues.
Cette exposition présentera « Paysages urbains », une série issue de sa série emblématique « Souffle de lumière », créée à partir de décors architecturaux et urbains. L’exposition mettra l’accent sur des œuvres où Sato a utilisé des poses longues dans l’obscurité pour capturer les traînées lumineuses d’une lampe stylo qu’il tenait à la main, ainsi que sur des œuvres créées à partir de la lumière du soleil réfléchie par des miroirs. «

Il y a des espaces dans l’architecture que je perçois comme des poches d’air », explique Sato. Sa méthode, qui consiste à créer des formes de lumière par le mouvement de son propre corps dans ces espaces, est une approche unique, née de sa formation en sculpture. Les photographies qui en résultent sont imprégnées d’une conception abstraite du temps, comme visualisée.

L’exposition présentera également des tirages par contact inédits, réalisés à partir du négatif 20×25 cm utilisé pour la prise de vue originale.

Tokihiro Sato
Né dans la préfecture de Yamagata en 1957, cet artiste est diplômé de l’École supérieure des beaux-arts de l’Université des arts de Tokyo, où il s’est spécialisé en sculpture. Il explore la lumière à travers la structure de la photographie, qu’il promeut comme une pratique profondément ancrée dans sa propre physicalité. Parmi ses principales expositions personnelles, on peut citer celles du Musée d’art de Sakata (1999), de l’Art Institute of Chicago (2005), « Présence ou Absence » au Frist Center for the Visual Arts (2010), « Être là, ne pas être là » au Musée d’art photographique de Tokyo (2014) et « Lanterne magique d’Hachinohe » au Musée d’art de la ville d’Hachinohe (2022). Lauréat du 65e Prix d’encouragement artistique du ministre de l’Éducation, de la Culture, des Sports, des Sciences et de la Technologie, il est professeur émérite à l’Université des arts de Tokyo et directeur du Musée de la photographie Domon Ken.

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Dates	Du 25 octobre au 7 décembre 2025
Titre de l’exposition	Tokihiro Sato – Respiration de lumière : Paysage urbain
Lieu	POETIC SCAPE Gallery

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#73 Origins – Hajime Kimura | IBASHO 👁

Correspondence 71, 2017
Archival pigment print, mica and graphite on Kozo paper (150um)
27 x 27 cm
Edition 1 of 10

#73 Origins – Hajime Kimura

IBASHO est fier de présenter « Origines », une exposition personnelle du photographe japonais Hajime Kimura (né en 1982 dans la préfecture de Chiba). Après des études d’architecture et d’anthropologie, Kimura s’est lancé comme photographe indépendant en 2006.

L’exposition de Kimura présente deux séries :

Correspondance

Ce récit fictif se déroule à Torres Vedras, au Portugal, une région réputée pour son archéologie et autrefois submergée par l’océan. Kimura a passé un mois à explorer la « Première Ligne de Fortifications », des ouvrages de défense perchés sur les collines, construits pendant les guerres napoléoniennes le long du fleuve Sizandro. Prenant sa source à Sapataria et se jetant dans l’Atlantique, le fleuve serpente entre des forteresses qui témoignent du passé militaire de la région.

En parcourant ces sentiers chargés d’histoire, Kimura a médité sur l’évolution du paysage et de la vie humaine au cours des deux derniers siècles. Si le passé est irréversible, l’étude du terrain et la collecte d’objets modernes abandonnés au sol nous permettent d’imaginer comment les vestiges d’aujourd’hui deviendront les artefacts de demain.

En tant que visiteur japonais, Kimura s’interrogeait sur sa place dans ce lieu étranger. Inspiré par l’archéologie, il supposait que, comme par le passé, de futures fouilles pourraient révéler des traces de notre présent. Il utilisa une petite imprimante pour imprimer ses photos sur place, puis les immergea dans le fleuve Sizandro et l’océan Atlantique, rendant symboliquement ces images aux éléments – unissant ainsi mémoire, terre et temps.

De cette série est né un livre publié en 2022 par IBASHO & the(M) éditions. Ce livre présente des photographies documentant des objets abandonnés, la flore et la faune, associées à leurs coordonnées et dates pour évoquer les fouilles archéologiques. Réalisé à partir de papier recyclé, il contient des lettres du présent vers le passé ou le futur, explorant le thème du temps et la manière dont les objets mis au rebut pourraient un jour révéler notre histoire.

Matagi

Cette série offre un portrait poétique et poignant des Matagi, chasseurs montagnards traditionnels du nord du Japon, dans la région de Tohoku, dont l’identité culturelle est aujourd’hui menacée d’extinction.

Kimura n’a pas seulement accompagné un groupe de Matagi à travers des contrées reculées et enneigées à la recherche d’ours noirs ; il a également immortalisé le mode de vie de cette tribu indigène. Jadis autosuffisants, les Matagi vivaient dans le plus profond respect de la terre et de ses animaux. Jusque dans les années 1960, ils survivaient sans dépendre de l’argent, perpétuant des pratiques ancrées dans un animisme et un savoir écologique séculaires. Mais avec la croissance économique rapide du Japon dans les années 1970, nombre d’entre eux ont quitté les forêts pour la vie citadine moderne. Aujourd’hui, les Matagi vivent en marge de la société, leurs coutumes et leurs récits risquant de disparaître.

À travers les photographies de Kimura, cette série reconstitue le monde en voie de disparition des Matagi, non pas comme une légende, mais comme une mémoire vivante.

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Dates	du 6 septembre au 9 novembre 2025
Titre de l’exposition	#73 Origins – Hajime Kimura
Lieu	IBASHO Gallery
Site	https://ibashogallery.com/

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#72 As the twig is bent, so grows the tree Norio Takasugi | IBASHO 👁

Efeu 15-11G, 2017
Unique object with 48 gelatin silver prints
76.1 x 61.1 x 7 cm
© Norio Takasugi, Courtesy IBASHO Gallery

#72 As the twig is bent, so grows the tree – Norio Takasugi

IBASHO est fier de présenter « Comme on plie la brindille, ainsi grandit l’arbre », une exposition rétrospective de l’artiste japonais Norio Takasugi.

S’inspirant du proverbe d’Alexander Pope sur l’influence formatrice, Norio Takasugi explore comment les conditions et les influences façonnent l’expression artistique. Son processus créatif, à la fois intuitif et exploratoire, est une tentative de retracer les origines de l’impulsion et de comprendre la « pliure de la brindille » qui guide son parcours artistique.

Né en 1973 à Shizuoka, au Japon, dans une famille propriétaire d’un studio de photographie, et installé à Berlin depuis 2004, Takasugi fait le lien entre artisanat, design et beaux-arts. Dès ses premières études en design et sculpture à l’Université des Beaux-Arts de Musashino, il n’a cessé d’examiner la tension entre production de masse et individualité. Ses premières sculptures animalières – oiseaux, grenouilles et tortues – étaient réalisées avec du papier de catalogue IKEA comme matériau de surface, transformant des formes sérielles en expressions uniques.

En 2014, Takasugi se tourne vers la photographie et commence à expérimenter les techniques argentiques. Dans sa série Ivy (2016-2017), Norio Takasugi transforme des feuilles de lierre photographiées en reliefs perforés. Suspendues à 6,5 à 8 cm de la surface, ces découpes, dont l’exposition varie, créent des images tridimensionnelles nuancées, évoquant des fleurs.

Un tournant s’opère avec ses œuvres à la feuille d’argent, où la photographie classique rencontre l’artisanat japonais. Utilisant la sérigraphie et les réactions au soufre sur feuille d’argent, Takasugi crée des images lumineuses de plantes et de paysages qui brouillent la frontière entre image et objet, reproduction et originalité. Les tons sépia et les bandes de contrôle intégrées à l’œuvre servent de repères esthétiques et techniques, soulignant le caractère artisanal de chaque pièce.

Des séries telles que Heritage Tree (2018), Johannistal/Adlershof (2018) et Garden (2019) attirent l’attention sur les détails souvent négligés de la flore, rendus dans une tension subtile entre documentation et abstraction. Dans Berlin Mountains (2020), les amas de sable se muent en paysages vertigineux, tandis que la série Pinecone Cap Mushroom (2022) magnifie de minuscules phénomènes naturels en portraits monumentaux.

Sa plus récente série Fuji (2024) revisite la montagne emblématique du Japon à travers un regard personnel, depuis sa ville natale. Photographiée dans des lieux du quotidien – ruelles, toits et quartiers résidentiels –, la montagne devient à la fois symbole lointain et souvenir intime, reconnectant l’artiste à ses origines.

Tout au long de son œuvre, Takasugi médite sur ce que Walter Benjamin appelait l’« aura » d’une œuvre d’art : sa présence unique dans le temps et l’espace. Il nous invite à reconsidérer le fait main et le reproductible, l’intime et le monumental, ainsi que les liens étroits qui unissent perception, mémoire et matière.

Le premier livre d’artiste de Takasugi, « As the twig is bent, so grows the tree », publié par IBASHO & the(M) éditions, sera lancé à l’occasion de l’ouverture de l’exposition.

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Dates	du 6 septembre au 9 novembre 2025
Titre de l’exposition	As the twig is bent, so grows the tree
Lieu	IBASHO Gallery
Site	https://ibashogallery.com/

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Miki Fukumoto “Wadatsumi — God of the Sea” | Zen Foto Gallery 👁

Miki Fukumoto “Wadatsumi — God of the Sea”
© Miki Fukumoto, Courtesy Zen Foto Gallery

Le samedi 20 septembre, Miki Fukumoto et Mark Pearson, directeur de la galerie, animeront une rencontre-débat.

«Après la publication de *À Paris*, mon livre de photos sur Paris, en 2010, j’ai décidé de photographier le Japon. Je me suis demandé comment aborder le sujet à ma manière, car tant d’autres avaient déjà immortalisé le pays. Amoureux de la mer, j’ai parcouru les côtes, les ports et les ports de pêche. En photographiant ces derniers, j’ai ressenti une atmosphère particulière, comme une douce quiétude. Convaincu que c’était une caractéristique unique du Japon, j’ai entrepris de photographier ports et pêcheurs dans différentes régions.

Un jour, alors que je cherchais un titre pour toutes mes photos, le mot « Wadatsumi » m’est venu à l’esprit. Quelques années plus tard, lors d’une visite au port de pêche d’Atsumi Onsen, dans la préfecture de Yamagata, j’ai aperçu un bateau de pêche nommé Wadatsumi. Il s’agissait du bateau de M. Kasuya, le propriétaire de l’auberge où je logeais, lui-même pêcheur. Il m’a expliqué que Wadatsumi était le dieu de la tribu Azumi. Cette tribu était connue pour vivre au bord de la mer dans le Japon ancien. Par la suite, j’ai continué à rencontrer et à photographier des gens et des paysages magnifiques au cours de mes voyages, comme guidé par Wadatsumi.»
— Miki Fukumoto

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Dates	du 12 septembre au 1er novembre 2025
Titre de l’exposition	Miki Fukumoto “Wadatsumi — God of the Sea”
Lieu	Zen Photo Gallery
Site	https://zen-foto.jp/

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KIKUJI KAWADA – THE MAP / LES VISIONS DE L’INVISIBLE｜Les rencontres d’Arles 👁

En 1965, vingt ans après les bombardements atomiques d’Hiroshima et de Nagasaki, le photographe japonais Kikuji Kawada publie sa première série, The Map, une contemplation hautement métaphorique de la mémoire collective du Japon en temps de guerre. Cette œuvre a eu un grand impact sur le monde de la photographie et scelle la singularité de sa voix artistique. Depuis, Kawada n’a cessé de stimuler nos sens avec ses images originales et obsédantes.

Cette exposition est la déclinaison de celle présentée à KYOTOGRAPHIE en 2024 et rassemble quatre séries emblématiques de Kikuji Kawada : The Map ; The Last Cosmology, une méditation poétique qui capture la transition du Japon entre la période Shōwa et la fin du millénaire ; Los Caprichos, une série initiée durant la période de croissance économique du pays ; et Vortex, réunissant ses travaux les plus récents. Kikuji Kawada cherche à créer une « carte invisible », mettant en exergue la catharsis d’un monde moderne en constante évolution. Il utilise le médium photographique comme moyen d’aller et venir librement entre le temps et l’espace, à la recherche d’une vision globale de « ce temps, ce lieu ».

Commissaire - Sayaka Takahashi. Une exposition coproduite par SIGMA.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates	1 juillet - 29 septembre 2025
Titre de l'exposition	Transcendance
Lieu	Les Rencontres d'Arles - VAGUE
Site	https://www.rencontres-arles.com/

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DOGRA MAGRA＋PHANTASMAGORIA | AKIO NAGASAWA Gallery | Publishing 👁

Kou Inose, DOGRA MAGRA + PHANTASMAGORIA
© Kou Inose, Courtesy AKIO NAGASAWA Gallery | Publishing

Kou Inose a peu d’occasions d’exposer son travail, car il est réputé pour le soin méticuleux qu’il apporte à chaque tirage. Cette exposition met en avant ses œuvres emblématiques : DOGRA MAGRA + PHANTASMAGORIA.

Information sur l’artiste – Kou Inose

Né en 1960 à Saitama, Kou Inose a débuté sa carrière après avoir étudié la photographie sous la direction de Seiryu Inoue, alors qu’il était encore étudiant à l’Université des Arts d’Osaka. Bien qu’il ait de nombreux admirateurs fidèles, il présente rarement de nouvelles œuvres, car son approche extrêmement minutieuse se reflète dans chaque tirage, pouvant nécessiter jusqu’à un mois de travail intensif. Chargées d’une densité et d’une intensité remarquables, ses œuvres lui ont valu le Prix du Nouveau Photographe au Festival international de photographie de Higashikawa en 1993.

Ses livres de photographie incluent déjà-vu #11: Inose Kou (1993) et Inose Kou Visions of Japan (1998). Parmi ses expositions personnelles, on note Inose Kou Photo Exhibition à Space Kobo & Tomo en 2001. Il a également participé à l’exposition collective Lonely Planet à l’Art Tower Mito en 2004. Aujourd’hui, ses expositions comptent parmi les plus attendues.

Pour plus d’information, veuillez cliquer ici

Dates	du 13 février au 8 mars 2025
Titre de l’exposition	DOGRA MAGRA + PHANTASMAGORIA
Lieu	AKIO NAGASAWA Gallery \| Publishing
Site	https://www.akionagasawa.com/

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Touyama Yuhki – Scenes of Absence ｜ POETIC SCAPE 👁

© Yuhki Touyama, Courtesy IBASHO Gallery

Scenes of Absence (Nokosareta Fukei) est la première exposition solo de Yuhki Touyama à la galerie POETIC SCAPE à Tokyo.

Depuis Kyoukai-sen 13 (Line 13), Yuhki Touyama explore à travers ses photographies des thèmes tels que la vie et la mort, la perte, l’absence des êtres chers et l’invisible. Ces dernières années, son travail a suscité un intérêt croissant, notamment grâce à son exposition en duo avec Miyako Ishiuchi, Toushi Suru Madobe (Views through my window), présentée lors du KYOTOGRAPHIE International Photography Festival en 2023.

Scenes of Absence se compose de paysages photographiés par Touyama alors qu’elle s’occupait de sa grand-mère, ainsi que de clichés en noir et blanc capturés en imaginant le monde à travers les yeux de cette dernière. Touyama entretenait un lien très fort avec sa grand-mère, qu’elle visitait fréquemment dans son enfance. Elle la décrit comme une femme « bavarde, élégante, et surtout très compréhensive. Notre relation semblait plus proche et plus intime que ce qui est habituel entre une grand-mère et sa petite-fille. » (Scenes of Absence).

En septembre 2020, Touyama a pris en charge les soins à domicile de sa grand-mère, atteinte d’un cancer en phase terminale. Elle s’est investie pleinement dans cette tâche, cherchant à rendre l’amour et la bienveillance qu’elle avait reçus tout au long de sa vie. Cependant, avec le temps, elle a dû affronter les défis émotionnels et physiques liés à l’accompagnement de fin de vie. Elle confie que la photographie, pratiquée lors des rares moments de répit, lui a permis de se recentrer et de maintenir un certain équilibre.

Les photographies en noir et blanc, qui occupent une place centrale dans cette exposition, ont été prises environ un mois avant le décès de sa grand-mère. Cette série a été inspirée par une lecture du livre This Day de Robert Adams, à un moment où Touyama, submergée par la difficulté de son rôle d’aidante, avait ressenti le besoin de s’éloigner temporairement de chez elle. Admirative de la capacité d’Adams à donner un regard neuf au quotidien, elle a commencé à photographier les paysages à travers les fenêtres, une façon d’essayer de comprendre la perception du monde de sa grand-mère, qui ne pouvait plus quitter la maison en raison d’hallucinations. À travers cette approche, la photographie de Touyama est devenue un acte de soin et d’attention envers l’autre.

Historiquement, de nombreuses œuvres photographiques ont exploré la mort et l’absence. Scenes of Absence s’inscrit dans cette lignée, cherchant à établir un dialogue avec sa grand-mère disparue. Pourtant, celle-ci n’apparaît jamais dans les images. Les photographies en couleur capturent des scènes du quotidien que Touyama observait et immortalisait, tandis que les clichés en noir et blanc traduisent sa vision du monde. Ces œuvres révèlent un contraste poignant : malgré leur proximité, la personne qui prend soin et celle qui reçoit les soins vivent des réalités distinctes, séparées par des expériences et des perceptions différentes. L’exposition souligne également une prise de conscience implicite chez Touyama : le fait qu’elle ne pouvait pas diriger son objectif directement vers sa grand-mère. L’absence en devient d’autant plus tangible, dépassant le cadre intime de leur relation pour s’inscrire dans une réflexion plus vaste sur la condition humaine et la mémoire collective.

Yuhki Touyama
Née en 1983 à Chiba, Yuhki Touyama est diplômée du département de photographie de l’Université Tokyo Visual Arts en 2004. Son travail cherche à capturer l’invisible : la vie et la mort, le temps, les sensations et les idées. Consacrant de longues heures à l’impression en chambre noire, elle parvient à exprimer le passage du temps et la matérialité de l’air en trois dimensions.

Ses principales publications incluent Line 13 (Akaaka, 2008), Sasurai (abp, 2008), THE HINOKI Yuhki Touyama 2016–2017 (THE HINOKI, 2017) et Cho kokka shugi – hanmon suru seinen to nashonarizumu (Supranationalisme : Une jeunesse tourmentée et son nationalisme), un ouvrage de Takeshi Nakajima illustré par ses photographies (Chikumashobo, 2018).

Pour plus d’information, veuillez cliquer ici

Dates	du 11 janvier au 23 février 2025
Titre de l’exposition	Scenes of Absence
Lieu	POETIC SCAPE Gallery

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Yang Seung-Woo « TFW KOREA » | Zen Foto Gallery 👁

Yang Seung-Woo, TFW Korea
© Yang Seung-Woo, Courtesy Zen Foto Gallery

La galerie Zen Foto Gallery est heureuse de présenter l’exposition TFW Korea de Yang Seung-Woo, du vendredi 10 janvier au samedi 22 février 2025, à l’occasion de la sortie de son nouveau livre photo du même titre. Touché par le sentiment de stagnation et les difficultés que rencontrent les jeunes en Corée, notamment ceux qui visitent ses expositions, Yang a décidé de les photographier. Jusqu’alors, il n’avait pas eu l’occasion de capturer son pays natal depuis son œuvre fondatrice The Best Days. Il a recruté de jeunes Coréens souhaitant être photographiés et leur a demandé de choisir eux-mêmes les lieux de prise de vue. Au total, Yang a photographié plus de 50 personnes, et cette exposition présentera environ 20 tirages couleur issus de ces portraits.

En plus des portraits de ces jeunes, le livre photo, publié en septembre 2024, inclut également leurs pensées personnelles, rédigées par chaque sujet, ainsi qu’une postface de Yang Seung-Woo en anglais et en coréen.

« Cela faisait longtemps que je n’étais pas retourné dans ma ville natale en Corée du Sud quand j’ai entendu parler de cet accident bouleversant en 2023. Un week-end proche d’Halloween, une bousculade meurtrière a eu lieu à Itaewon, un quartier de Séoul prisé des jeunes. Je n’arrivais pas à croire que tant de personnes aient pu perdre la vie dans cet accident. C’est la deuxième fois qu’une tragédie de cette ampleur touche la jeunesse coréenne pendant que je me trouve dans le pays. J’étais aussi en Corée lors du naufrage du ferry Sewol.
Ces dernières décennies, la Corée du Sud est devenue une société de plus en plus compétitive, où l’évolution de la société se superpose à son héritage culturel et ethnique. En conséquence, le pays affiche le taux de suicide des jeunes le plus élevé parmi les pays développés, ainsi que le taux de natalité le plus bas au monde. Certains jeunes surnomment même leur pays Hell Joseon (L’enfer coréen), sur un ton mi-sérieux, mi-ironique.
J’ai soudain ressenti le besoin de rencontrer ces jeunes et de discuter avec eux.
La majorité de ceux qui apprécient mon travail et viennent à mes expositions en Corée sont des jeunes. Dans un pays où la réputation, les compétences et l’apparence définissent souvent la valeur d’une personne, un homme barbu, rasé de près, pas particulièrement beau, qui porte simplement un t-shirt et ne s’habille pas en fonction de son âge ne semble pas gêné d’être lui-même.
J’ai mené une vie ordinaire, sans accomplissements notables, et pourtant, me voilà devenu quelqu’un d’un peu reconnu.
C’est assez ironique que mon travail donne du courage aux jeunes. Certains pleurent en le découvrant.
J’ai eu envie de photographier ces gamins.
J’ai rencontré beaucoup de jeunes. Ils vivaient tous leur vie du mieux qu’ils pouvaient.
Quand je leur ai dit qu’on se retrouverait dans 10 ans, l’un d’eux m’a répondu : Si tu peux me reprendre en photo à ce moment-là, je ferai de mon mieux pour tenir ces 10 années. Cela m’a surpris, alors j’ai décidé de les revoir dans 5 ans.
Ces jeunes sur mes photos et moi avons pris rendez-vous dans cinq ans, alors je suis sûr qu’ils iront bien. Mais à ceux qui ne figurent pas sur ces clichés et qui se sentent perdus ou découragés en ce moment, j’aimerais dire ceci : apprenez à croire en ce que vous ne pouvez pas voir. Sans cela, il est impossible d’avancer. Et tant que vous ne renoncez pas à la vie, quelqu’un finira peut-être par croiser votre chemin, vous soutenir et vous dire que vous êtes exactement ce dont il avait besoin.
Si vous trouvez cela difficile à croire, dites-vous simplement ce que vous aimeriez entendre, et boostez-vous avec une confiance sans fondement. C’est une méthode qui m’a toujours réussi (hahaha). Je sais que je suis un peu moralisateur, mais si mon message peut atteindre quelqu’un, j’en serais ravi.
Concernant le titre, j’ai réfléchi à ce qui caractérise la Corée : les idoles, la chirurgie esthétique, les cosmétiques et la nourriture épicée. La seule chose qui me donnait un sentiment de familiarité, c’était la nourriture épicée.
En chinois (kanji en japonais, hanja en coréen), le caractère « 辛 » (shin en japonais / sin en coréen) signifie épicé, douloureux ou difficile. On dit souvent qu’en y ajoutant un trait, on obtient le caractère « 幸 » (shiawase en japonais), qui signifie bonheur. J’espère que chacun pourra trouver ce trait qui transforme la douleur en bonheur. C’est ce que je cherche aussi en moi. C’est pourquoi j’ai choisi le titre 辛朝鮮 (Shin Joseon).
Peu importe comment on lit « 辛 », que ce soit karai (épicé) ou tsurai (douloureux). On peut aussi l’interpréter comme nouveau (shin), puisque la prononciation est la même. Je laisse chacun libre de choisir sa propre lecture.
En Corée, on dit que les petits piments sont les plus forts, et au Japon, que le poivre du Japon est petit, mais a un goût piquant et persistant.
Je puise ma force dans les autres, alors j’essaie aussi de la transmettre.
Est-ce que j’essaie trop de paraître cool ? (lol) »
— Yang Seung-Woo

Pour plus d’information, veuillez cliquer ici

Dates	du vendredi 10 janvier au samedi 22 février 2025
Titre de l’exposition	Yang Seung-Woo « TFW KOREA »
Lieu	Zen Photo Gallery
Site	https://zen-foto.jp/

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Kyoko Kasuya “Diary of Eve’s Land” | MEM Gallery 👁

Kasuya Kyoko, Diary of Eve’s Land, 2023–2025, video (color, sound)
© Kyoko Kasuya, Courtesy MEM Gallery

Diary of Eve’s Land s’inspire d’une série d’entretiens vidéo réalisés par Kyoko Kasuya à Djeddah, en Arabie saoudite, en 2023. Grâce aux réseaux sociaux, elle a invité des femmes à participer au projet, réunissant ainsi cinq personnes aux parcours variés : une médecin, une psychologue, une étudiante en médecine, une professionnelle de l’informatique et une immigrée poursuivant des études dans une université en ligne. Sur fond de transformation sociétale majeure en Arabie saoudite, portée par l’initiative gouvernementale Vision 2030, l’œuvre capture des témoignages sincères et des scènes du quotidien de femmes naviguant entre les attentes sociales et leurs aspirations personnelles.

Kyoko Kasuya est une artiste visuelle et réalisatrice basée à Paris. Originaire du Japon, elle a étudié la littérature afro-américaine à l’université Aoyama Gakuin. Après une brève expérience en entreprise, elle s’est installée en France, où elle a obtenu un Master en arts plastiques à l’École des Beaux-Arts de Montpellier en 2013. Le séisme du Grand Est du Japon en 2011 et la catastrophe nucléaire de Fukushima Daiichi ont marqué un tournant dans sa pratique artistique. Encouragée par son père à rester en France, elle a commencé à produire des œuvres qui réexaminent son identité à travers le prisme de la société et de l’histoire. Son travail s’appuie fortement sur la recherche archivistique, notamment sur des journaux intimes et des écrits de personnes inconnues, remettant en question les récits historiques conventionnels et mettant en lumière l’importance des expériences partagées.

Kasuya a grandi en écoutant les récits de son grand-père sur la Seconde Guerre mondiale. Ce lien personnel l’a ensuite amenée à s’intéresser aux journaux de soldats étudiants comme Hachirō Sasaki et Tokumitsu Takushima, dont les écrits ont été rassemblés dans Listen to the Voices From the Sea (Kike Wadatsumi no Koe). Ces textes ont été à la base de ses films Listen to the Voices of the Sea (2019) et Silence Bleu (2022), projetés à Bruxelles et à Prague. Pendant la pandémie de COVID-19, Kasuya a rejoint The Crown Letter, un collectif international d’artistes femmes créant et partageant des œuvres autour des questions liées aux femmes. Son travail a également été présenté dans KG+ KYOTOGRAPHIE.

Pour plus d’information, veuillez cliquer ici

Dates	January 30 – February 16, 2025
Titre de l’exposition	Kyoko Kasuya “Diary of Eve’s Land”
Lieu	MEM GALLERY
Site	https://mem-inc.jp/

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#68 Visual poetry from Ishikawa – Yumiko Izu | IBASHO 👁

2020 utsuroi 115, 116, 117, 2020
Silver gelatin print
3 times 47.7 x 34.5 cm (image)
20 x 16 inch (paper)
Edition 2 of 10
© Yumiko Izu, Courtesy IBASHO Gallery

Visual Poetry from Ishikawa, une exposition solo de la photographe japonaise Yumiko Izu à la galerie IBASHO.

Née à Osaka, au Japon, Yumiko Izu a étudié à la Visual Arts School avant de s’installer en Californie pour poursuivre sa formation au Brooks Institute of Photography. En 1998, elle s’est installée à New York pour développer sa carrière, débutant dans la photographie éditoriale avant de se consacrer à la photographie artistique. Là, elle a maîtrisé l’art délicat de la photographie grand format, utilisant des caméras de 8×10 et 11×14 pouces, ainsi que le procédé intemporel d’impression au platine/palladium. Son travail explore le yin et le yang de la vie, en capturant les cycles éphémères des fleurs et des animaux.

Dans l’exposition Visual Poetry from Ishikawa, Yumiko Izu présente des œuvres de la série Utsuroi. En japonais, utsuroidésigne la transition graduelle et inévitable d’un état à un autre, suggérant que rien n’est permanent et que tout est éphémère. Izu a créé cette série entre le printemps et l’automne 2020, en réponse aux états intérieurs et extérieurs qu’elle a traversés au plus fort de la pandémie, alors qu’elle vivait dans le nord de l’État de New York.

La solitude l’a poussée à se tourner vers elle-même. Elle a trouvé du réconfort au bord d’un lac, observant les nénuphars éclore brièvement, se refermer sous un soleil ardent, puis disparaître lentement avec le froid de l’automne. Pourtant, sous le gel hivernal, leurs racines persistaient, attendant la chaleur du printemps pour renaître. Dans ce cycle silencieux, l’artiste a ressenti le flux de la vie et la résilience qu’elle porte en elle.

Portée par cette persistance discrète, Izu a commencé à collecter des fleurs et des feuilles de nénuphars pour capturer leur beauté fugace en chambre noire. En utilisant la technique du photogramme sans appareil photo, elle a placé ses sujets directement sur des films grand format d’environ 14 x 20 pouces, réalisant ses images à travers de multiples expositions avec différents types de lumière. Les lignes douces qui en résultent se fondent et se diffusent d’une manière unique, presque comme si elles avaient été tracées avec de la lumière.

Pour Yumiko, ce processus s’apparentait à une prière, une méditation. Les images finales reflètent la transformation de son cœur à travers cette série et la sérénité qu’elle y a trouvée. Elle poursuit aujourd’hui la série Utsuroi depuis Kanazawa, dans la préfecture d’Ishikawa, au Japon.

Pour plus d’information, veuillez cliquer ici

Dates	du 16 novembre 2024 au 12 janvier 2025
Titre de l’exposition	Visual Poetry from Ishikawa
Lieu	IBASHO Gallery
Site	https://ibashogallery.com/

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#67 Visual poetry from Ishikawa – Mika Horie | IBASHO 👁

voyage without a road, 2023
Cyanotype on handmade Japanese gampi paper
c 42 x 59.4 cm
Edition 1 of 10
© Mika Horie, Courtesy IBASHO Gallery

Visual Poetry from Ishikawa, une exposition solo de la photographe japonaise Mika Horie, accompagnée du lancement de son nouveau livre Air, Flowers and Colours, coédité par (M) éditions et IBASHO.

Mika Horie est une artiste japonaise qui crée des cyanotypes sur papier fait main. Elle vit et travaille dans une ferme de l’ère Meiji à Yamanaka Onsen, Kaga. Chaque printemps, elle récolte des branches de gampi pour fabriquer le papier qui servira de support à ses œuvres. Son travail s’inspire directement de la nature, intégrant des éléments tels que les arbres, l’eau et la lumière. Ancré dans son environnement, son art incarne l’esthétique du wabi-sabi, une philosophie qui célèbre la beauté de l’imperfection et de l’éphémère.

Son processus photographique, tout comme la fabrication de son papier, est lent et organique. Elle traite le papier avec des produits chimiques, l’expose au soleil avec des négatifs, puis le rince à l’eau de source avant de le laisser sécher naturellement au vent. En hiver, les jours pluvieux compliquent la création des papiers de gampi et des cyanotypes sous la lumière naturelle. Cette approche artistique exige patience et précision, chaque coup de pinceau ajoutant des lignes et des couleurs tout en évoquant des souvenirs personnels. Ce travail minutieux a progressivement ravivé des réminiscences de son enfance.

Au cours des trois années qui ont suivi la pandémie, Horie a échangé avec de nombreux visiteurs de son atelier au Japon sur l’incroyable vitalité de la couleur bleue sur Terre. Pendant cette période, elle a exploré l’intégration du Nihonga, une technique traditionnelle de peinture japonaise, en appliquant des pigments mélangés à du Nikawa (colle naturelle) sur ses cyanotypes. Cette expérimentation lui a permis d’exprimer les impressions durables des couleurs qu’elle capture à travers la photographie.

Pour son nouveau travail, Horie s’est plongée dans des traditions presque oubliées, telles que la confection de kimonos, la cérémonie du thé et même la chasse au canard. Fascinée par la beauté complexe des Obi et du processus de fabrication des kimonos, elle a rencontré des artisans spécialisés dans la filature de la soie et la confection des Obi. Pendant deux mois, elle a élevé des vers à soie afin de mieux comprendre les subtilités de la production de la soie. Parallèlement, elle a exploré le monde enchanteur des fleurs sauvages et des plantes locales à travers sa pratique hebdomadaire de la cérémonie du thé. Ses enseignants lui ont transmis une profonde sagesse zen en lui expliquant la signification et la beauté des décorations saisonnières dans la salle de thé. Ces échanges ont enrichi sa créativité et nourri son inspiration.

Tout au long de ce voyage, Mika Horie a plongé au cœur de la culture japonaise, découvrant des facettes méconnues de l’histoire de son île natale. Elle espère que son nouveau livre, Air, Flowers and Colours, offrira aux lecteurs un aperçu intime de son lien profond avec son identité et son héritage ancestral.

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Dates	du 16 novembre 2024 au 12 janvier 2025
Titre de l’exposition	Visual Poetry from Ishikawa
Lieu	IBASHO Gallery

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Ouroboros – Hiromi Tsuchida | AKIO NAGASAWA Gallery | Publishing 👁

Hiromi Tsuchida - Ouroboros 

©Hiromi Tsuchida, Courtesy AKIO NAGASAWA Gallery | Publishing

Artist Statement

En 1989, le monde était à un tournant.
La Guerre froide a pris fin, la guerre du Golfe a éclaté, le massacre de la place Tiananmen a eu lieu et, au Japon, l’ère de l’empereur Showa s’est achevée. Cette année-là a marqué la fin évidente de l’ordre mondial d’après-guerre.
Puis, en 1991, la « bulle » de l’économie japonaise a éclaté. Alors que je me trouvais à ce moment charnière de l’histoire, témoin de ces bouleversements, j’ai lancé deux projets distincts : “Industrial Archaeology” en 1991, puis en 1993, la série “Fake Scape”.

“Industrial Archaeology” se concentre sur les sites de production des industries clés de la période de forte croissance économique. Deux ans plus tard, “Fake Scape” est venu compléter cette réflexion à travers des portraits de magasins à l’architecture voyante et excentrique, apparus le long des routes nationales (principalement la Route 16) dans les banlieues des grandes villes. J’ai continué à photographier ces lieux jusqu’en 2005 environ.

En 2021, j’ai eu l’opportunité de présenter ces travaux dans une exposition solo intitulée “Ouroboros” à la Canon Gallery S (Shinagawa, Tokyo). En juxtaposant ces deux séries dans un même espace visuel, j’ai eu le sentiment, trente ans après leur lancement, d’être enfin en mesure d’exprimer les réflexions que j’élaborais depuis les années 1990 sur la situation incertaine du Japon à l’aube du XXIᵉ siècle. J’ai également réalisé que ces images restent, aujourd’hui encore, des documents pertinents pour comprendre l’état général de la nation.

En 2024, l’accélération des infrastructures numériques transforme profondément notre rapport à la production et à la consommation, rendant ces processus difficilement compréhensibles avec les concepts conventionnels. Il semble que nous continuions à dériver dans une situation en perpétuel changement. Je pense qu’il est essentiel d’examiner notre époque actuelle en nous replongeant dans ces années 1990.

— Hiromi Tsuchida

Information sur l’artiste

Né en 1939 à Fukui, Hiromi Tsuchida est diplômé de l’École d’ingénierie de l’Université de Fukui. Après avoir quitté son poste au siège de Pola Inc., il devient photographe indépendant. De 1971 à 1996, il enseigne à la Tokyo College of Photography, puis est professeur à l’Université des Arts d’Osaka de 2000 à 2013.

Depuis les années 1975, Tsuchida photographie les sites bombardés d’Hiroshima, un travail qu’il poursuit depuis cinq décennies. En parallèle, il documente les transformations du Japon au fil des années de forte croissance économique et de la bulle financière, en s’intéressant aux cultures locales, aux festivals et aux traditions populaires.

Parmi ses œuvres majeures figurent Autistic Space (1971, prix Taiyo), Hiroshima 1945-1978 (1978, prix Ina Nobuo), Hiroshima (1984, prix de la Société photographique du Japon) et Tsuchida Hiromi’s Nippon: Chronicling Japan (2008, prix Domon Ken). Ses livres de photographie incluent Zokushin (1976), Counting Grains of Sand (1990), Berlin (2011), Fukushima (2018) et Aging (2022).

Depuis 2011, il mène un projet documentaire au long cours sur Fukushima. Depuis 1999 et 2005, il effectue également des voyages à Berlin et Jérusalem afin d’examiner Hiroshima sous un angle comparatif. Sa série Aging, commencée en 1986, consiste en un autoportrait quotidien. Ce travail explore les thèmes du temps et du memento mori, interrogeant la continuité, la répétition et l’imperceptibilité des transformations progressives.

Les œuvres de Hiromi Tsuchida font partie des collections du MoMA (New York), du Centre Pompidou, de la National Gallery of Canada, de la Tate Modern, du Tokyo Photographic Art Museum (TOP), du Musée national d’Art moderne de Tokyo, ainsi que d’autres musées à travers le monde.

Pour plus d’information, veuillez cliquer ici

Dates	du 5 septembre au 5 octobre 2024
Titre de l’exposition	Ouroboros – Hiromi Tsuchida
Lieu	AKIO NAGASAWA Gallery \| Publishing
Site	https://www.akionagasawa.com/

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L’héritage de la photographie d’avant-garde à Nagoya, des années 1930 aux années 1950 | MEM Gallery 👁

Keiichiro Goto “Monument”
1948, Vintage gelatin silver print, 30.3×25.2cm
© Keiichiro Goto, Courtesy MEM Gallery

L’héritage de la photographie d’avant-garde à Nagoya, des années 1930 aux années 1950
Keiichiro Goto, Minoru Sakata, Minayoshi Takada, Tsugio Tajima, Yoshifumi Hattori, Kansuke Yamamoto

Dans les années 1930, l’expression photographique d’avant-garde a commencé à se développer à travers tout le pays, notamment au sein des clubs de photographie amateur dans les villes de province. Cette exposition met en lumière le travail des photographes clés du mouvement photographique d’avant-garde à Nagoya, en se concentrant sur leur production de l’avant-guerre au début de l’après-guerre.

En 1934, Minoru Sakata ouvre un magasin de matériel photographique à Nagoya, attirant un cercle d’artistes, dont le peintre Yoshio Shimozato, le poète Chiruu Yamanaka et les photographes Tsugio Tajima et Taizo Inagaki. Ensemble, ils fondent le collectif photographique d’avant-garde Nagoya Photo Gruppe. En 1937, Yamanaka collabore avec Shuzo Takiguchi pour organiser l’Exposition d’œuvres surréalistes étrangères, qui tourne à Tokyo, Osaka, Nagoya et Kyoto, marquant ainsi la première introduction majeure du surréalisme européen au Japon.

À cette époque, des magazines comme Photo Times et Cameraman publient des discussions sur la photographie d’avant-garde et le surréalisme, donnant naissance à de nouveaux mouvements photographiques. En 1937, le Groupe d’Imagerie d’Avant-Garde est fondé à Osaka par des membres du Naniwa Photography Club. La même année à Nagoya, des peintres et artistes d’avant-garde créent le Nagoya Avant-Garde Club, dont la division photographique devient en 1939 un groupe indépendant sous le nom de Nagoya Photo Avant-Garde. Parmi ses membres figurent Chiruu Yamanaka, Minoru Sakata, Yoshio Shimozato, Taizo Inagaki, Tsugio Tajima et Kansuke Yamamoto. Cependant, dans un contexte politique où l’expression avant-gardiste est réprimée au profit du photojournalisme, Nagoya Photo Avant-Garde est dissous dès novembre 1939. Sakata se tourne alors vers la photographie ethnographique axée sur le Mingei (l’art populaire japonais), tandis que Yamamoto poursuit son engagement envers l’avant-garde.

Après la guerre, Sakata ne reprend pas son activité photographique, mais en 1947, Yamamoto, Takada, Hattori et Goto fondent le groupe photographique d’avant-garde VIVI. Ce collectif marque une renaissance de la photographie d’avant-garde à Nagoya, alors que ses membres cherchent de nouvelles formes d’expression dans une société en pleine mutation.

Peu après la guerre, les photographes réalistes sociaux, menés par des figures comme Ken Domon et Ihei Kimura, gagnent en influence au Japon. Parallèlement, le mouvement allemand de la photographie subjective d’Otto Steinert est introduit dans le pays et trouve un écho dans les cercles photographiques japonais. Cette approche est soutenue par des figures comme Shuzo Takiguchi, qui contribuent à la création de la Fédération japonaise de photographie subjective. En 1956, la première Exposition internationale de photographie subjective se tient à Tokyo, avec parmi ses participants Keiichiro Goto et Kansuke Yamamoto. Toutefois, les mouvements du réalisme social et de la photographie subjective commencent à décliner à la fin des années 1950.

Cette exposition présente les œuvres de Minoru Sakata, Keiichiro Goto, Minayoshi Takada, Tsugio Tajima, Yoshifumi Hattori et Kansuke Yamamoto, retraçant le parcours de ces photographes de Nagoya à travers les bouleversements des périodes d’avant et d’après-guerre, dans leur quête d’une expression photographique singulière.

Pour plus d’information, veuillez cliquer ici

Dates	du 7 au 26 janvier 2025
Titre de l’exposition	L’héritage de la photographie d’avant-garde à Nagoya, des années 1930 aux années 1950 Keiichiro Goto, Minoru Sakata, Minayoshi Takada, Tsugio Tajima, Yoshifumi Hattori, Kansuke Yamamoto
Lieu	MEM Gallery

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Vanishing existence Photographies – Kosuke Okahara ｜Musée Cernuschi 👁

Le projet Vanishing Existence

Réalisée en 2007, la série Vanishing Existence explore le quotidien des villages de lépreux principalement localisés dans le sud de la Chine. Établis dans les années 1950, ces villages isolés ont pour fonction d’accueillir les personnes atteintes de la lèpre pour les placer en quarantaine et leur garantir un traitement. Sur les 1200 villages initialement créés, seulement 600 sont encore en activité au début des années 2000.

Ce projet photographique naît d’un constat, celui de la disparition progressive de ces villages en raison de l’âge avancé de leurs habitants. Or, puisque l’élimination complète de la lèpre progresse en Chine, il existe un risque que l’histoire de ces villages, et des personnes qui y ont vécu, disparaisse également. Les photographies de Kosuke Okahara cherchent ainsi à témoigner de ces existences mises à l’écart, sans pour autant s’attarder sur les séquelles physiques laissées par la maladie.

L’artiste voyage durant un mois et demi et visite plusieurs villages, accompagné d’un ami et d’un traducteur. Il choisit ensuite de publier ses photos d’abord sous la forme d’un livre dont la reliure traditionnelle est cousue à la main puis sous la forme d’un rouleau horizontal, reprenant ainsi les plus anciens supports d’écriture chinois, ancrant de cette façon son travail dans la tradition culturelle chinoise.

Des villages reculés

Les villages se trouvent dans des lieux difficiles d’accès, les éléments naturels tels que les rivières ou les montagnes faisant office de frontières entre les deux mondes.

En marge de la société, les villageois logent dans des habitations sans eau courante ni électricité et vivent principalement des récoltes qu’ils produisent eux-mêmes. Cet éloignement géographique entraîne également une mise à l’écart des circuits économiques, ne permettant qu’une vente limitée des produits agricoles.

Lors de ses différents séjours, Kosuke Okahara vit au cœur des villages, au plus proche de leurs habitants. Il y décrit une atmosphère tranquille, en partie due à la chaleur de l’été, où le temps s’écoule lentement. Il évoque également les soirées passées à discuter avec les villageois de leur histoire, mais également du monde extérieur.

Le village de Wuzhou

Le village de Wuzhou 梧州 se trouve sur une île située dans une rivière, accessible par bateau depuis la rive. L’arrivée du photographe constitue pour certains villageois leur première rencontre avec une personne venant d’un pays étranger à la Chine. Pour autant, les personnes dont il fait la connaissance se montrent accueillantes et ouvertes à la discussion.

En repartant de ce village, Kosuke Okahara est frappé par la distance symbolique qui sépare le village du reste de la société. Alors que lui ne met que cinq minutes pour traverser la rivière et retourner à la ville, il réalise que pour certains habitants qui ne l’ont pas traversée depuis des décennies, la distance est bien plus grande, presque infranchissable. Cette série de photographies témoigne de ces lieux hors du monde, figés dans une temporalité différente de la nôtre.

“La frontière qui les séparait de la société était bien plus large que la rivière”

Kosuke Okahara

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates	17 septembre - 8 décembre 2024
Titre de l'exposition	Vanishing existence Photographies de Kosuke Okahara
Lieu	Musée Cernuschi - Paris
Site	https://www.cernuschi.paris.fr/fr/expositions/vanishing-existence

Kosuke Okahara 岡原功祐, né en 1980 à Tokyo, débute sa carrière de photojournaliste en 2004, en alternant des reportages d’actualité avec des projets artistiques et documentaires plus personnels.

Son premier projet à long terme, intitulé Ibasyo 居場所 (« un espace où l’on peut exister, être soi-même ») et amorcé en 2004, documente la vie quotidienne de six jeunes filles japonaises souffrant d’automutilation. Il publie également en 2008 sa série Almost Paradise, qui suit les trajectoires des migrants colombiens depuis leur pays d’origine jusqu’aux Etats-Unis. Avec un œil profondément humaniste et sensible, l’artiste s’attache à dévoiler des situations complexes, parfois taboues, et à offrir aux sujets photographiés une forme de reconnaissance.

Son travail, ancré dans l’actualité, lutte contre l’amnésie collective en utilisant la photographie comme outil de mémoire. Il réalise notamment entre 2011 et 2015 une série de photos à Fukushima, véritables fragments documentaires témoignant des conséquences de la catastrophe. Pour Kosuke Okahara, la photographie est un moyen de « capturer l’existence » de ce qui se trouve en face de lui.

Site de l'artiste : cliquez ici

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Sakura River – Atsushi Fujiwara ｜ZEN FOTO GALLERY 👁

« Sakura River » est la deuxième exposition individuelle d'Atsushi Fujiwara à la galerie Zen Foto depuis son exposition « Poet Island » en 2015. L'exposition « Sakura River » présentera 18 photographies en couleur sélectionnées dans son livre de photos récemment publié sous le même titre. Pendant l'exposition, un talk aura lieu le samedi 28 septembre à partir de 16 heures, accueillant le critique de photographie Kenji Takazawa.

Au cours de l'été 2020, pendant la pandémie de coronavirus, j'ai séjourné dans un hôtel du nord de la région de Kanto. Il se trouvait juste à côté d'une rivière appelée Sakuragawa (littéralement, « Sakura River » , soit en français "rivière des cerisiers en fleurs").

“ Je n'ai jamais été au pays de Hitachi, mais j'ai entendu parler d'une rivière Sakura là-bas.” Extrait de la chanson nô « Sakuragawa » de Ki no Tsurayuki

Atsushi Fujiwara

« C'était une époque où le monde entier luttait contre la pandémie de coronavirus. Par hasard, Fujiwara séjournait près de la rivière Sakuragawa pour une longue période et il a décidé intuitivement de prendre des photos le long de la rivière. Un jour, il découvre que cet endroit a servi de décor à la pièce de théâtre nô « Sakuragawa ». Fujiwara, qui avait déjà établi un lien avec le monde du nô à travers son œuvre Semimaru, a utilisé cette coïncidence comme un indice pour concevoir le concept global de l'œuvre. La narration de la pièce de théâtre nô “Sakuragawa“ a sans aucun doute influencé le point de vue de Fujiwara lorsqu'il tenait l'appareil photo. [...] Ce monde, où le sacré et le profane coexistent, est aussi éphémère que la chute des fleurs de cerisier. C'est pourquoi il vaut la peine d'être photographié. C'est le regard de l'artiste sur l'impermanence qui rend Sakuragawa analogue au monde du nô ».

Kenji Takazawa, extrait de son essai « Along the River Flowing Between Reality and Fiction » (Le long de la rivière qui coule entre la réalité et la fiction)

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates	27 septembre - 19 octobre 2024
Titre de l'exposition	Sakura River - Atsushi Fujiwara
Lieu	ZEN FOTO GALLERY
Site	https://zen-foto.jp/en/

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#66 beyond what you see – Toshiya Watanabe ｜IBASHO 👁

Ibasho Gallery présente #66 beyond what you see - Toshiya Watanabe

Toshiya Watanabe est né à Fukushima, au Japon, en 1966. Pendant ses études de graphisme à l'université d'art de Tama en 1990, il a été choisi par le concours artistique PARCO au Japon comme l'un des 20 photographes les plus prometteurs. Actuellement, il partage son temps entre la direction artistique d'une agence de publicité et la photographie.
Dans sa série « Somewhere not Here », Watanabe explore les profondeurs de la conscience pour créer ses images magiques et réalistes. Le réalisme magique remet en question ce qui est représenté devant les yeux du spectateur et confère à chaque chose une signification plus profonde. Dans les photographies de Watanabe représentant des paysages réels, tels que la mer, la ville et la végétation, la réalité disparaît, ce qui donne le sentiment de « ne pas être ici, mais ailleurs ». L'instabilité et la beauté existent dans les images pour lesquelles Watanabe a utilisé un film infrarouge. La série « Somewhere not Here » utilise la société comme sujet, en se concentrant sur quelque chose qui apparaît et disparaît dans la vie de tous les jours.

Il poursuit son exploration du réalisme magique dans la série « Beyond what you see », qui est une continuation de « Somewhere not Here ». Comme l'écrivain japonais Haruki Murakami, Watanabe dépeint les sujets de ses photographies entre le monde mystique et le monde réel, créant ainsi un sentiment de confusion chez le spectateur. L'œuvre de Watanabe s'apparente également au concept japonais de « ma », un moment de silence ou de vide propice à la prise de conscience et à la contemplation. Son travail incite le spectateur à faire une pause, à réfléchir et à s'engager dans le monde qui nous entoure.
Les deux projets, « Somewhere not here » et « Beyond what you see » sont exposés à IBASHO. L'exposition célèbre également le lancement du nouveau livre de Watanabe « Beyond what you see » publié en 2024 par IBASHO en collaboration avec The(M)editions (Paris).

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates	4 septembre - 3 novembre 2024
Titre de l'exposition	#66 beyond what you see - Toshiya Watanabe
Lieu	IBASHO GALLERY
Site	https://ibashogallery.com

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“Tsunami Trees” – Naoya Hatakeyama ｜Taka Ishii Gallery 👁

Naoya Hatakeyama “Tsunami Trees”

La galerie Taka Ishii a le plaisir de présenter l'exposition personnelle de Naoya Hatakeyama « Tsunami Trees » du samedi 31 août au samedi 28 septembre. Les œuvres de Hatakeyama, qui se concentrent sur la relation entre la nature, les villes et la photographie, et qui livrent au spectateur un sentiment poétique riche, ont été acclamées dans le monde entier. Depuis qu'il a perdu la maison de ses parents et sa mère dans le tsunami de 2011 qui a suivi le grand tremblement de terre de l'est du Japon, Hatakeyama documente le paysage changeant de sa ville natale, Rikuzentakata. Dans cette exposition, sa première exposition solo à la galerie Taka Ishii depuis huit ans, 10 œuvres de « Tsunami Trees » et 30 œuvres de sa nouvelle série « Kochi » seront exposées.

« Tsunami Trees », sur lequel Hatakeyama travaille depuis 2018 et qui a abouti à un livre de photos en 2024, est un groupe d'œuvres documentant les arbres et les paysages laissés sur la côte pacifique qui conservent les traces du tsunami. En 2017, six ans après le grand tremblement de terre de l'est du Japon, Hatakeyama est tombé sur un noyer sur une rive en amont de la rivière Kesen, qui traverse sa ville natale de Rikuzentakata. L'arbre, que Hatakeyama appelle « la moitié d'un arbre », a un feuillage abondant sur sa moitié gauche, mais le tronc de la moitié droite a été endommagé par les objets du tsunami, empêchant l'eau et les nutriments d'atteindre les branches mortes. Poussé par l'envie de trouver des arbres similaires, Hatakeyama a voyagé dans la région de Tohoku avec l'aide de ses connaissances, et lorsqu'il a rencontré des arbres qui avaient été touchés par la catastrophe de différentes manières, il les a enregistrés avec son appareil photo grand format. Les « arbres du tsunami » photographiés nous ramènent à notre conscience de la relation entre les arbres et les hommes ; tantôt les arbres sont vénérés comme une présence inébranlable, tantôt ils sont abattus et utilisés de manière inconsidérée. Les digues et les autoroutes nouvellement construites autour des arbres isolés donnent également un aperçu du temps qui s'est écoulé depuis la catastrophe, évoquant nos souvenirs individuels.

Une autre série d'œuvres qui composent cette exposition est « Kochi », qui a été photographiée dans la préfecture de Kochi entre 2021 et 2022. Dans cette série, les photographies qui capturent les tours d'évacuation des tsunamis seront nouvellement présentées et exposées. À Kuroshio-cho, dans la préfecture de Kochi, on s'attend à ce qu'un tsunami provoqué par un tremblement de terre dans la fosse de Nankai atteigne 30 mètres de haut, soit deux fois la hauteur du tsunami massif qui a dévasté les zones côtières de la région de Tohoku en 2011. Des installations d'évacuation temporaires, appelées tours d'évacuation des tsunamis, ont été construites dans différentes parties de la préfecture. La composition typologique de la série « Kochi » de cette exposition met en évidence la façon dont les tours ont été intégrées dans l'environnement quotidien depuis le grand tremblement de terre de l'est du Japon. Les photographies de Hatakeyama les montrent s'élevant comme des sites de secours pour réduire autant que possible le nombre de victimes, tout en avertissant silencieusement du moment où le paysage environnant sera perdu face à la puissance écrasante. Cette série suscite une réflexion sur la manière dont nous traitons les phénomènes naturels et sur la possibilité que la science et la technologie qui en découlent définissent notre avenir.

Naoya Hatakeyama est né en 1958 à Rikuzentakata, dans la préfecture d'Iwate, au Japon. Il a étudié avec Kiyoji Otsuji à l'école d'art et de design de l'université de Tsukuba et a terminé ses études de troisième cycle dans la même université en 1984. Depuis lors, il s'est installé à Tokyo et a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives au Japon et à l'étranger. En 1997, il a remporté le 22e prix Kimura Ihei pour son livre de photos Lime Works (Synergy Geometry, 1996), qui dépeint des mines de calcaire, des usines de chaux et des cimenteries disséminées dans tout le Japon, et pour l'exposition « Maquettes » à la Gallery NW House. Hatakeyama a participé à la 49e Biennale de Venise en 2001 et a reçu le 42e Mainichi Art Prize. En 2012, il a reçu le prix d'encouragement à l'art du ministre de l'éducation, de la culture, des sports, des sciences et de la technologie pour son exposition solo à grande échelle « Natural Stories » (Musée d'art photographique de Tokyo), qui retrace sa carrière depuis ses premières œuvres jusqu'à Rikuzentakata, un portrait de sa ville natale après le grand tremblement de terre de l'est du Japon. Lors de la 13e exposition internationale d'architecture de la Biennale de Venise, il a reçu le Lion d'or pour sa participation au pavillon japonais. Il a notamment publié BLAST (Shogakukan, 2013), Kesengawa (Kawade Shobo Shinsha, 2012) et Rikuzentakata 2011-2014 (Kawade Shobo Shinsha, 2015). Ses œuvres font partie des collections de la Tate, Londres ; du Museum of Modern Art, New York ; du Metropolitan Museum of Art, New York ; du Museum of Fine Arts, Houston ; de la Maison européenne de la photographie, Paris ; de la Fondation suisse pour la photographie, Winterthur ; du National Museum of Modern Art, Tokyo ; du Tokyo Photographic Art Museum ; et du National Museum of Art, Osaka.

Pour plus d'information (en japonais seulement), veuillez cliquer ici

Dates	31 août – 28 septembre 2024
Titre de l'exposition	Naoya Hatakeyama “Tsunami Trees”
Lieu	Taka Ishii Gallery
Site	https://www.takaishiigallery.com/

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In Conversation: A Photographic Dialogue Between Japan and Korea ｜Christophe Guye Galerie 👁

In Conversation: A Photographic Dialogue Between Japan and Korea

Artistes : Jun Ahn, Bae Bien-U, Syoin Kajii, Rinko Kawauchi, Jung Lee, Yoshinori Mizutani, Hiroshi Sugimoto, Risaku Suzuki, A Mi Yoon, Ina Jang

Dans cette exposition, un dialogue captivant s'instaure entre neuf artistes japonais et coréens, tous réputés pour leur approche unique de la photographie. L'interaction entre ces artistes - Hiroshi Sugimoto, Risaku Suzuki, Rinko Kawauchi, Yoshinori Mizutani, Syoin Kajii du Japon, et Jung Lee, Jun Ahn, Ina Jang, A Mi Yoon de Corée - crée une riche tapisserie d'exploration visuelle et d'introspection. Leurs œuvres explorent collectivement les thèmes de l'identité, de la nature et de la perception, offrant un aperçu profond des expériences personnelles et universelles.

Hiroshi Sugimoto explore le passage du temps et la relation entre la nature et la perception humaine. La série « Diorama » de Sugimoto capture l'artifice des expositions des musées d'histoire naturelle, révélant la tension entre la réalité et la représentation. Ses œuvres montrent la nature et la représentation historique à la fois comme une toile de fond et comme un point focal pour explorer des thèmes existentiels.

Risaku Suzuki et Jung Lee s'intéressent tous deux au monde naturel, mais dans des perspectives différentes. La série « Water Mirror » de Suzuki reflète l'interaction sereine entre l'eau et la lumière, capturant la beauté subtile des surfaces réfléchissantes. L'intégration par Jung Lee de sculptures en néon dans des paysages naturels présente un contraste saisissant, soulignant la collision entre les éléments artificiels et organiques. Leurs œuvres créent un dialogue entre la tranquillité et le spectacle, invitant les spectateurs à considérer la tension entre les environnements naturels et construits.

Rinko Kawauchi et Ina Jang ont en commun de se concentrer sur l'aspect personnel et introspectif. La série « Ametsuchi » de Kawauchi, avec ses images contemplatives de brûlures rituelles et de cycles naturels, contraste avec les autoportraits surréalistes et les scénarios mis en scène de Jang. Alors que le travail de Kawauchi plonge le spectateur dans la beauté éphémère de la nature, les photographies de Jang créent un royaume fantastique où convergent l'identité personnelle et les thèmes existentiels. Leur interaction met en évidence l'exploration de mondes intérieurs et de récits personnels, l'introspection sereine de Kawauchi complétant l'autoreprésentation imaginative de Jang.

Yoshinori Mizutani et Jun Ahn explorent tous deux la relation entre l'environnement et le moi. La série « Tokyo Parrots » de Mizutani capture l'interaction vivante entre les éléments urbains et naturels, montrant la coexistence d'une faune vibrante dans le paysage urbain. Les autoportraits audacieux de Jun Ahn aux abords des gratte-ciel remettent en question les perceptions de la vulnérabilité et de la découverte de soi. La juxtaposition urbaine de Mizutani contraste avec les confrontations dramatiques d'Ahn avec la hauteur et la peur, créant un dialogue entre les environnements extérieurs et les expériences intérieures.

Syoin Kajii et A Mi Yoon abordent toutes deux les thèmes de l'introspection et de la transformation. Les paysages sereins de Kajii, influencés par la pratique du zen, évoquent un profond sentiment de contemplation spirituelle et de beauté naturelle. Le travail conceptuel d'A Mi Yoon s'intéresse à la transformation personnelle et à la profondeur émotionnelle, utilisant des compositions en couches pour révéler les complexités de l'identité. L'approche méditative de Kajii complète les explorations conceptuelles de Yoon, offrant une réflexion profonde sur la nature du soi et de l'existence.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates	29 août 2024 – 28 septembre 2024
Titre de l'exposition	In Conversation: A Photographic Dialogue Between Japan and Korea
Lieu	Christophe Guye Galerie

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Yuki Shimizu – Surfacing ｜PGI 👁

Depuis ses débuts en 2011, Yuki Shimizu utilise la photographie et l'écriture pour capturer des lieux dans des récits fictifs complexes qui intègrent le folklore et l'histoire locale. Elle utilise son appareil photo pour se confronter à des paysages incomplets dont la totalité reste inaccessible, tentant de capturer des fantômes fugaces qui n'apparaissent que momentanément. Bien que son approche lui donne l'impression d'avoir été laissée derrière le temps, Shimizu affirme que ses rencontres avec le passage incessant du temps lui servent également d'inspiration pour ses textes, qui relient les nombreux détails de ses photographies.

Dans Surfacing, Yuki Shimizu imagine des récits alternatifs et des histoires fictives dans des photographies érodées par la marée.

Le sujet de la série est Tateyama, une ville située au sud de la péninsule de Boso, dans la préfecture japonaise de Chiba. Shimizu a visité Tateyama lors de la rédaction de son recueil de nouvelles Hanazakari no isu (Shueisha, 2022) et a été fascinée par sa topographie unique. Au cours de ses recherches, elle a découvert des fragments de son histoire locale : des épaves de navires datant de la dynastie Qing, des vestiges de batailles de la Seconde Guerre mondiale et un pêcheur d'ormeaux qui a émigré aux États-Unis pendant l'ère Meiji et a été détenu de force dans un camp d'internement japonais pendant la guerre. Ici, dans cette ville rurale reliée au monde par la mer, Shimizu a eu le sentiment d'avoir trouvé « l'endroit idéal pour examiner les contours de l'histoire de l'humanité ».

Pour Surfacing, Shimizu a capturé des scènes et des paysages autour de Tateyama, liés par leurs caractéristiques topologiques et leur passé historique. Ensuite, après avoir dégradé ses négatifs avec de l'eau de mer (une technique qu'elle avait déjà utilisée dans sa série Half Dreaming Glass), elle a composé des histoires qui mélangent réalité et abstraction. Alors que la surface des photographies dégradées est obscurcie par des rayures, des cristaux et des traces de différentes couches, les scènes représentées dans ses images restent réelles. Ainsi, la technique de Shimizu est en phase avec son approche artistique, qui consiste à démêler l'histoire en tissant de nouvelles fictions, ce qui donne lieu à des paysages nouveaux, mais étrangement familiers.

Surfacing présentera une vingtaine de tirages chromogéniques créés par l'artiste à partir de négatifs altérés par de l'eau de mer, du sable et de la moisissure.

Surfacing

Un voyage de la périphérie vers les profondeurs du temps. Des récits alternatifs et des histoires fictives, racontés dans des photographies érodées par les marées. Autrefois, Okinoshima et Takanoshima étaient des îles séparées de la côte de Tateyama par une mince bande de mer. En 1703, puis en 1923, les tremblements de terre de Genroku et du Grand Kanto ont soulevé le fond marin. Le sable a continué à s'accumuler et a fini par relier les îles au continent. Aujourd'hui, Takanoshima a été artificiellement agrandie et est utilisée comme base aérienne de Tateyama par la Force maritime d'autodéfense du Japon. Okinoshima est un parc national administré par la préfecture de Chiba. On y accède par un sentier étroit et sablonneux qui longe l'arrière de la base aérienne. L'île inhabitée possède de riches bassins de marée formés par les fonds marins qui remontent à la surface, et ses plages sont toujours bondées de gens qui profitent de la vue. Okinoshima était un avant-poste défensif de la marine impériale japonaise. Il n'y a aucun signe de cette histoire, à l'exception des grottes restantes creusées dans les rochers. L'île et la mer qui l'entoure sont devenues un lieu de prédilection pour les photographes. La ville de Tateyama, située à l'extrémité sud de la péninsule de Boso, a servi de première ligne de défense du continent japonais de la fin de la période Edo jusqu'à la Seconde Guerre mondiale. C'est aussi un lieu de pêche riche où se rencontrent les courants Kuroshio et Oyashio, et un lieu d'échange avec des gens venus d'au-delà des mers.

S'inspirant de ces différents passés, Surfacing capture les paysages de Tateyama et dessine de nouvelles narrations dans des images cinématographiques corrodées par l'eau de mer.

Yuki Shimizu

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Dates	4 septembre - 19 octobre 2024
Titre de l'exposition	Yuki Shimizu - Surfacing
Lieu	PGI
Site	https://www.pgi.ac/en/

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TRANSCENDENCE｜Les rencontres d’Arles 👁

Artistes de l'exposition

Hosokura Mayumi, Iwane Ai, Okabe Momo, Suzuki Mayumi, Tonomura Hideka et Yoshida Tamaki.

Transcendance réunit les travaux de six photographes japonaises explorant les multiples langages de la photographie pour en faire un outil d'affirmation et de résilience : Hosokura Mayumi, Iwane Ai, Okabe Momo, Suzuki Mayumi, Tonomura Hideka et Yoshida Tamaki. Entre portraits intimes, paysages évocateurs et expérimentations poétiques, celles-ci retranscrivent par l’image leur expérience personnelle ou collective, et se font l’écho de la complexité et des évolutions de la société japonaise contemporaine.Inspirée de 10/10 Celebrating Contemporary Japanese Women Photographers, une exposition présentée en 2022 pour célébrer le dixième anniversaire de KYOTOGRAPHIE, Transcendance poursuit le récit de l’expérience de plusieurs de ces photographes dans un hommage à la puissance de la vulnérabilité, à la beauté de la diversité et à l'esprit inébranlable des femmes qui osent réécrire leur histoire et l’Histoire grâce au pouvoir de la photographie.

Commissaires : Lucille Reyboz et Nakanishi Yusuke.
Exposition coproduite par SIGMA et avec le soutien de Kering | Women In Motion.

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Dates	1 juillet - 29 septembre 2024
Titre de l'exposition	Transcendance
Lieu	Les Rencontres d'Arles - VAGUE
Site	https://www.rencontres-arles.com/

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I’m So Happy You Are Here｜Les rencontres d’Arles 👁

I'm so happy you are here

Japanese Women Photographers from the 1950s to Now

Hara Mikiko, Hiromix, Ishikawa Mao, Ishiuchi Miyako, Katayama Mari, Kawauchi Rinko, Komatsu Hiroko, Kon Michiko, Nagashima Yurie, Narahashi Asako, Ninagawa Mika, Nishimura Tamiko, Noguchi Rika, Nomura Sakiko, Okabe Momo, Okanoue Toshiko, Onodera Yuki, Sawada Tomoko, Shiga Lieko, Sugiura Kunié , Tawada Yuki, Tokiwa Toyoko, Ushioda Tokuko, Watanabe Hitomi, Yamazawa Eiko et Yanagi Miwa.

Quelle joie de vous voir [I’m So Happy You Are Here] offre une nouvelle perspective réjouissante sur la photographie japonaise : un complément et un contrepoint nécessaires aux narratifs et aux canons précédemment établis de l’histoire de la photographie japonaise, mais aussi de l’histoire de la photographie dans son ensemble. Ces dernières années, le monde de la photographie s’est attelé à combler les lacunes critiques de son historiographie, notamment en ce qui concerne le travail des femmes photographes. Ces nombreuses redécouvertes, dont celle-ci, attestent de la nature libératrice de l’autoreprésentation et de l’expression de soi – de l’importance de la photographie comme vecteur de récits et de partage de sa propre expérience.Cette exposition lève le voile sur un large éventail d’approches photographiques fondées sur le vécu et les points de vue des femmes japonaises sur le monde, l’histoire et la société dans lesquelles elles évoluent. Elle révèle le foisonnement de leur créativité par le biais de photographies, d’installations, de vidéos et de livres. Avec une attention particulière portée à la période allant des années 1950 à nos jours, Quelle joie de vous voir présente plus de vingt-cinq artistes de générations différentes. Certaines d’entre elles ont été reconnues ces dernières décennies pour leurs contributions essentielles à l’histoire du médium; d’autres ont développé une pratique d’une toute aussi grande importance sans toutefois être connues du grand public.Trois motifs majeurs émergent de cet ensemble d’œuvres historiques et contemporaines : des observations à la fois simples et profondes du quotidien; des perspectives critiques sur la société japonaise, notamment sur les rôles imposés aux femmes – qu’elles ont souvent réinterprétés ; et des expérimentations et extensions de la forme photographique. Réunies pour la première fois, ces œuvres apportent une multiplicité de regards sur le Japon et sur la photographie japonaise, et une réflexion plus vaste et plus nuancée sur les diverses contributions des Japonaises au médium.

Lesley A. Martin, Takeuchi Mariko et Pauline Vermare

Commissaires : Lesley A. Martin, Takeuchi Mariko et Pauline Vermare.
Exposition produite par Aperture en collaboration avec les Rencontres d’Arles.
Avec le soutien de Kering | Women In Motion 
et de la Fondation franco‑japonaise Sasakawa.

Publications : Femmes photographes japonaises, des années 1950 à nos jours, Éditions Textuel, 2024 ; I’m So Happy You Are Here: Japanese Women Photographers from the 1950s to Now, Aperture, 2024.

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Dates	1 juillet - 29 septembre 2024
Titre de l'exposition	I’m So Happy You Are HereJapanese Women Photographers from the 1950s to Now
Lieu	Les Rencontres d'Arles - Palais de l'Archevêché
Site	https://www.rencontres-arles.com/

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“Overflow”-Takuma Nakahira｜Taka Ishii Gallery 👁

Takuma Nakahira “Overflow”

Date: Aug 3 – Sep 14, 2024 [summer holidays: Aug 11 – 19, 2024]
Location: Taka Ishii Gallery Photography / Film

From August 3 to September 14, Taka Ishii Gallery Photography / Film is pleased to present “Overflow,” a solo exhibition of a photographer and a critic, Takuma Nakahira, who played an important role at a turning point in the Japanese photography history and continues to bring a major influence on contemporary photographic expression not only in Japan but also around the world. Marking Nakahira’s first exhibition at Taka Ishii Gallery, this show will focus on the early 1970s from Nakahira’s nearly 50-year career from the mid-1960s to the early 2010s. It is the time when he was more consciously presenting photographs of cities and urban architecture in color.

As if the city itself were a living organism, the city in broad daylight continues to grow day by day. This can be evidence that the city we live in is, at least on the surface, in good health and continuing its vigorous activities.

　However, in a corner of the city, there is a gaping hole. It is like a landing passage to the other side of the city. The wind blows up as I stand on the somewhat dark staircase to the ‘negative’. Where on earth would it lead to if I went down from here? A shudder at the trap and the expectation of an anti-world – a momentary illusion for those of us who are weary of the ‘healthy city’?

Takuma Nakahira, ‘Urban Shades’, Asahi Journal, 17 Nov 1972 (Vol. 14, No. 47)

From the beginning of his career as a photographer, Nakahira critically questioned the proliferation of the photographic medium itself in the consuming society. From the end of the 1960s until the publication of his first photo book “For a Language to Come” (1970), he published a number of black-and-white works with his radical expressions that negated the previous photographic aesthetics, mainly in the magazine media.

Characterized by ambiguous outlines caused by shaking and blurring, coarse grain, and tilted compositions, these works attracted attention as a new photographic expression and represented a major turning point in post-war Japanese photography. However, in the context of the stagnant anti-establishment and social reform movements that followed the 1970 revision of the Japan-US Security Treaty and the Osaka Expo, Nakahira wrote “Why an Illustrated Botanical Dictionary?” (1973) as he pondered how to create cracks in the seemingly slow and subdued society. In the essay, Nakahira dared to deny his own early work and began a further search for a new turn. “Overflow” in the exhibition and other works from the same period that capture the city can be seen as Nakahira’s answer to this question.

“Overflow” is an installation of 48 color photographs mounted directly on resin board, measuring 6 meters in width and 1.6 meters in height. It was presented in the exhibition “Fifteen Photographers Today” at the National Museum of Modern Art, Tokyo in 1974. The photographs, which include work published in magazines between 1969 and 1974, all take as their subject fragments of the city that lack wholeness, and are composed on the wall like a de-centered assemblage. Ivy crawling on the wall, manholes on the street, sharks in a water tank seen through glass, the inside of subway stations… the photographs tactilely direct the viewer’s eye towards the darkness, cracks, defects and foreign objects that lurk in the urban space inundated with information and things. In addition to “Overflow,” the exhibition will also include color photographs taken for “Urban Shades,” published in the January 1975 issue of Asahi Camera as an urbanist work, and black-and-white photographs of an underground yard that were published in Asahi Journal in 1973.

Takuma Nakahira was born in Tokyo in 1938 and passed away in 2015. In 1963, after graduating from the Spanish Department of the Tokyo University of Foreign Studies, he joined Gendai Hyoronsha in the same year and met the photographer Shomei Tomatsu through the general magazine “Contemporary Eye”. In the final issue of the serial project ‘I am a king’, composed and written by Tomatsu, Nakahira published his first photographs under the name “Akira Yuzuki”. In 1965 he left the company and began working as a photographer and critic. In 1968, he was involved in the compilation of the exhibition “A Century of Photography: A Historical Exhibition of Photographic Expression by the Japanese”, organized by the Japan Professional Photographers Society, and his photographs have been published in “Contemporary Eye”, “Asahi Journal”, “Asahi Graph” and other publications. He established a joint office with Daido Moriyama in 1966. In 1968, Nakahira launched “Provoke,” a coterie magazine of photographs, essays and poetry, with critic Koji Taki, poet Takahiko Okada and photographer Yutaka Takanashi (Daido Moriyama joined from Vol. 2, and the magazine ended with Vol. 3). Subtitled ‘Provocative Materials for Thoughts’, its manifesto was to present photographs that evoke new words and thoughts from fragments of reality. His work in the “Provoke” period was called “are, bure, boke (grainy, blurred, out of focus)” and was considered one of the most trendy photographic techniques, and was even adopted and consumed in advertising photography. Nakahira himself later recalled that the blurred and out-of-focus images were not a style, but he stated “just happened by chance,” and for him they were “much closer to the naked eye than an accurate image,” and were the result of his search for reality where “a photograph is just a trace of a life lived only once with its date”. In 1970, he received the 13th Japan Photo Critics Association Newcomer’s Award, and published a collection of his early black-and-white work, “For a Language to Come”. In 1971, he participated in the 7th Paris Biennale and presented “Circulation: Date, Place, Events,” an experimental installation in which he went to Paris, indiscriminately photographed every event he saw on the streets of Paris, and pasted them around the venue on the same day. In 1973, he sharply criticized his early work in the essay at the beginning of his critical collection “Why an Illustrated Botanical Dictionary?” Around this time, he burnt his negatives and prints, including major works he had published in the past, on the Zushi seaside. In 1974, he exhibited “Overflow” at the “Fifteen Photographers Today” exhibition. He then turned his attention to the cultural and regional boundaries of the South Island by publishing works photographed in Amami and Tokara, and began the series “Duel on Photography” in “Asahi Camera” magazine, featuring photographs by Kishin Shinoyama and text by Nakahira. He produced the conceptual work “Décalage” in Marseille, and also participated as a photographer in Kenji Nakagami’s series in the Japanese edition of “Playboy”, accompanying him on his travels in Europe and Asia. In 1977, when “Duel on Photography” was published as a book, he fell ill and lost much of his memory and cognitive functions. The following year, he and his wife and child traveled to Okinawa to recuperate, and it was during that trip that he realized that photography was his starting point. Since then, daily photography has become a routine and his photographic activities have continued unobtrusively. For a decade or so, from the end of the 1970s to the end of the 1980s, most of his photography was in black and white and he produced his prints at home with the help of friends. In 1983 he published “New Gaze”, his first photo book since his return to work. In 1989, he published “Adieu à X”, and the following year the book won the 2nd Society of Photography Award. After the 1990s, he moved to color photography and gradually established a distinctive style with vertical compositions. In 1997 he held his first solo exhibition of color works, “Everyday Life: The Present of Takuma Nakahira,” in which two works were shown as a pair; in 2002 he published “Hysteric Six NAKAHIRA Takuma”. In 2003, the first major retrospective exhibition, “Nakahira Takuma: Degree Zero – Yokohama” (Yokohama Museum of Art), was held, drawing renewed attention to his activities. In 2011, “Documentary” was published as solo exhibitions and photo book; in the same year, “Kirikae”, a solo exhibition with over 280 works, was held in Osaka; a book titled “Okinawa”, featuring photographs taken during his several visits to Okinawa between 2009 and 2011, was published posthumously in 2018; in 2024, his second retrospective at museum “Nakahira Takuma Burn – Overflow” was held at the National Museum of Modern Art, Tokyo.

Pour plus d'information (en japonais seulement), veuillez cliquer ici

Dates	3 août – 14 septembre 2024
Titre de l'exposition	Takuma Nakahira “Overflow”
Lieu	Taka Ishii Gallery
Site	https://www.takaishiigallery.com/

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Uraguchi Kusukazu – AMA｜Les rencontres d’Arles 👁

Depuis plus de trois mille ans, les ama, « femmes de la mer » japonaises, peuplent les rivages de l’archipel, plongeant en apnée à la recherche d’algues et d’ormeaux. La place à part qu’elles occupent dans l’imaginaire nippon, leur lien sensuel à l’eau, leur intrépidité et leur souveraineté ont, au fil des siècles, fasciné les poètes et les artistes. Le photographe japonais Uraguchi Kusukazu, originaire de Shima (préfecture de Mie), sur la côte du Pacifique, a consacré plus de trente années à documenter la vie des ama de sa région, sous ses aspects les plus divers : plongées en eaux profondes, récoltes près du rivage, portraits, scènes collectives sur la plage et dans l’amagoya – espace de repos exclusivement féminin –, relation quotidienne au shintoïsme, culminant en été au moment des fêtes matsuri (fêtes d’été). Ses photographies mettent en lumière les pratiques séculaires des ama tout en capturant leur énergie de chaque instant. Nourri par leur vitalité et la confiance qu’elles lui ont accordée, il a développé un langage visuel marqué par l’intensité et l’expressivité : noirs et blancs contrastés, décadrages, gestes saisis dans leur spontanéité ancrent les ama dans leur époque – les années 1970 et 1980 principalement – tout en rendant hommage à leur féminité puissante et assumée.Riche de plusieurs dizaines de milliers de photographies consacrées au sujet, l’archive de Uraguchi est restée inexplorée depuis son décès. Elle est au départ d’une exposition inédite, qui nous mène à la rencontre de femmes hors du commun dont l’interaction harmonieuse avec leur environnement constitue aujourd’hui une source d’inspiration. Cette redécouverte permet aussi d’aborder la photographie japonaise par le biais d’un des aspects essentiels de son histoire, celui de la pratique amateur dont Uraguchi, par son engagement dans divers réseaux de photo-clubs, fut un extraordinaire représentant.

Sonia Voss

Commissaire d'exposition : Sonia Voss.
Avec le soutien de la Fondation Franco-Japonaise Sasakawa.
Publication : Shima no Ama, Kusukazu Uraguchi, Atelier EXB, 2024

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Dates	1 juillet - 29 septembre 2024
Titre de l'exposition	Uraguchi Kusukazu - AMA
Lieu	Les Rencontres d'Arles - Abbaye de Montmajour
Site	https://www.rencontres-arles.com/

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FOCUS – photography?end? ｜Maui Arts & Cultural Center’s Schaefer International Gallery 👁

La Schaefer International Gallery du Maui Arts & Cultural Center présente l'exposition de groupe FOCUS, qui réunit sept photographes japonais contemporains sous le nom collectif de "photography?end ?"

Le groupe se compose de Yuji Hamada, Ken Kitano, Miki Nitadori, Yuki Onodera, Naruki Oshima, Risaku Suzuki et Kazuyoshi Usui. Leurs travaux respectifs portent sur la potentialité de la photographie à l'ère du numérique, qui évolue rapidement. Alors que la production d'images s'est largement dématérialisée à notre époque, les artistes considèrent la matérialité de la photographie et explorent la relation entre la conception, le thème et l'exposition de l'œuvre.

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Dates	15 juin - 7 août 2024
Titre de l'exposition	FOCUS
Lieu	La Schaefer International Gallery du Maui Arts & Cultural Center
Site	https://mauiarts.org/

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RÉPLIQUES – 11/03/11｜Les rencontres d’Arles 👁

Artistes présents dans l'exposition : Arai Takashi, Fujii Hikaru, Iwane Ai, Kanno Jun, Obara Kazuma, Ono Tadashi, Sasaoka Keiko, Shiga Lieko, Suzuki Mayumi.

DES PHOTOGRAPHES JAPONAISES ET JAPONAIS FACE AU CATACLYSME

Le 11 mars 2011, un séisme de magnitude 9 – l’un des plus forts jamais enregistrés – secoue la côte nord-est du Japon et la région du Tōhoku. Le fond du Pacifique se fracture sur plus de 500 km de long et 200 km de large, déclenchant un tsunami qui atteindra par endroits 30 m de haut et détruira tout sur son passage, jusqu’à une dizaine de kilomètres à l’intérieur des terres. Quatre explosions et trois fusions de cœur dans la centrale de Fukushima Daiichi entraînent un accident nucléaire qui provoque des rejets radioactifs dans l’air, la terre et la mer et dont on ne mesure toujours pas, treize ans plus tard, les effets réels sur les populations concernées. 19 765 personnes sont mortes et 2 553 ont été portées disparues.

Parce que c’était une catastrophe de l’ordre de l’impensable, les artistes japonaises et japonais se sont mobilisés rapidement pour exprimer à travers différents supports leur désarroi et leur sidération. Parmi eux, de nombreux photographes se sont rapidement rendus sur place, y sont revenus à plusieurs reprises durant toutes ces années écoulées afin de continuer à documenter les effets de la dévastation et de la contamination, les efforts de reconstruction ou de réhabilitation, mais aussi la discrimination due à la migration. Ces signes de résilience mais aussi, dans un second temps, de résistance, la scène photographique japonaise ne les avait pas affichés avec un tel engagement depuis les années Provoke. Il fallait, en quelque sorte, constituer une mémoire visuelle pour rendre compte à la fois du visible – la disparition d’êtres humains, l’effondrement ou la transformation du paysage –, mais aussi pouvoir révéler l’invisible – la radioactivité et ses conséquences.

Présentée pour la première fois à Arles, l’exposition collective Répliques – 11/03/11 propose de porter au regard du continent européen cette tragédie dont les répercussions sociétales et environnementales n’ont pas fini de hanter les Japonaises et Japonais. Comme des répliques sans fin.

Philippe Séclier et Marina Amada

Commissaires : Philippe Séclier et Marina Amada.
Avec le soutien de la Fondation Franco-Japonaise Sasakawa 
et du National Center for Art Research.
Publication : Répliques 11/03/11. 
Des photographes japonais face au cataclysme, Atelier EXB, 2024.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates	1 juillet - 29 septembre 2024
Titre de l'exposition	RÉPLIQUES – 11/03/11
Lieu	Les Rencontres d'Arles - Abbaye de Montmajour
Site	https://www.rencontres-arles.com/

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MIKI FUKUMOTO｜CIEL, Arles 👁

Arles - été 2024

Comme d'habitude beaucoup d'expositions de photographies à Arles. Miki Fukumoto propose une exposition de photographies originales de sa série CIEL, des photos surréalistes et fascinantes de poissons.

Exposition　”CIEL” - photographies de MIKI Fukumoto - du 1er juillet au 1er septembre 2024

Un jour, alors que je cuisinais du poisson, j'ai été fasciné par leur beauté et leurs traits.

Depuis, je continue de les prendre en photos et de les mettre en images sous diverses formes dans ma cuisine.

Dates	15 avril au 1er juin 2024
Titre de l'exposition	CIEL par Miki Fukumoto
Lieu	Pâtisserie-Chocolaterie Masaki Yamamoto - 37 Rue du 4 Septembre, 13200 Arles https://www.masakiyamamotoarles.com
Site	https://miki-fukumoto.com

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Intimate Puzzle, Maki ｜Zen Foto Gallery 📚

(extrait traduit du site de l'éditeur)

Les personnes que nous aimons le plus, restent souvent impossibles à comprendre. Dans son dernier livre, "Intimate Puzzle", le photographe français Maki s'intéresse à Masami, la femme avec laquelle il partage sa vie. À travers des photographies prises sur l'année 2012, nous voyons Masami dans diverses situations de la vie quotidienne : assise de l'autre côté de la table dans un restaurant, partageant un ascenseur, regardant son visage pendant qu'elle dort, chaque photo révélant (ou ajoutant) une autre facette de son être. Maki, habituellement adepte de l'analogique, a photographié l'ensemble de la série avec l'appareil photo de son téléphone portable. Peut-être en raison de l'omniprésence du téléphone portable dans la vie moderne, Maki a réussi à créer une série qui ne perd jamais sa fascination pour son sujet inépuisable.

"Expliquer en quelques mots la personne exceptionnelle qu’est Masami serait impossible et inutile puisque c’est ce qui, je l’espère, émane des pages de ce livre…".
- extrait de la postface de Maki (en français, anglais et japonais)

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Éditeur : Zen Foto Gallery

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Kikuji Kawada – Los Caprichos, Demon of Tomorrow｜PGI, Tokyo 👁

(extrait traduit du site de la galerie)

Kikuji Kawada (né en 1933) est l'un des photographes japonais les plus renommés. En 1956, il commence à travailler comme photographe pour le magazine Shūkan Shinchō, qui vient d'être fondé. Kawada entame une carrière qui durera plus de soixante ans et continue aujourd'hui encore à produire des séries acclamées par la critique. Son œuvre comprend de nombreux chefs-d'œuvre de l'histoire de la photographie, notamment "The Map" (1965), une série complexe et hautement métaphorique qui examine la mémoire collective d'après-guerre du Japon, et la série apocalyptique "The Last Cosmology", qui associe des phénomènes météorologiques cataclysmiques à des événements terrestres.

Kawada a commencé à travailler avec la photographie numérique à la fin des années 1990, produisant plusieurs corpus d'œuvres sur la ville moderne, en commençant par "Car Maniac" (1998) et en poursuivant avec "Invisible City" (2006), "2011-phenomena" (2012) et "Last Things" (2017). Ses œuvres font partie des collections de nombreux musées à travers le monde.

Inspiré par la série d'estampes de Francisco de Goya datant de la fin du XVIIIe siècle et critiquant la société espagnole, Kikuji Kawada a utilisé pour la première fois le titre "Los Caprichos" pour des photographies publiées dans un numéro de 1972 de Camera Mainichi et a poursuivi la série dans divers magazines photographiques japonais au cours des années suivantes. La première exposition de "Los Caprichos" a eu lieu à la Photo Gallery International (aujourd'hui PGI) à Tokyo en 1986. En 1998, la série a été incluse dans le livre de photos de Kawada "The Globe Theater", avec "The Last Cosmology" et "Car Maniac", les deux autres séries de sa Catastrophe Trilogy.

En 2017, Kawada a lancé un compte Instagram sur lequel il continue de publier ses photographies. Depuis 2018, il expose ses nouvelles œuvres dans le cadre de la série "Los Caprichos", de "Los Caprichos-Instagraphy-2017" en 2018 à "Los Caprichos - Near Far" en 2022, et maintenant "Los Caprichos - Demon of Tomorrow". Parallèlement à cette exposition au PGI, le Festival international de la photographie de Kyotographie 2024 présentera une exposition rétrospective retraçant le travail de Kawada depuis "The Map" en 1965 jusqu'à l'exposition "World's End" en 2010.

"Los Caprichos - Demon of Tomorrow" présente des instantanés urbains et des photographies de nuages et de la lune, sélectionnés parmi les œuvres Instagram de Kawada.

Depuis la publication de son premier livre "The Map" en 1965, Kawada est resté très perspicace face à l'évolution du climat social, ce qui se traduit par des œuvres qui capturent le sentiment de malaise et de suspense qui imprègne le monde après des événements tels que les attaques terroristes du 11 septembre, le tremblement de terre et le tsunami de 2011 dans l'est du Japon, ou la récente pandémie de Corona. Faisant écho au chef-d'œuvre de Goya "Le sommeil de la raison produit des monstres", "Demon of Tomorrow" de Kawada dépeint le monde à travers des motifs tels que les formes changeantes des nuages ou la lune qui brille dans l'obscurité des consciences engourdies. Les scènes filmées à travers la vitre d'une voiture, une technique qui apparaît dans de nombreuses séries de Kawada depuis "Car Maniac", hantent ici le spectateur avec encore plus d'acharnement.

Dans "Demon of Tomorrow", Kikuji Kawada utilise une fois de plus sa sensibilité unique pour découvrir la logique de notre époque, en traitant le temps et l'espace de son propre point de vue. Comment sa vision se synchronisera-t-elle avec le monde du public ?

L'exposition présente environ 40 tirages pigmentaires d'archives.

Los Caprichos , Demon of Tomorrow

Ma série "Caprichos" a dérivé à travers les synchronicités et les coïncidences à la recherche de nouvelles significations. Inachevée à jamais, son chaos se poursuit, enchaîné au démon de demain.

Les nuages, la lune, la ville sont mes compagnons incontournables. Lorsque Galileo Galilei a pointé son télescope vers le ciel nocturne de Florence, il était poussé par la curiosité de la science nouvelle et des souvenirs non découverts. Ce qui émerge maintenant, avec la lune trop proche et les nuages en mouvement, c'est l'ombre occasionnelle du démon.

Un après-midi, la lune dorée a recouvert le cercle du soleil. Les nuages se déchaînèrent et des souvenirs invisibles émergèrent de la ville voilée de bleu et de noir.

Kikuji Kawada

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates	15 avril au 1er juin 2024
Titre de l'exposition	Kikuji Kawada Los Caprichos, Demon of Tomorrow
Lieu	PGI
Site	https://www.pgi.ac/en/

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#64 Fleeting Moments – Naohiro Ninomiya ｜IBASHO 👁

Ibasho Gallery présente #64 Fleeting Moments - Naohiro Ninomiya

Ninomiya, né à Nagoya en 1969, a quitté le Japon pour s'installer à Strasbourg, en France, en 1988, afin de poursuivre son rêve de devenir artiste. Ce déménagement lui a permis non seulement d'explorer ses aspirations artistiques, mais aussi d'approfondir son appréciation de la culture et des philosophies de son pays d'origine. Des visites régulières au Japon, en particulier dans la région montagneuse de Gifu, sont une source d'inspiration pour ses photographies. C'est à Strasbourg que Ninomiya traduit ces expériences dans ses créations artistiques.

Dans les séries présentées, le lien profond entre Ninomiya et le Japon est indéniable. En outre, son œuvre est imprégnée de l'essence du wabi-sabi, qui célèbre la beauté de l'imperfection, de l'impermanence et de l'incomplétude.

La série « Katami » (2013) traite du caractère éphémère de la vie. Après le décès de sa mère, Ninomiya s'est lancé dans la création de photogrammes de ses kimonos en hommage à sa mémoire. Ces pièces éphémères reflètent de manière poignante la nature fragile de l'existence humaine.

Les eaux qui coulent dans les cascades de « Taki » (2010 - 2018) symbolisent le flux perpétuel et le passage du temps inhérents à la nature et à la vie.

L'eau est également l'habitat des carpes qui font l'objet de la série « Nokomi » (2017 - en cours), dans laquelle Ninomiya capture des carpes nageant en amont dans la même eau que celle utilisée pour fabriquer le papier washi sur lequel elles sont représentées. Les bords irréguliers des tirages soulignent non seulement la beauté trouvée dans l'imperfection, mais signifient également le mouvement constant au sein de l'eau et de l'univers en général.

La série en cours « Glanage », initiée en 2019, comprend de délicates vignettes en tons oro que Ninomiya rassemble, servant de gages de gratitude pour les moments fugaces de beauté rencontrés dans la vie de tous les jours.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates	16 mai - 4 août 2024
Titre de l'exposition	#64 Fleeting Moments - Naohiro Ninomiya
Lieu	IBASHO GALLERY
Site	https://ibashogallery.com

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Kenryou Gu “Dimensions Unseen”｜Yumiko Chiba Associates, Tokyo 👁

(extrait traduit du site de la galerie)

Yumiko Chiba Associates a le plaisir de présenter "Dimensions Unseen", une exposition personnelle de Kenryou Gu, né à Kyoto en 1994 et élevé à Shanghai. Il a étudié l'art contemporain et la photographie à l'université des arts de Kyoto et à l'école nationale supérieure des beaux-arts de photographie en France avant d'entamer sa carrière artistique. Il a commencé sa carrière en tant qu'artiste.

L'année dernière, Gu a attiré l'attention en tant qu'artiste prometteur avec son exposition solo "Gu Jianheng : Yin/Afterimage" au 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, dans le cadre de la série d'expositions "Aperto" du musée, qui présente principalement de jeunes artistes.

Gu a présenté des œuvres photographiques en utilisant une méthode qu'il appelle "tissage numérique", dans laquelle de multiples images photographiques sont décomposées pixel par pixel et combinées en les tissant ensemble par une manipulation à l'écran.
Dans cette nouvelle exposition personnelle, Gu présentera des œuvres basées sur des pierres qu'il a rencontrées lors d'une visite en Islande. Gu a envoyé les coordonnées des pierres à 16 amis de différentes parties du monde et leur a demandé de prendre des photos des pierres depuis leurs lieux respectifs. Les 16 images ont ensuite été assemblées au moyen d'un "tissage numérique".

L'exposition comprend ces images, ainsi que des photographies et des cartes des pierres prises par Gu. Les multiples fragments d'images, qui résultent de l'écart entre les coordonnées réelles de la terre sphérique et les coordonnées de la carte placée sur une surface plane, sont combinés sur un seul plan grâce au travail de "tissage numérique" de Gu sur les images. Il s'agit d'une exposition personnelle de nouvelles œuvres de Gu, qui tente d'élargir les possibilités d'expression photographique par la perception et la reconnaissance du monde à partir d'une seule pierre.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates	6 avril au 25 mai 2024
Titre de l'exposition	“Dimensions Unseen”
Lieu	Yumiko Chiba Associates
Site	http://ycassociates.co.jp

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Kanagawa Shingo, Prayer/Nagasaki｜MEM gallery, Tokyo 👁

(extrait du site de la galerie)

Les images présentées dans cette exposition tournent autour du parc de la paix de Nagasaki et de la statue commémorative de la paix qui se trouve en son centre. Historiquement, Nagasaki a abrité des communautés chrétiennes "cachées" tout au long de l'interdiction du christianisme par le shogunat Tokugawa, du début des années 1600 jusqu'au milieu du XIXe siècle. Les images de Kanagawa montrent des sujets couramment observés dans les environs, tels que des statues de la Vierge Marie et du Christ, des catholiques en train de prier devant des autels domestiques, ainsi que des individus, des bâtiments ou des lieux qui ont un lien quelconque avec la foi chrétienne. Parmi ces images, Kanagawa intercale des autoportraits.

En 2013, Kanagawa a été baptisé dans une église luthérienne à Shin-Okubo, Tokyo. À ce sujet, il déclare : "La foi n'est pas quelque chose que l'on peut facilement séparer en croyant ou en ne croyant pas ; la foi est une question d'essayer de croire ou de vouloir croire, ce qui signifie que ne pas croire est également inclus dans ce que cela signifie d'avoir la foi."

Indépendamment de cet aspect non croyant de sa foi, Kanagawa a décidé de se faire baptiser parce qu'il pensait que "la prière était bonne pour (lui)". Il explique : "J'ai senti que l'essence de la prière ne résidait pas dans la certitude de l'existence de Dieu à qui nous adressons nos pensées et nos paroles, mais j'ai senti que l'essence de la prière résidait dans l'acte même d'adresser nos pensées et nos paroles. Bien sûr, il serait exagéré de dire que cet acte seul fera naître l'objet de notre attention, mais la réalité de cette existence se manifeste avec le temps".

À la suggestion du sculpteur et critique Nodoka Odawara, Kanagawa a commencé en 2015 à visiter et à photographier Nagasaki. Odawara était la camarade de classe de Kanagawa à l'école supérieure de l'Université des arts de Tokyo et a effectué des recherches et rédigé des essais sur le contexte historique des sculptures de Nagasaki liées à la bombe atomique. Au début, l'appareil photo de Kanagawa s'est concentré sur des sujets représentant la culture chrétienne de Nagasaki en raison de sa foi, mais il a été de plus en plus attiré par la statue commémorative de la paix en tant qu'icône de la prière. Tout en critiquant le contexte historique des origines de la statue, Kanagawa est attiré par le vide du physique colossal et excessivement musclé de la statue et par sa nature hétérogène, qui découle de ses tentatives pour éviter l'adhésion à une religion particulière, et il déclare : "Personnellement, j'aime la statue". Il reconnaît également les problèmes liés à la masculinité, dans lesquels il est lui-même impliqué.

Alors que Nagasaki est souvent appelée "Nagasaki de la prière", dans cette exposition Prayer｜Nagasaki, Kanagawa utilise son propre corps et sa foi comme support, s'efforçant de créer une représentation photographique inédite de la ville.

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Dates	11 mai au 2 juin 2024
Titre de l'exposition	Prayer｜Nagasaki
Lieu	MEM Gallery
Site	https://mem-inc.jp

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Remembrance beyond images｜TOP MUSEUM 👁

(extrait du site du musée)

Quels types de "souvenirs" les gens se sont-ils efforcés de capturer par le biais de la photographie et de la vidéo ? Outre les instantanés et les documentaires dont l'objectif est d'enregistrer des événements et des faits sur place, des tentatives ont également été faites pour transmettre des souvenirs invisibles en suscitant les émotions et les sensations des spectateurs et en développant leur imagination au-delà des limites du temps et de l'espace. Tout en utilisant la caractéristique de la photographie/vidéo comme moyen de relier les souvenirs des autres ou les images gravées dans le temps avec les propres souvenirs du spectateur, les artistes abordent chacun leur travail et leur pratique de manières vraiment différentes.
Partant des propositions de SHINOYAMA Kishin dans Dueling Theories of Photography (1976) et aboutissant à des thèmes tels que le vieillissement de la société et l'intelligence artificielle (IA), cette exposition présente plus de 70 nouvelles œuvres de sept groupes de huit artistes de premier plan du Japon, du Viêt Nam et de Finlande, dont certains n'ont jamais été exposés au Japon.

Artistes exposants :
SHINOYAMA Kishin, YONEDA Tomoko, NGUYỄN Trinh Thi (Vietnam), ODAWARA Nodoka, MURAYAMA Goro [concept : IKEGAMI Takashi (science) + MURAYAMA Goro (art) , production : Alternative Machine + Qosmo], Marja PIRILÄ (Finlande) , Satoko Sai+ Tomoko Kurahara

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Dates	1er mars au 9 juin 2024
Titre de l'exposition	Remembrance beyond images
Lieu	Top Museum / Tokyo
Site	https://topmuseum.jp/e

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Upcycling Osaka, Patrick Rimond｜Kaïdo Gallery, Tokyo 👁

Deux photographes et deux galeries mettent en place un échange d’exposition entre la France et le Japon. Patrick Rimond expose à la Kaïdo Gallery à Tokyo en mai prochain et Koji Onaka viendra exposer en novembre à Auxerre à la galerie L’Escalier. Deux photographes qui partagent le goût de la photographie de rue mais de manières bien différentes.

L’exposition « Ucycling Osaka » présentera quatre séries de Patrick Rimond.

Patrick Rimond a vécu à Osaka 9 ans de 1996 à 2005 où il a produit la série de paysage "Empire Urbain". Il a réutilisé plusieurs fois ces images pour créer de nouvelles séries. En 2020, il déchire ses tirages et réalise des collages rehaussées de couleurs. C'est la série "Rupture". En 2022, il extrait les lignes de force des images de la série "Rupture" pour créer la série "Infra", qui évoque des plans d'architecte. En 2024, avec l'intelligence artificielle, Patrick Rimond projette les photographies de la série "Empire Urbain" dans de futurs potentiels.

Un talk entre Patrick Rimond, Koji Onaka et Sophie Cavaliero aura lieu le samedi 25 à 18h.

Biographie

Après un diplôme d’ingénieur obtenu à Paris, Patrick Rimond s’installe au Japon pour neuf années où il explore sa pratique photographique en produisant paysages et portraits. Il y expose, est commissaire de la galerie du Centre Culturel Flamand et travaille pour l'agence VU.

À son retour en Europe en 2006, il s'ouvre à des collaborations avec d’autres artistes et travaille le médium photographique. Collages numériques ou non, films périmés, utilisation de photographies empruntées et intelligence artificielle s'ajoutent à sa pratique. Sa photographie est à la croisée de recherches formelles, miroir de la psyché, et de questionnement sur la relation au monde et à l'invisible.

Il a participé à la création de deux projets d’artist-run gallery avec Plateforme (Paris 20e) et La Générale en manufacture (Sèvres). et a co-organisé le festival de post-photographie, la Biennale de l’Image Tangible à Paris. Dans ce champ photographique, il rejoint en 2019 la résidence Organoïde, Art et Sciences, initié par Fabrice Hyber et Olivier Schwartz à l’Institut Pasteur. En 2021, il ouvre L’Escalier, une galerie-atelier à Auxerre.

Il a publié cinq livres monographiques dont QASD 2019, Hudros 2016 (éd. Iki) et PORTRAITS 2009 (éd. Presses de l’ENSTA) et participé à plusieurs revues collectives. Son travail est régulièrement exposé - galerie Nadar, Tourcoing, galerie Sophie Leiser, Paris, Les Promenades Photographiques, Vendôme, MABA, Nogent-sur-Marne, galerie Lab Artyfact Paris, galerie Dufay-Bonnet , Paris, Musée d’Histoire de la Photographie, Cracovie, Plateforme, Paris, galerie KH15, Berlin, Kaïdo gallery, Tokyo...

Pour plus d'information sur le photographe Patrick Rimond, veuillez cliquer ici

Pour plus d'information sur l'exposition, veuillez cliquer ici

Dates	18 au 26 mai 2024
Titre de l'exposition	Upcycling Osaka
Lieu	Kaido Gallery
Site	https://kaidobooks.jimdofree.com/

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Ihei KIMURA — Living in Photography｜TOP MUSEUM 👁

Ihei Kimura — Living in Photography
50 Years after His Death

En commémoration du 50e anniversaire de sa mort, cette exposition présente le travail d'Ihei Kimura (1901-1974), un photographe qui a contribué de manière significative à l'histoire de la photographie japonaise. Kimura a été l'un des premiers à reconnaître le potentiel des nouveaux appareils compacts au format 35 mm pour l'expression photographique, appareils qui commençaient à peine à être utilisés dans les années 1920. Kimura a établi sa réputation en réalisant des portraits de personnalités littéraires et des instantanés de scènes quotidiennes dans les vieux quartiers de Tokyo, en utilisant ces appareils. Lors de la première exposition personnelle de Kimura, Portrait Photography of Literary Figures with the Leica Camera, qui s'est tenue en 1933, Kimura a établi son style unique en capturant les réactions spontanées de ses sujets, plutôt que de réaliser des portraits traditionnels. En 1936, il se rend pour la première fois à Okinawa et enregistre la vie quotidienne des habitants, capturant l'essence de la vie quotidienne. Cela a contribué à établir sa réputation de "maître de l'appareil photo Leica".

Photographe prolifique, Kimura a laissé derrière lui de nombreux chefs-d'œuvre capturant un large éventail de sujets. Il s'agit notamment de photos publicitaires et promotionnelles, de photos de kabuki et d'autres représentations théâtrales, d'œuvres réalisées avec des films couleur pendant son séjour en Europe, et d'une série de photos sur le thème des villages ruraux de la préfecture d'Akita. Sa grande curiosité et ses riches expériences sont à l'origine de son remarquable travail photographique et de sa profonde compréhension du matériel photographique et des matériaux photosensibilisés. Conscient de la fonction sociale de la photographie, qui consiste à transmettre des images de l'activité humaine par le biais des médias imprimés, il s'est positionné en tant que photojournaliste. Son expression photographique, qui se caractérise par une perspective particulière, est unique et continuera à vivre dans la mémoire de ceux qui la verront.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates	Mar. 16—May. 12, 2024
Titre de l'exposition	Ihei Kimura — Living in Photography 50 Years after His Death
Lieu	Top Museum / Tokyo
Site	https://topmuseum.jp/e

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Tokyo Whispers – Yoshinori Mizutani ｜Christophe Guye Galerie 👁

Yoshinori Mizutani – Tokyo Whispers

Christophe Guye Galerie a le plaisir d'annoncer la troisième exposition personnelle de Yoshinori Mizutani (*1987, Japon), intitulée « Tokyo Whispers ». L'exposition présente 15 œuvres issues de quatre séries différentes - 'Kawau', 'Sakura', 'Tokyo Parrots' et 'Yusurika' - et explore la manière dont l'artiste capture la nature dans l'environnement urbain avec son propre langage photographique. Ses photographies témoignent d'une compréhension innée de la manière dont les formes, les couleurs, les textures et la profondeur se traduisent sur le plan pictural. Il travaille avec un vocabulaire visuel qui a été bien établi par le travail de nombreux photographes contemporains. Le travail de Mizutani est un bon indicateur des tropes visuels et des styles photographiques qui prévalent parmi les jeunes photographes japonais.

Yoshinori Mizutani (*1987) vit et travaille à Tokyo. Mizutani est diplômé du Tokyo College of Photography depuis 2012. Il a remporté un certain nombre de prix prestigieux, notamment le Japan Photo Award en 2013, ainsi que le Foam Talent Call et le Lens Culture Emerging Talents Top 50 en 2014. Depuis 2012, il a exposé dans de nombreuses institutions internationales au Japon, en Chine, en Belgique, en Grande-Bretagne, en Italie et en Suisse, et a publié, entre autres, « Tokyo Parrots », « Colors », « Yusurika » et « Hanon ».

À propos de la série KAWAU :

Je m'intéresse de plus en plus aux oiseaux qui habitent Tokyo depuis que j'ai terminé ma précédente série « Tokyo Parrots ». KAWAU, terme japonais désignant le cormoran, constitue la deuxième partie de ma trilogie sur les oiseaux. À l'instar des perruches photographiées dans « Tokyo Parrots », le nombre de kawau a considérablement augmenté au cours de la dernière décennie et leur surpopulation cause désormais des problèmes à la vie humaine et à l'écosystème local dans plusieurs régions du pays. En dépit de leur impact négatif et de leur réputation, l'observation d'une grande volée d'oiseaux est époustouflante et, à travers mes photographies, je souhaite révéler leur existence, qui rend notre paysage urbain quotidien quelque peu surréaliste ». - Yoshinori Mizutani

À propos de la série SAKURA :

Les fleurs de cerisier sont si belles que je ne pense pas avoir passé autant de temps à regarder autre chose. Face à un arbre Sakura, mes yeux passent d'un pétale à l'autre, d'une fleur à l'autre, jusqu'à ce que je saisisse l'image dans son ensemble. Dans « Sakura », j'essaie de visualiser le mouvement de mes yeux observateurs et de cristalliser l'expérience visuelle de la méditation et de l'errance sur l'arbre en fleurs. En conséquence, les images montrent que la photographie ne capture pas seulement un moment spécifique, mais aussi le passage du temps ». - Yoshinori Mizutani

À propos de la série TOKYO PARROTS :

Mizutani a été ému et obsédé par la croissance inhabituelle de la population de perroquets vert lime à Tokyo. Ses photographies capturent les étranges paysages urbains et le sentiment étrange créé par la présence des perroquets.

À propos de sa rencontre avec les perroquets, Mizutani a déclaré : « Lorsque je les ai vus pour la première fois, j'ai eu peur - j'ai cru que j'allais être attaqué, comme dans “Les oiseaux” d'Hitchcock. '

Les perroquets de Tokyo sont évidents à certains égards. Il est concevable que nous les remarquions nous-mêmes si nous nous promenions dans les rues particulières de Tokyo où ils vivent. Mais il est certain que nous ne les verrions pas de la manière dont Yoshinori Mizutani nous les fait voir et vivre. Le photographe élève ce qui doit être un spectacle étrange en personne, pour nous offrir un spectacle différent, tout aussi étrange et d'une beauté irrésistible sous la forme de photographies. - Extrait de Tokyo Parrots, un essai sur Yoshinori par Jörg Colberg dans FOAM Talent 2014.

A propos de la série YUSURIKA :

Yusurika » est le nom d'un minuscule insecte japonais ressemblant à un moustique. Mizutani a décidé de baser une série de photographies sur ce petit insecte parce qu'il recherche constamment la nature dans l'environnement urbain où il vit. Il pense que cette attirance pour la nature est liée à son éducation et à la région rurale où il est né.

L'observation de la faune et de la flore me permet de reconnaître et de réfléchir aux attraits qu'elle offre. En jouant dans la nature, j'explore et je réfléchis à mon propre passé. C'est ce lien entre la mémoire et l'affinité authentique avec la faune que je souhaite exprimer à travers mon travail ». - Yoshinori Mizutani

Yusurika ne se résume pas à la seule petite bestiole. C'est l'hommage poétique de Mizutani à la nature.

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Dates	27 mars - 1er juin 2024
Titre de l'exposition	Yoshinori Mizutani – Tokyo Whispers
Lieu	Christophe Guye Galerie

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The Marrow of Ropes, Hajime KINOKO｜ AKIO NAGASAWA gallery AOYAMA 👁

La galerie Akio Nagasawa Aoyama a le plaisir de présenter The Marrow of Ropes, une exposition personnelle de Hajime Kinoko.
Hajime Kinoko, maître du Shibari, est un artiste de la corde qui élève le bondage au rang d'art. Outre sa performance consistant à "lier" des personnes, Kinoko crée également des installations uniques dans lesquelles il transforme des objets naturels (pierres, arbres, etc.), des bâtiments et des espaces par le biais du bondage. Son travail a été activement présenté dans le monde entier, y compris au Japon.
C'est une belle occasion pour découvrir le monde tissé par le bondage, une culture japonaise unique.

I tie people up. Why do I do this, and what is the purpose? Is it even necessary? I have been working with rope on a daily basis, and before I knew it, the rope had become like a natural extension of my hand. When wrapping people up in rope and at once giving them love, the tied-up person’s mind relaxes, while the rope at once binds us together. The act of tieing up has the reverse effect of loosening up. This transformation process is what bondage is all about. As a rope artist, I have been tieing up all kinds of objects, even spaces, by various techniques. I arrived at a point where I felt the desire to revisit the essence of bondage, and leave a tangible trace.

Hajime Kinoko

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates	8 au 30 mars 2024
Titre de l'exposition	*The Marrow of Ropes*
Lieu	AKIO NAGASAWA - AOYAMA
Site	https://www.akionagasawa.com/en/

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Tomoaki ISHIHARA, Saccade and Afterimage ｜MEM Gallery 👁

Tomoaki Ishihara crée des œuvres qui remettent en question le cadre des médias et la structure de la vision tout en franchissant les frontières de la photographie, de la peinture et de la sculpture. Ici, Ishihara présentera une installation vidéo basée sur l'hypothèse que l'"obscurité" peut être nécessaire pour une vision stable du monde, dérivée de la recherche sur les mouvements oculaires de "saccade" et l'image rémanente visuelle.

Les yeux bougent. Ils sont toujours en mouvement. Il ne s'agit pas de simples mouvements du corps, mais on dit que le globe oculaire tremble environ trois fois par seconde. Ce mouvement inconscient de l'œil est appelé "saccade". Malgré ces mouvements oculaires, le monde apparaît stable, sans aucune distinction. Il existe des explications scientifiques à ce phénomène, mais il est assez étrange que les humains n'aient pas le mal des transports dans leurs véhicules, car le monde devrait être constamment en mouvement instable.

Par ailleurs, j'ai entendu dire que le phénomène de "l'image rémanente" facilite les transitions fluides entre les images d'un film. En réalité, il y a une obscurité entre chaque image. Mais on dit que dans cette obscurité, le spectateur reste avec l'image rémanente de ce qu'il regardait l'instant d'avant. Ce phénomène d'image rémanente m'a été rappelé lorsque j'ai découvert le phénomène de la saccade. L'obscurité est peut-être nécessaire à la stabilité du monde.

Tomoaki Ishihara

Cette exposition est organisée dans le cadre des programmes de partenariat du festival international d'art et de visions alternatives de Yebisu 2024.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates	Du 1er au 29 février 2024
Titre de l'exposition	Tomoaki Ishihara ｜Saccade and Afterimage
Lieu	MEM Gallery Tokyo
Site	https://mem-inc.jp/

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The Sea of Oblivion｜Shinichiro Uchikura 📚

Nous sommes heureux de vous présenter la publication de la monographie de Shinichiro Uchikura, The Sea of Oblivion (Akaaka Art Publishing, Inc.), publiée en 2023. Shinichiro Uchikura est un photographe originaire de la ville de Nobeoka, dans la préfecture de Miyazaki. Après avoir étudié la photographie à Osaka, il a commencé sa carrière en présentant des clichés de rue et des autoportraits. Depuis qu'il a repris le studio photo de son père en 2009, il s'est installé dans la préfecture de Miyazaki, où il a réalisé diverses œuvres photographiques. Ses portraits, qui ont donné lieu à la monographie My Portrait (2020, Akaaka Art Publishing, Inc.), ont été récompensés et salués par de nombreux prix. Sa précédente œuvre, Collection, dans laquelle il a photographié divers objets abandonnés à Nobeoka, a remporté le 41e prix d'excellence Canon New Cosmos of Photography et a été sélectionnée pour le "Tokyo Photography Month 2022" organisé par la Japan Photographic Society et le Tokyo Metropolitan Museum of Photography.

Pour The Sea of Oblivion, Uchikura dit avoir été absorbé par une promenade en bord de mer, un appareil photo à la main, où de nombreux plastiques, objets de la vie quotidienne et débris inattendus s'étaient échoués. Recueillant les voix aphones des choses qui ont cessé d'exister, les images sont comme les derniers portraits de ces objets. En prenant une vue d'ensemble des traces de l'activité humaine, l'œuvre transcende le temps et évoque même un sentiment d'émerveillement.

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Voici le lien de la dernière exposition présentant la série du livre. Cliquez ici

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Le Japon en couleurs. Photographies du XIXe siècle｜MAD Paris 👁

À l’occasion d’une publication aux éditions Volonté d’art, le musée des Arts décoratifs présente à la bibliothèque, du 8 novembre 2023 au 28 janvier 2024, l’exposition « Le Japon en couleurs. Photographies du XIXe siècle ». 35 photographies inédites rehaussées de couleurs issues du fonds de photographies japonaises composé de plus de 800 épreuves, illustrent une vision pittoresque du Japon. Appartenant à la vogue des « Yokohama Shashin », ces images offrent une version théâtralisée et stéréotypée du pays du Soleil Levant.

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Dates	8 novembre 2023 au 28 janvier 2024
Titre de l'exposition	LE JAPON EN COULEURS. PHOTOGRAPHIES DU XIXe SIÈCLE
Lieu	MAD Paris
Site	https://madparis.fr/

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M/E ｜Rinko KAWAUCHI 👁

Pour la première fois depuis 2005, Rinko Kawauchi revient à Paris, avec une exposition pensée sur mesure pour Photo Days dans un lieu privé exceptionnel, la Fondazione Sozzani.

Rinko Kawauchi (née en 1972) est réputée pour la douceur et la luminosité de ses photographies couleurs qui révèlent, depuis ses premières œuvres, le mystère, l'éclat, la fragilité et la force de la vie sous toutes ses formes. Son regard se pose aussi bien sur les êtres délicats de son environnement immédiat, qu'il s'agisse de la flore, de la faune ou des membres de sa famille, que sur les grandes forces de la nature que constituent les volcans et les glaciers formés au cours de longues périodes temporelles. La sensibilité unique de sa photographie révèle les liens entre ces sujets, qui brillent tous d'un même éclat vital.

L’exposition imaginée ici par Rinko Kawauchi est constituée d’une installation spectaculaire qui occupe la hauteur sous plafond de cet ancien bâtiment industriel, d’une vidéo, et d’un ensemble de photographies sélectionné à partir de ses dernières séries, M/E, An Interlinking et Illuminance.

Avec le soutien de Dance Reflections by Van Cleef & Arpels

Née en 1972, Rinko Kawauchi vit et travaille au Japon.
Représentée par la galerie Priska Pasquer Paris

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Dates	7 au 21 novembre 2023
Titre de l'exposition	M/E
Lieu	Fondazione Sozzani
Site	www.fondazionesozzani.org

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Revolution 9: Homma Takashi｜TOP MUSEUM 👁

Takashi Homma(né à Tokyo en 1962) a reçu le 24e prix Kimura Ihei pour son livre de photos Tokyo Suburbia (publié par Korinsha) en 1999. L'ouvrage a été très apprécié pour la manière dont Homma maintenait une certaine distance par rapport à ses sujets - des personnes et des paysages de la banlieue de Tokyo en cours de développement - et une perspective dépourvue de lyrisme.

En 2011 et 2012, Homma a organisé une exposition solo de grande envergure intitulée New Documentary, qui a été présentée dans trois musées au Japon. L'exposition comprenait à la fois des œuvres anciennes et nouvelles, offrant une vue d'ensemble des photographies et des vidéos de l'artiste. Elle comprenait ses premiers travaux pour des publications telles que le magazine culturel i-D, Tokyo and My Daughter, une œuvre qui se concentre sur des scènes de Tokyo et une jeune fille qui grandit dans cette ville en constante évolution, ainsi qu'une œuvre vidéo basée sur le photographe Nakahira Takuma.

Cette exposition, la première exposition individuelle de Homma dans un musée japonais depuis une dizaine d'années, se concentre sur des séries telles que The Narcissistic City, que l'artiste a décrite comme une tentative "d'utiliser la ville pour filmer la ville" en photographiant des villes du monde entier en utilisant des pièces comme s'il s'agissait d'appareils photo à sténopé. La lumière qui pénètre par un petit trou ouvert sur l'extérieur capture spontanément des paysages urbains inversés à l'intérieur de la pièce plongée dans le noir.

L'improvisation est l'un des mots clés de l'exposition. Homma s'intéresse actuellement à l'incorporation du hasard dans ses œuvres et ses expositions, et le titre anglais de cette exposition est "Improvisation".

Organisé par Tokyo Metropolitan Government, Tokyo Photographic Art Museum et mis en oeuvre par Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture

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Dates	6 octobre 2023 au 21 janvier 2024
Titre de l'exposition	Revolution 9: Homma Takashi
Lieu	Top Museum / Tokyo
Site	https://topmuseum.jp/e

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Keiichi Tahara – Torse, 1987-1995｜VLC by AKIO NAGASAWA 👁

La galerie VLC by AKIO NAGASAWA présente une exposition des photographies de Keiichi Tahara intitulée Keiichi Tahara "Torse, 1987-1995"

Né à Kyoto en 1951, Keiichi Tahara s'installe en France en 1971.
Il commence sa carrière de photographe, captivé par la lumière perçante de l'Europe, comparée à la lumière douce du Japon.
En 1977, à l'âge de 26 ans, il remporte le Grand Prix du Festival international d'Arles pour sa série Fenêtre, 1973-1981 qui le propulse sur le devant de la scène internationale.
Installé à Paris jusqu'en 2006, Tahara a travaillé sur des projets pour le gouvernement français dans un large éventail de genres tels que la photographie, la sculpture, l'installation et l'architecture sous le thème de la "lumière". Il a organisé de nombreuses expositions au Japon et en Europe.
Il a reçu de nombreux prix, dont le Kimura Ihei Photography Award, le Prix Nicéphore Nièpce, Chevalier des Arts et des Lettres de France, et le Grand Prix de la Ville de Paris.

Ses principales publications comprennent Architecture de Fin de Siècle (Kodansha), Architecture de Fin de Siècle (Taschen America LIC), L'Opéra de Paris (Bunkensha), et Light-Sculpture-Photography (ASSOULINE/MEP), etc. Tout en produisant ses propres œuvres, il a également participé à divers projets en tant que premier consultant japonais en stratégie de marque pour des maisons internationales telles que Cartier et Dom Pérignon. En 2017, il a organisé la première exposition à grande échelle au monde à la Galerie nationale de Prague.

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Dates	7 septembre au 22 décembre 2023
Titre de l'exposition	Keiichi Tahara - "Torse, 1987-1995"
Lieu	VLC Gallery by AKIO NAGASAWA
Site	https://vlcgallery.com/en

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Leap Before You Look ｜TOP MUSEUM 👁

Depuis 2002, le musée d'art photographique de Tokyo organise une exposition annuelle de photographie japonaise contemporaine afin de soutenir les esprits créatifs qui repoussent les limites de la photographie et du cinéma, de découvrir des artistes prometteurs et de présenter de nouveaux projets créatifs. Le vingtième volume de cette année présente cinq artistes et explore leur volonté de vivre en des temps incertains.
Depuis l'aube du XXIe siècle, nos vies ont été bouleversées par une série d'événements majeurs, à commencer par les attaques terroristes aux États-Unis, le tremblement de terre du Grand Est du Japon, la pandémie COVID-19 et l'invasion de l'Ukraine par la Russie. L'incertitude quant à l'avenir peut alimenter l'anxiété, la confusion et l'hésitation à essayer de nouvelles choses. Nous craignons de commettre des erreurs, nous reculons devant les défis et nous nous retrouvons dans une “solitude ten thousand fathoms deep” (W.H. Auden). Comment pouvons-nous nous libérer de cette tension spirituelle ?

Cette exposition présente cinq artistes qui sont confrontés à cette solitude profonde et dont les approches uniques de l'art photographique reflètent leurs motivations à vivre. Même lorsqu'ils sont plongés dans la solitude, leurs œuvres recherchent la connexion avec les autres, nous aident à nous libérer de l'entêtement et nous rappellent les choses qui enrichissent notre vie.
“Leap before you look” (qui pourrait se traduire par "Sauter avant de regarder") a toujours fait partie de la façon dont nous menons notre vie.

Artistes exposés
Utsu Yumiko -
Fuchikami Yuta
Hoshi Haruto
Mumuko
Yamagami Shimpei

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Dates	27 octobre 2023 au 21 janvier 2024
Titre de l'exposition	Leap before you look
Lieu	Top Museum / Tokyo
Site	https://topmuseum.jp/e

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Le Japon en couleurs. Photographies du XIXe siècle｜MAD Paris 👁

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Dates	8 novembre 2023 au 28 janvier 2024
Titre de l'exposition	LE JAPON EN COULEURS. PHOTOGRAPHIES DU XIXe SIÈCLE
Lieu	MAD Paris
Site	https://madparis.fr/

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Hiromi Kakimoto « Starboy » ｜The Third gallery Aya 👁

La galerie The Third Gallery Aya présente la nouvelle série de Hiromi Kakimoto, Star Boy : Night of the Flood.

Pour créer cette série photographique, Hiromi Kakimoto a été inspirée après avoir vu des photos de son père décédé dans un vieil album de famille. Cela l'a amenée à réfléchir à la relation entre la photographie et la mémoire, ainsi qu'à la nature des médias, tout en s'inspirant d'anecdotes que son père lui a racontées de son vivant.

Hiromi Kakimoto a fait ses débuts avec Returning Memory, dans lequel elle a exploré ses propres souvenirs en photographiant sa jeune sœur. Dans Little World, elle a évoqué un monde idéal dans l'imagination des jeunes filles, et dans sa série emblématique The Time of the Cocoon, elle a convoqué des images du subconscient issues des souvenirs et des rêves des jeunes filles. Au cours de résidences en Suisse et en Suède, elle s'est intéressée au processus de construction de nouveaux récits à partir de souvenirs ambigus, et a continué à reconstruire photographiquement des souvenirs occupant une zone intermédiaire entre le réel et l'irréel et des traditions transmises de génération en génération.

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Dates	13 octobre au 4 novembre 2023
Titre de l'exposition	Starboy
Lieu	The Third Gallery Aya
Site	https://thethirdgalleryaya.com/en/exhibitions/star-boy/

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Warp and Woof, Hiroyuki Takenouchi ｜PGI – gallery 👁

Le photographe japonais Hiroyuki Takenouchi (né en 1982 à Tokyo) a commencé sa carrière après avoir obtenu son diplôme de l'Institut supérieur de photographie de l'Université des arts de Nihon en 2008. Il a reçu une mention honorable au New Cosmos of Photography Awards en 2008 et le Special Award au Shiogama Photo Festival en 2009. Il a notamment exposé Liberty City (P.G.I.), Crow (P.G.I.), Things will get better with time (Gallery Trax), The Fourth Wall (PGI) et Distance and Depth (Studio Staff Only).
Qu'il prenne des photos de paysages urbains, d'arbres et de fleurs dans la nature, de la vie quotidienne ou d'amis chers, Takenouchi défie les règles tacites de la société et s'efforce de révéler la nature cachée de ses sujets. Confrontant la solitude, l'aliénation et les actions souvent négligées, sa photographie est une enquête sur les nuances de la diversité et de l'identité. Avec sa perspective unique et son regard tranquille, Takenouchi nous laisse entrevoir la beauté d'existences équivalentes.

Cette exposition présente des images de la nouvelle série Warp and Woof de Takenouchi, dont le titre fait allusion aux éléments de base du tissage et, par extension, aux fondations du monde.

Écoutons l'artiste nous parler de son exposition :

J'ai vécu une sorte de choc culturel lorsque j'ai visité une commune hippie pour une séance photo. C'était un monde avec des coutumes, des attitudes et des modes de vie complètement différents de ce que j'avais connu dans ma propre vie.
Le soir, au fin fond des montagnes, ma rédactrice et moi avons parlé de notre perplexité. Elle m'a dit : "N'avez-vous pas l'impression que le champ de réflexion de votre esprit s'agrandit lorsque vous rencontrez un monde différent comme celui-ci ?" Et en l'entendant ainsi, quelque chose d'important s'est mis en place pour moi.

Depuis lors, j'ai commencé à photographier des paysages avec mon téléobjectif habituel, dans le but de prêter attention non seulement aux paysages qui m'entourent, mais aussi au monde auquel ils appartiennent.
En juxtaposant des paysages différents dans des perspectives similaires et des paysages similaires dans des perspectives différentes, je compose ma propre cartographie de l'esprit.

La galerie PGI présente cette série. Pour plus d'information, voir ci-dessous

Dates	6 octobre au 18 novembre 2023
Titre de l'exposition	Warp and Woof
Lieu	PGI Gallery Tokyo
Site	https://www.pgi.ac/en/exhibitions/7342/

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Keiichi Tahara « Eclats, 1979-1983 » ｜VLC Gallery by AKIO NAGASAWA 👁

Né à Kyoto en 1951, Keiichi Tahara s'installe en France en 1971.Il commence sa carrière de photographe, captivé par la lumière perçante de l'Europe que l'on compare à la lumière douce du Japon.
En 1977, à l'âge de 26 ans, il remporte le Grand Prix du Festival international d'Arles pour sa série Fenêtre, 1973-1981 qui le propulse sur le devant de la scène internationale.
Installé à Paris jusqu'en 2006, Tahara a travaillé sur des projets pour le gouvernement français dans un large éventail de genres tels que la photographie, la sculpture, l'installation et l'architecture sous le thème de la "lumière". Il a organisé de nombreuses expositions au Japon et en Europe.
Il a reçu de nombreux prix, dont le Kimura Ihei Photography Award, le Prix Nicéphore Nièpce, Chevalier des Arts et des Lettres de France, et le Grand Prix de la Ville de Paris.

La galerie VLC Gallery by AKIO NAGASAWA présente cette série.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates	16 mars au 8 avril 2023
Titre de l'exposition	Keiichi Tahara "Eclats, 1979-1983"
Lieu	VLC Gallery by AKIO NAGASAWA
Site	https://vlcgallery.com/en/

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Masahisa Fukase 1961-1991 Retrospective｜TOP MUSEUM TOKYO 👁

Le Musée - Tokyo Photographic Art Museum, appelé TOP Museum - présente une rétrospective intitulée "Masahisa Fukase 1961-1991 Retrospective" du 3 mars au 4 juin. En se concentrant sur sa vie personnelle, Masahisa Fukase s'est taillé une place unique dans l'histoire de la photographie japonaise des années 1960. En explorant les origines de la photographie, Fukase a développé une pratique majeure au sein d'un groupe d'artistes associés à ce qui fut plus tard connu sous le nom de shi-shashin ("I-photographie"). Fukase a braqué son appareil photo sur son entourage immédiat, y compris sa femme et sa famille. Tout en exposant sa propre vie privée, il a consciemment exploré la folie qui sommeillait au plus profond de lui-même. Cette folie a donné naissance à des œuvres remarquables et inégalées qui combinent le regard affectueux de Fukase pour ses sujets et son sens de l'humour insouciant.

Cette exposition présente un ensemble substantiel d'œuvres, y compris des pièces de la collection du musée tirées d'œuvres majeures de Fukase, telles que "Yūgi (Homo Ludence)", "Yōko", "Karasu" (Ravens) et "Kazoku" (Family). Parmi les autres œuvres marquantes, citons "Yōko" (qui fait partie de la série "From Window"), "Karasu" (Ravens), acquise par le Nihon University College of Art au début des années 1980, ainsi que "Bukubuku" et "Sasuke", qui proviennent tous deux d'une collection privée. Retraçant la trajectoire de Fukase des années 1960 au début des années 1990, l'exposition offre aux visiteurs l'occasion de découvrir l'univers unique de l'artiste.

Chapitres
1｜”Yūgi [Homo Ludence]”
2｜”Yōko”
3｜”Kazoku [Family]”
4｜”Karasu [Ravens]”
5｜”Sasuke”
6｜”Aruku me [Walking Eye]”
7｜”Shikei [Private Scenes]”
8｜”Bukubuku"

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Dates	3 mars au 4 juin 2023
Titre de l'exposition	Masahisa Fukase 1961-1991 Retrospective
Lieu	TOP Museum Tokyo
Site	https://topmuseum.jp

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HOJO – Mayumi Suzuki ｜KANA KAWANISHI GALLERY 👁

Mayumi Suzuki est née en 1977 dans la ville d'Onagawa, préfecture de Miyagi, et vit et travaille actuellement à Zushi, préfecture de Kanagawa. Après avoir obtenu son diplôme, elle a travaillé comme photographe indépendante, se concentrant sur les portraits. Le grand tremblement de terre de l'est du Japon a frappé le 11 mars 2011. La ville natale de Suzuki, Onagawa, a été détruite par le tsunami et ses parents ont perdu la vie. Depuis lors, elle est souvent retournée dans sa ville natale pour enregistrer les efforts des habitants de la région pour sortir de la catastrophe. Elle est actuellement professeure adjointe de photographie au département de photographie du Nihon University College of Art.

Les expositions personnelles récentes de Suzuki incluent "The Restoration Will/The Place to appartenir" (2018, Galeria Miejska Arsenał, Poznań, Pologne), "The Restoration Will" (2018, SPAZIO LABO, Bologne, Italie), "The Restoration Will" (2017 , RAPPELS PHOTOGRAPHY STRONGHOLD, Tokyo).
Les expositions collectives incluent KYOTOGRAPHIE « 10/10 Celebrating Contemporary Japanese Women Photographers » (2022, HOSOO GALLERY, Kyoto), « Biennale de Photographie en Condroz » (2021, Belgique) et « Twilight Daylight Contemporary Japanese Photography vol.17 » (2020, Musée d'art photographique de Tokyo, Tokyo).

Suzuki a reçu le prix du meilleur livre de photographie de l'année PHotoESPAÑA 2018 (2018, Espagne) et a été sélectionné comme grand prix pour le Photobox (2018, Italie), entre autres.

La première série de Mayumi Suzuki, The Restoration Will, était une œuvre intime où l'artiste acceptait calmement les évènements qui lui étaient arrivés, ainsi qu'à sa famille, à la suite du grand tremblement de terre de l'est du Japon, et doucement, mais sans détour, levait la tête pour regarder et aller de l'avant. Sa série suivante, HOJO, qui signifie « fertilité » en anglais, est également basée sur ses propres expériences. Aujourd'hui l'artiste Mayumi Suzuki présente cette série à la galerie KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY.

L'artiste Mayumi Suzuki parle de ce projet

En japonais, 豊穣 (HOJO) fait référence à une terre en abondance ou à une bonne récolte. En anglais, il est généralement traduit par « fertilité ». Au Japon, les femmes sont traditionnellement vénérées comme des déesses de HOJO. L'idéal étant doté de récoltes abondantes et de nombreux enfants y ont été associés.

Ce projet est basé sur mon expérience de la fécondation in vitro (FIV), que j'ai commencée à l'âge de 41 ans. J'essaie de reconnaître mon existence comme une "valeur aberrante". Me photographier dans le noir avec un projecteur sur moi et une exposition d'environ 60 secondes m'a donné le temps de me regarder longuement et attentivement. Parfois, cela m'a rappelé les moments d'anxiété sur la chaise d'examen du médecin, la douleur de la récupération des ovules et la faible anticipation de l'implantation. À d'autres moments, j'ai ressenti une sensation de calme.

Le médecin utilise 60 secondes pour examiner le patient sur la chaise d'examen. Il ne prend pas beaucoup de temps pour examiner chaque femme. Elles sont nombreuses à venir à la clinique, les unes après les autres. J'avais espéré être examiné plus attentivement. En rentrant de la clinique, au marché, j'ai trouvé des légumes difformes qui n'avaient pas été vendus. Ils avaient l'air misérables, comme ma propre incapacité à concevoir. J'ai donc pensé à photographier et à manipuler chaque légume avec douceur. Pour le processus, j'utilise du papier positif direct et je travaille avec un appareil photo 4x5 pouces. Cette méthode me permet de contrôler l'exposition pour recréer le temps d'un examen dans une clinique de FIV.

J'ai aussi utilisé des photos d'ovules fécondés que j'ai reçus de la clinique. Ce sont des images brutes et pixélisées. D'après eux, il est difficile de faire la différence entre un ovule fécondé qui peut permettre de tomber enceinte et un autre qui ne le permet pas. Lorsque vous zoomez, c'est juste un point. S'il y a un facteur dans les centaines de millions de cellules de mon corps qui m'empêche de concevoir, je dois rechercher cette valeur aberrante. Je me souviens de terres infertiles sans fin.

De nos jours, les femmes peuvent choisir comment elles veulent vivre. Mais parfois, elles doivent accepter un destin sur lequel elles n'ont aucun contrôle. Même si mon propre corps n'est pas «fertile», je veux en être fière parce que c'est ma vie.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates	18 février au 25 mars 2023
Titre de l'exposition	HOJO - Mayumi Suzuki
Lieu	KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY
Site	https://www.kanakawanishi.com/

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Osamu Kanemura｜Can I Help Me? by MEM gallery 👁

Osamu Kanemura est connu pour ses solides photographies de paysages urbains et de ruelles encombrées de fils électriques, de panneaux publicitaires et de bâtiments. Mais depuis quelques années, il se consacre également à l'exposition de dessins, de collages et de vidéos. Cette exposition comprendra une installation vidéo et des collages de coupures de journaux et de magazines.

MEM est une galerie locale affiliée à 2023 Yebizo Meets, et cette exposition sera organisée en collaboration avec le Festival international d'art et de visions alternatives de Yebisu 2023.

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Dates	2 au 26 février 2023
Titre de l'exposition	Osamu Kanemura｜Can I Help Me?
Lieu	MEM GALLERY TOKYO
Site	https://mem-inc.jp

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#56 contrepoint ｜Yoko Ikeda 👁

IBASHO est fier de présenter la deuxième exposition personnelle à la galerie de la photographe japonaise Yoko Ikeda. L'exposition coïncide avec le lancement de son nouveau livre "Contrepoint", qui est une coproduction d'IBASHO & the(M) éditions. Comme le livre, l'exposition sera une vitrine de l'œuvre d'Ikeda

Ikeda est né dans la ville de Kanazawa, préfecture d'Ishikawa. Elle travaille et vit à Tokyo. Elle a étudié au département de recherche du Tokyo College of Photography. En 2013, elle a reçu le Philadelphia Museum of Art Purchase Award et en 2016, elle a reçu le prestigieux Higashikawa New Photographer Award. En 2018, Ikeda a reçu le prix Alpa pour son travail présenté à Photo Basel. Le travail d'Ikeda a été largement exposé en Europe, aux États-Unis et au Japon. En 2015, année où Mons est capitale européenne de la culture, son travail fait partie de Regards de femmes à la Maison Folie.

Parasols en plastique transparent bon marché posés sur le béton gris ; des objets plutôt simples et banals dans l'une des photographies de Yoko Ikeda. L'image qu'Ikeda s'est faite de cette scène est pourtant poétique, fragile, presque éphémère. Elle a la capacité extraordinaire de voir la beauté d'objets apparemment sans signification et de les élever à de beaux sujets précieux dans ses photographies. Ses images montrent du respect pour chaque petit élément qui forme notre grand monde. Ikeda joue avec les ombres, les couleurs, les lignes et les textures qu'elle rencontre en se déplaçant et en observant la vie quotidienne.

Au moyen de son appareil photo, Ikeda a créé sa propre façon de voir et de montrer un monde extérieur que l'on ne pourrait normalement pas voir. Dans les compositions d'Ikeda, il n'y a souvent aucun point de référence. L'espace est aplati et abstrait, le lieu est ambigu. Elle expérimente des points de vue et des focus inhabituels. Ikeda recherche les contrastes de forme et de lumière et use de cadrages inattendus.

Pour plus d'information (en japonais seulement), veuillez cliquer ici

Dates	3 décembre 2022 - 22 janvier 2023
Titre de l'exposition	#56 contrepoint - yoko ikeda
Lieu	Ibasho Gallery
Site	https://ibashogallery.com

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Calendrier de l’avent 2022

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Winter Wanderings Ⅱ-South Korea, 1981/82｜Masako Matsui 👁

Depuis les années 1970, Masako Matsui expose des photographies prises au Portugal et dans les anciennes colonies, ainsi qu'à l'étranger, dans le but de capturer les émotions communes qui existent dans différentes politiques, religions et cultures. Cette exposition présente des photographies inédites prises lors d'un voyage en Corée en 1981 - 82 . Il s'agit de la suite de l'exposition intitulée "Winter WanderingsⅠ-South Korea,1981/82-" qui s'est tenue en juin 2022.

"Lorsque j'ai visité la Corée du Sud pour la première fois, c'était une époque où l'assassinat du président Park Chung-hee en 1979 et l'incident de Gwangju en 1980 ont laissé une ombre forte sur le pays. Le public était principalement composé d'hommes. À Séoul, des chansons patriotiques étaient jouées. avant l'ouverture du théâtre et dans les rues tous les soirs, et tout le monde se tenait droit. De minuit à 4 heures du matin, aucune sortie nocturne n'était interdite. Il y avait aussi une répression des cheveux longs qui ne faisait pas de distinction entre les hommes et femmes.

Beaucoup de jeunes portaient des uniformes de camouflage et des uniformes scolaires. Ce fut un lourd voyage hivernal qui m'a fait réaliser que le pays était en trêve militaire. Il a montré une apparence simple qui est différente de la Corée, qui a l'impression d'être rigide ces derniers temps. Ce que vous pourrez voir lors de votre voyage sera un moment sur place. La ville, comme un être vivant, montre toujours une apparence complètement différente selon l'époque, la saison, le jour de la semaine, l'heure de la journée, etc., même au même endroit. Et parfois, la vision est universelle. Dans ce monde instable où des événements au-delà des attentes humaines se succèdent, je me suis demandé s'il était significatif d'exposer un certain moment dans le pays où j'ai voyagé autrefois, car il a disparu. Je voulais faire exister des moments du quotidien à travers la photographie ce lieu à ce moment-là.

Lieu : Séoul, Gyeongju, Busan, Jeju, Mokpo, Gwangju, Jeonju, Suwon. (Masako Matsui)

Pour plus d'information (en japonais seulement), veuillez cliquer ici

Dates	1er - 12 décembre octobre 2022
Titre de l'exposition	Noguchi Rika: Small Miracles
Lieu	photographers'gallery
Site	https://pg-web.net/

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Small Miracles ｜Rika Noguchi 👁

Présentation de l'exposition par le museum

Depuis que Rika Nogichi a reçu le premier prix dans la catégorie photographie "the 3.3m2 Exhibition" en 1995 et au concours New Cosmos of Photography en 1996, elle est considérée comme l'une des plus grandes photographes contemporaines du Japon, avec ses photographies et ses œuvres vidéo présentées dans de nombreuses expositions, tant au niveau national et à l'étranger. À travers des séries telles que A Prime (à partir de 1997), I Dreamed of Flying (2003) et The Sun (2005-08), To the Night Planet (2014-15), son travail a exploré la relation que les humains entretiennent avec des royaumes inconnus tels que les lieux sous-marins, à haute altitude et l'espace extra-atmosphérique. Ces dernières années, à travers une exploration des innombrables petites énigmes qui parsèment notre quotidien et notre environnement immédiat, elle a poursuivi une forme d'expression photographique qui libère les sens et l'imagination du spectateur.

De ses premières séries à ses pièces les plus récentes, cette exposition rassemble des œuvres de l'ensemble de la carrière d'une artiste qui produit des photos et des vidéos depuis plus de trente ans. Celles-ci ne sont pas présentées dans un ordre chronologique mais plutôt selon un agencement non linéaire qui permet aux œuvres de mieux se parler, les montrant sous un jour nouveau. Combinant des photographies, des œuvres vidéo, des dessins et plus encore, et guidée par le "petit miracle" de la manière dont la photographie est capable de transcender le temps et l'espace, l'exposition présente les différentes scènes et lieux que Rika Noguchi a rencontrés au cours de toutes ses années de travail, de la première série To Dive (1995) à son œuvre la plus récente, A Palm Tree (2022). Les visiteurs rencontrant l'expressivité unique de Noguchi ont l'occasion de réexaminer la signification des différentes formes de vie existant dans ce monde et de réfléchir en quoi consiste le pouvoir mystérieux des photographies et de la vidéo.

Rika Nogichi
Née à Saitama City en 1971, Rika Nogichi commence la pratique de la photographie en 1992, développant une pratique centrée sur les expositions. Elle a participé à de nombreuses expositions d'art internationales. En 2002, elle a reçu le 52e prix d'encouragement artistique du ministre de l'Éducation pour les nouveaux artistes. Ses principales expositions à l'intérieur du Japon incluent le sentiment que quelque chose se passe (Marugame Genichiro-Inokuma Museum of Contemporary Art [MIMOCA], 2001), I Dreamed of Flying (The Hara Museum of Contemporary Art, 2004) et The light reaching the future (Izu Photo Museum, 2011-2012). Ses œuvres font partie des collections du National Museum of Modern Art, Tokyo, du National Museum of Art, Osaka, du Musée Guggenheim et du Centre Pompidou.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates	7 octobre 2022 - 22 janvier 2023
Titre de l'exposition	Noguchi Rika: Small Miracles
Lieu	TOP Museum - Tokyo
Site	https://topmuseum.jp/e/

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Hibiya Okuroji Photo Fair 👁

7 galeries photo (Blitz Gallery, Bloom Gallery, Kana Kawanishi Gallery, PGI, Poetic Scape, The Third Gallery Aya et Wadagarou ) et 8 éditeurs/librairies ( FUGENSHA, Tsutaya books, Kana Kawanishi art office, Libro Arte, PURPLE / AKAAKA, Seigensha Art Publishing, Shelf, Torch press) se réunissent à Hibiya OKUROJI, un lieu sous les voies ferrées surélevées, où les obsessions des adultes se cachent dans les profondeurs d'Hibiya, et une nouvelle foire d'art spécialisée dans la photographie est lancée en ce week end d'octobre 2022.

Le Japon possède la meilleure technologie d'impression au monde, le premier fabricant mondial d'appareils photo, une histoire incroyable d'édition de livres photo et de nombreux photographes exceptionnels qui se sont fait un nom dans l'histoire de la photographie. Cependant le marché local de la photographie a chuté au profit de l'Europe et des États-Unis. Préoccupés par cette situation, les galeries commerciales spécialisées dans la photographie et les éditeurs spécialisés dans les livres photo se rassemblent ici afin d'apporter un avenir meilleur au marché de la photographie au Japon. Un nouveau lieu de rencontres à découvrir.

Pour plus d'information, n'hésitez pas à visiter leur Instagram (ou leur site ci-dessous uniquement en japonais) : cliquez ici

Dates	7 au 10 octobre 2022
Titre de l'exposition	Hibiya Okuroji Photo Fair
Site	https://www.hibiyaokurojiartfair.com/

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Contrayerba in dreaming – detox plants-history ｜Koichi WATANABE 👁

Artist Statement
L'herbe mystérieuse "KON-TA-RA-E-RU-HA" [昆答刺越兒發], figurait dans plusieurs prescriptions de médicaments hollandais à l'époque d'Edo. "Contra" signifie contre-poison et "yerba" est une herbe en espagnol. C'est le sens de KONTARAERUHA.

J'ai suivi la trace de KONTARAERUHA dans de vieux livres d'études hollandaises au Japon et des livres d'herboristerie ou de médecine écrits pendant les Grandes Découvertes, plusieurs plantes partageant ce même nom sont apparues puis ont disparu. Je me suis égaré dans le labyrinthe où le temps s'est étiré sur 500 ans entre le XVe siècle et le présent et l'espace s'est étendu de l'Europe à l'Asie et à l'Amérique.

Dans mon voyage de quête des traces de cette plante médicinale qui n'est plus utilisée aujourd'hui, sont apparus dans un réseau qui s'est formé pendant plusieurs centaines d'années incluant des personnes en quête de contrayerba et l'exploitation de ces plantes comme des marchandises telles que les épices ou les médicaments commercialisés partout dans le monde. Au-delà de cette perspective, nous sommes passés à côté des l'aspects des plantes en tant qu'organismes vivant au-delà de la dimension de ce que nous en faisons en tant qu'être humain.

Dans les formes stratifiées de la forêt où j'ai atteint la fin du voyage, nos interprétations enchevêtrées autour de contrayerba ont été revues pour ne pas voir uniquement le poison dérivé de la catégorisation de la plante comme son nom l'indique, et revisitées comme un événement innommable créé par le passage du temps géologique. Cet événement est rempli d'échos qui subsistent après que les mots perdent leur sens, des voix sans voix, qui ne seraient pas entendues sans aiguiser nos sens.

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates	17 septembre 2022 - 15 octobre 2022
Titre de l'exposition	Contrayerba in dreaming – detox plants-history
Lieu	Third Gallery Aya - Osaka
Site	https://thethirdgalleryaya.com/en/

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icon CONTEMPORARY PHOTO EXHIBITION Ⅱ 👁

“icon CONTEMPORARY PHOTOGRAPHY Ⅱ” est une exposition collective de 50 artistes axés sur la photographie contemporaine présentée par la galerie AXIS. Icon est une initiative du photographe Tomohide Ikeya.

"Statement" de l'évènement

" La culture et l'art jouent un rôle important dans l'évolution de l'humanité et apporte un sentiment de solidarité aux êtres humains. La catastrophe actuelle de l'épidémie Covid 19 a restreint le champ d'action de notre vie quotidienne, augmentant notre sentiment d'aliénation et d'isolement, diminuant notre sens de la solidarité. Cela fait perdre aux gens leur ancrage émotionnel et dilue le contact humain.

Les artistes, porteurs de culture, ont perdu de nombreuses occasions de présenter leurs œuvres. L'exposition de cette année s'est concentrée sur l'art photographique - la photographie contemporaine, représenter de façon moindre au Japon par rapport à d'autres pays.

En plus des méthodes d'exposition conventionnelles, nous utiliserons la RA (réalité augmentée) et d'autres expositions virtuelles afin que les personnes qui ne peuvent pas sortir, ainsi que les personnes dans les régions éloignées et à l'étranger, puissent voir les expositions. En amont de l'exposition, nous souhaitons proposer un service d'information en ligne bilingue et global sur ce que les artistes ressentent dans ces circonstances et leur rapport à leur travail, afin de redynamiser le marché lui-même."

Pour plus d'information, veuillez cliquer ici

Dates	16 au 19 septembre 2022
Titre de l'exposition	“ icon CONTEMPORARY PHOTOGRAPHY Ⅱ ”
Lieu	icon
Site	https://icon-channel.com/586/

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in)(between record vol. 46 ｜Keizō KITAJIMA serigraphs 👁

On ne présente plus Keizo Kitajima, grand photographe japonais, qui a ouvert avec Daido Moriyama le 'magasin d'images' CAMP, un espace expérimental pionnier pour les photographes avant la création du système des galeries. Dans sa légendaire série expérimentale Photo Express (1979), Kitajima a photographié les gens dans les bars et dans les rues de Shinjuku la nuit et a converti la galerie en chambre noire pour faire des tirages muraux comme un événement de performance publique, et a même publié les images sous forme de livret instantané. À travers ces processus de livraison immédiate d'images, l'artiste a exploré les façons dont le temps affecte la photographie en termes de documentation, d'enregistrement et de mémoire.

Dans les années 80, Kitajima a passé six mois à New York à errer dans ses rues et à traîner dans ses clubs (série - New York- 1982) . Il présente une vision du New York des années 1980, pleine d'énergie, de décadence et de moments de désespoir tranquille. Comme la ville, la publication est pleine de juxtapositions austères, des démonstrations flamboyantes de comportements scandaleux sont montrées à côté d'images de désolation et d'abattement. Pour ce livre photo, Kitajima a reçu l'important prix Kimura Ihei en 1983.

Pour son édition - in)(between record vol. 46, Luigi Clavareau présente des sérigraphies exécutées avec la collaboration de Keizo Kitajima à la galerie PlaceM Yokohama.

Dates	18 juillet 2022
Titre de l'exposition	Keizo Kitajima Serigraphs in)(between record vol. 46
Lieu	Photo Gallery PlaceM Yokohama
Site	placem.yokohama

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“The Floating Portrait”｜Shinichiro UCHIKURA 👁

Shinichiro Uchikura, fait des portraits photographiques depuis le début de sa carrière dans son studio. Dans une lumière naturelle mais dans un décor de studio, il photographie des gens "ordinaires", des clients mais avec une vision préalable d'en faire des portraits artistiques. Ses travaux de portrait ont été reconnus par des prix tels que la mention honorable Canon New Cosmos of Photography (sélectionné par Minoru Shimizu) et la publication de son livre photo My Portrait (2020) par Akaaka Art Publishing.

Les sujets éclairés sur un fond d'un noir absolu, Uchikura prend plusieurs centaines de clichés en l'espace de cinq à dix minutes, puis sélectionne les quelques moments imprévisibles au cours desquels ses sujets lâchent leurs masques et des expressions inattendues apparaissent. Alors que les photographies répondent aux conventions méthodologiques d'une « bonne photographie de portrait » standard, elles ont toutes leur propre texture unique, leur propre « présence » unique en plus du sujet capturé, leur propre monde mystérieux.

Dans cette exposition, « The Floating Portrait », Uchikura présente un ensemble de portraits inédits montrant une nouvelle évolution. Dans ces photographies, prises d'une hauteur d'environ 3 mètres, les sujets ont tous les yeux fermés, et l'atmosphère unique que chacun a eue depuis sa naissance semble être captée.

Uchikura dit qu'il a créé les photographies en se sentant "comme si leur présence flottait juste devant moi" dans "une dimension où même la frontière entre la vie et la mort a presque disparu". La présence de chaque individu émergeant du monde tranquille se sent certainement comme une présence mystérieuse émanant du corps.

Dates	9 juillet au 6 août 2022
Titre de l'exposition	“The Floating Portrait”
Lieu	KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY
Site	www.kanakawanishi.com

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Photography? End? 📚

Sept visions et sept expériences photographiques

Avec Ken Kitano/Yuji Hamada/Miki Nitadori/Risaku Suzuki/ Kazuyoshi Usui/Yuki Ono dera/Naruki Oshima

Le livre se compose d'entretiens individuels avec sept artistes japonais, basés au Japon et en France. Ils travaillent ensemble en tant que collectif d'artistes sous le même nom que le titre de ce livre - Photographie?End?. Les membres sont : Yuji Hamada, Ken Kitano, Miki Nitadori, Yuki Onodera, Naruki Oshima, Risaku Suzuki et Kazuyoshi Usui. Les entretiens ont été menés et édités par le commissaire d’exposition Mitsuhiro Wakayama, qui demande comment les artistes en sont venus à adopter le médium de la photographie dans le développement de leur travail et quel rôle ce médium a joué dans leur création jusqu'à présent. Le livre explore le travail de chacun des artistes, révélant à la fois leurs qualités communes et contrastées telles qu'elles sont. Les artistes espèrent que cela pourrait être un point de départ pour que le lecteur découvre ou questionne ce que peut être la photographie contemporaine. Chacune des entrevues est accompagnée de photographies en couleur et en noir et blanc qui illustrent les travaux respectifs et les processus créatifs des artistes.

« C'est au spectateur de répondre à la question de savoir ce qu'est exactement une photographie.» Yuji Hamada

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« La photographie démontre la possibilité que vous et moi soyons tous les deux des « points » de la même nature, coexistant sur le même plan. » Ken Kitano

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« Faciliter les rencontres entre des objets et des personnes qui viennent de différents contextes me fascine car cela peut ouvrir de nouvelles façons de penser et de voir. » Miki Nitadori

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« Je veux simplement poser une question. Je me demande «pourquoi» de la photographie. » Yuki Onodera

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« Lâcher de nombreuses pensées, sentiments et perceptions conditionnés qui, selon vous, font qui vous êtes - en un mot, la liberté.» Naruki Oshima

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« Mon intérêt réside dans la meilleure façon d'unir la vision pure à l'acte volontaire de produire une photographie et ce motif traverse tous mes projets.» Risaku Suzuki

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« La force et la faiblesse adorables de l'humanité résident dans la zone grise après tout. »Kazuyoshi Usui

Pour l'édition spéciale, cliquer ici

Intervieweur/Éditeur Conception graphique Traduction Relecture [japonais] Relecture/rédaction [anglais]	Mitsuhiro Wakayama Yuri Suyama Gavin Frew Fuyuki Ono Susan Chikuba
Date de publication	10 juin 2022
Éditeur	Magic hour édition

Caractéristiques du livre
Premier tirage｜1500 exemplaires/Tirage spécial 30 exemplaires
Langues｜anglais/japonais
Format｜A5, 148 × 210 mm
Nombre total de pages｜196
ISBN｜978-4-600-00839-0

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DECOTORA-Hachinohe｜Tatsuki MASARU 👁

14 ans après que Tatsuki Masaru a publié "DECOTORA" en 2007 qui a documenté la communauté des camionneurs et leurs camions richement décorés pendant 9 ans, Tatsuki les a revisités et a créé 12 nouvelles images photographiques. Ces photos ont été exposées lors de l'exposition d'inauguration au Hachinohe Art Museum en janvier 2022. La galerie Side 2 est heureuse de présenter 3 des nouvelles œuvres qui sont encadrées de peinture en tôle dans les mêmes couleurs que les camions. Sont également présentées des photographies DECOTORA de 2002-2005. Le livre DECOTORA-Hachinohe a été publié par T&M Projects en 2021.

Tatsuki Masaru (né en 1974) est un photographe japonais qui vit et travaille à Tokyo. Depuis son premier projet "DECOTORA" (2007) qui documente une sous-culture de camionneurs, Tatsuki a présenté 6 projets avec 6 livres. Il est récipiendaire du prix Ihei Kimura 2012 avec "Tohoku" (2011).

Pour cette série, Tatsuki a passé 6 ans à capturer le peuple Tohoku et ses paysages qui reflètent la culture japonaise ancienne. Dans "kuragari" (2013), Tatsuki a photographié les cerfs la nuit avec une lampe torche portée à la main. Il attend un signe de vie dans la peur de l'obscurité des bois vénérés par nos ancêtres. Nous allons parler de cette série prochainement dans un podcast.

Tatsuki a récemment commencé à photographier les fragments de céramique Jomon d'il y a 10 000 à 2 500 ans, emballés et stockés dans des musées. La recherche de Tatsuki sur le mythe folklorique et la réalité de la vie des gens se poursuit. L'exposition personnelle de Tatsuki comprend la galerie d'art civique de Yokohama, le musée Hachinohe Potal. Les expositions collectives récentes incluent Hachinohe Art Museum "Gift, Gift, Gift", Museum of Fine Arts Boston "In the Wake", Aichi Triennale 2016, Ashikaga Museum of Art "Blinking Skin, Life Shining through Death".

Dates	7 juin au 8 juillet 2022
Titre de l'exposition	DECOTORA-Hachinohe
Lieu	Gallery Side2
Site	https://www.galleryside2.net/

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Chizu/The Map｜Kikuji KAWADA 👁

La galerie The Third Gallery Aya présente une exposition solo du travail de Kikuji,KAWADA, intitulée "Chizu The Map", permettant de découvrir ses débuts photographiques étonnants en 1965 avec la publication de Chizu (The Map), une collection de photographies transformant les souvenirs de la défaite du Japon en œuvres d'art. Ce photographe a été membre de VIVO (1959- 61), une agence photo formée avec Ikko NARAHARA , EikohHOSOE , Shomei TOMATSU , AkiraSATO et Akira TANNO. Ces œuvres vont de tirages argentiques des années 1970 aux tirages numériques réalisés ces dernières années.

Une nouvelle édition de Chizu a été publiée par Getsuyo-sha (Japon) et Nazraeli Press (États-Unis) en 2005, et une réimpression par Akio Nagasawa Publishing est sortie en 2014. L'année dernière, Mack (Royaume-Uni) et la New York Public Library (États-Unis ) a publié Kawada Kikuji: Chizu (Maquette Edition), une restauration de Chizu faite à la main par Kawada. Tous ses livres de photos, de la première édition à la récente édition maquette, sont présentés dans cette exposition.

Kikuji KAWADA est né à Ibaraki au Japon en 1933. Il rejoint Shinchosha en 1955. Il devient photographe indépendant et co-fonde le collectif VIVO en 1959 avec Ikko NARAHARA , EikohHOSOE , Shomei TOMATSU , AkiraSATO et Akira TANNO.En 1965, il a publié The Map, un livre photo révolutionnaire chargé de métaphores politiques d'après-guerre, et il continue de défier notre intellect avec des images tout aussi fraîches et clairvoyantes à ce jour. Kawada décrit son travail comme "l'expression d'une scène spécifique dans le temps et de ma relation avec elle, encadrée en conséquence, et le style né de l'échange". Ces jours-ci, on peut trouver Kawada en train de publier des images et des réflexions photographiques sur son compte Instagram.

Dates	14 mai au 18 juin 2022
Titre de l'exposition	Chizu/The Map
Lieu	The Third Gallery Aya
Site	thethirdgalleryaya.com

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« N/B »｜Kazuyoshi Usui 👁

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KYOTOGRAPHIE | 10/10 Celebrating Contemporary Japanese Women Photographers 👁

©︎ courtesy of Kyotographie

De gauche à droite et de haut en bas : ZAIDO Yukari Chikura ©Yukari Chikura, Eagle and Raven Ariko Inaoka ©︎Ariko Inaoka, die of love Hideka Tonomura ©Hideka Tonomura, NEW SKIN Mayumi Hosokura ©︎Mayumi Hosokura, sawasawato Noriko Hayashi ©Noriko Hayashi, HOJO Mayumi Suzuki ©︎Mayumi Suzuki, NEW RIVER Ai Iwane ©︎Ai Iwane, Negative Ecology Tamaki Yoshida ©︎Tamaki Yoshida, ILMATAR 2020 Archival color C-print Momo Okabe ©Momo Okabe, mutation / creation Harumi Shimizu ©︎Harumi Shimizu.

KYOTOGRAPHIE présente dans son programme : 10/10 Celebrating Contemporary Japanese Women Photographers

Cet évènement est co-organisée par Pauline Vermare, curatrice indépendante et historienne de la photographie (anciennement directrice culturelle de Magnum Photos et curatrice à ICP, New York) et les co-fondateurs/co-directreurs de KYOTOGRAPHIE, Lucille Reyboz et Yusuke Nakanishi.

À travers les séries présentées dans l'exposition, nous voyons une réflexion et une perspective propres à chaque photographe, qu'il vive et travaille au Japon ou à l'étranger. Ces images puissantes seront présentées dans une scénographie qui incarne l'esprit KYOTOGRAPHIE et donne à chaque artiste son propre espace personnalisé, grâce à une structure polyvalente et durable, conçue par le designer et architecte basé à Kyoto Hiroyasu Konishi.
Cette exposition est soutenue par Women In Motion, un programme de Kering qui met en lumière le talent des femmes dans les domaines des arts et de la culture. Depuis 2015, Women In Motion est une plateforme de choix pour faire évoluer les mentalités et réfléchir sur la place et la reconnaissance des femmes dans les champs artistiques.

« Cette exposition est un manifeste pour les femmes photographes au Japon et pour toutes les femmes japonaises. » - Lucille Reyboz, co-fondatrice et directrice de KYOTOGRAPHIE, co-commissaire de l’exposition.

« Cette exposition résonne avec le thème de KYOTOGRAPHIE cette année, ‘One’. C’est une célébration de l’individu mais également une célébration de chacune de leurs communautés. » – Yusuke Nakanishi, co-fondateur et directeur de KYOTOGRAPHIE, co-commissaire de l’exposition.

« Pendant longtemps, le Japon a été vu à travers un regard masculin, comme si nous ne l’avions en réalité jamais vu. En tant qu’historienne, et parce que je suis personnellement très attachée au Japon où j’ai grandi, j’ai pensé qu’il était important de redécouvrir leur travail et de le montrer au monde. » – Pauline Vermare, historienne de la photographie, co-commissaire de l’exposition.

Ces expositions sont soutenues par Kering | Women in motion, , cliquer ici pour en savoir plus

Pour voir le programme, cliquer ici mais en voici le détail pour votre plus grand plaisir :

Dates	9 avril au 8 mai 2022
Titre de l'évènement	Kyotographie
Lieu	KYOTO / HOSOO GALLERY
Site	KYOTOGRAPHIE

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Shiho Yoshida Survey: Mountains 46th Kimura Ihei Award Exhibition 👁

La galerie Yumiko Chiba Associates | Shinjuku est ravie d'accueillir une exposition du travail de la photographe Shiho Yoshida pour marquer sa sélection en tant que lauréate du 46e prix Kimura Ihei.
La pratique photographique de Yoshida se distingue par la technique non conventionnelle consistant à rechercher sur Internet des informations et des images liées à un lieu, à se rendre réellement à cet endroit pour prendre des photos et à construire des œuvres multicouches dans lesquelles les photos, informations et images résultantes se croisent. Sa technique de va-et-vient entre les extrêmes opposés des résultats de recherche sur Internet et ses propres photos lui permet d'explorer les espaces d'information et les photographies en tant qu'images, ainsi que la matérialité hybride de la photographie. En employant cette approche, Yoshida a produit un travail qui critique constamment l'ensemble particulier de circonstances dans lesquelles la photographie se trouve aujourd'hui. Pour célébrer sa sélection pour le prix Kimura Ihei récompensant de jeunes photographes exceptionnels, cette exposition présentera les séries Survey: Mountains et The Whale under the Sand pour lesquelles Yoshida a reçu le prix. Une conversation avec le chercheur culturel et artiste Hiroki Yamamoto aura également lieu pendant l'exposition.

Artist Statement

" C'est un grand honneur d'avoir été choisi pour recevoir le 46e prix Kimura Ihei.
Les années 2020 et 2021 au cours desquelles le jugement a eu lieu ont été des années difficiles, rendant parfois plus difficile que jamais la production et la présentation d'un travail.
Cela fait maintenant six ans que j'ai exposé pour la première fois Survey: Mountains dans cette galerie, et j'ai l'impression que les «montagnes» imaginaires de l'œuvre ont continué à accumuler différents éléments et à changer de forme au fil du temps.
Mon intention est de continuer à créer de nouveaux paysages inédits, en gardant à l'esprit les questions abordées dans les commentaires du jury, à savoir ce qu'il faut photographier à une époque où tout le monde prend des photos, ce qui entraîne une surabondance d'images ; et comment apporter des réponses à cette question en réalisant des œuvres à partir de photographies."

Pour en savoir plus sur la photographe, cliquer ici

Dates	8 avril au 14 mai 2022
Lieu	Yumiko Chiba Associates
Site	http://ycassociates.co.jp

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Have a break | Koji ONAKA 📚

Huit ans après son dernier livre de photo de voyage « Short Trip Again », Koji Onaka a de nouveau erré dans l’arrière-pays du Japon, l’observant à travers un objectif 35 mm.
Photographié sur une période de sept ans, « Have a Break » présente des scènes prises à Hokkaido, au nord, à Kyushu, au sud, et de nombreuses autres stations entre les deux. L’affection d’Onaka pour un style de couleur particulier et unique ajoute au sentiment sentimental, profond de familiarité et de chaleur dans ses images, dans lequel Koji Onaka transforme les sites quotidiens dans les petites villes et les régions rurales en merveilles visuelles curieuses.

« Les photographies ne montrent rien de particulièrement spécial qui pourrait être pris n’importe où, mais des scènes qui ont étrangement touché mon cœur – des paysages urbains, des gens, de la lumière du soleil ou parfois des chats. »

Koji Onaka

Voir le livre plus en détails, cliquer ici

Éditeur	Kaido books
Date de publication	2021
Site de l'éditeur	https://www.onakakoji.com/book-shop-international/

Disponible aussi chez : La Nouvelle chambre Claire , Shashasha

Vous pouvez trouver des informations complémentaires sur l'artiste en cliquant ici

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Fisheye Magazine #52 ｜Signes — 表徴 📚

Signes — 表徴

Fisheye #52 présente un focus sur le Japon.

Le Japon, dans toute sa diversité. Une exploration de la photographie émergente nippone poursuivie dans un tiré à part conçu en collaboration avec Women In Motion, le programme de Kering qui met en lumière les femmes dans les arts et la culture.

Dans ce numéro de Fisheye, vous pouvez découvrir les photographes japonais suivants

Kenta Nakamura en couverture - www.kentanakamura.com
Akihito Yoshida - akihito-yoshida-en.myportfolio.com
Kenya Sugai - www.kenya-sugai.com
Momo Okabe - cliquer ici pour découvrir sa photographie
Mikito Tanaka - www.tanakamikito.com
Satoshi Fujiwara - www.satoshi-fujiwara.com
Shu Watanabe - https://watanabedesign511.com

Dates	Sortie en kiosque le 8 mars 2022
Titre du numéro	Signes — 表徴
Site du magazine	https://www.fisheyemagazine.fr

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KYOTOGRAPHIE international photography festival 👁

KYOTOGRAPHIE, organisé au printemps de chaque année, est un festival de photographie dans l'ancienne ville de Kyoto et est considéré comme l'un des rares événements artistiques véritablement internationaux qui se déroulent au Japon. Le festival propose des expositions de photographie d'artistes de renommée internationale sous des formats non traditionnels dans des endroits exceptionnels. Un festival photo à part et à ne pas manquer !

Il est difficile cependant de se déplacer aujourd'hui au Japon, donc n'hésitez pas à aller sur leur site pour pouvoir découvrir les expositions proposées cette année. Notre site sugoi.photo vous proposera dans les semaines à venir des podcasts et articles en liaison avec le Festival International de la Photographie KYOTOGRAPHIE. Cette année, le festival fête ses 10 ans sous le thème « ONE »

Le dicton bouddhiste "Un vaut dix" exprime l'idée que ce qui est unique, en intériorisant l'extérieur, devient immédiatement une incarnation du tout, et ne se positionne avec les autres que par cette attitude globale. "Un" représente l'individu et "Dix" est le nombre d'intégralité, représentant le tout.

Les organisateurs / fondateurs de ce festival, Lucille Reyboz & Yusuke Nakanishi nous parlent de leur choix et objectif pour 2022 :

"En 2022, une autre guerre a commencé. Les tentatives pour justifier la guerre sont inconcevables ; la guerre n'est jamais la solution. D'après les expériences amères de l'humanité du passé, nous savons que des vies ne devraient jamais être sacrifiées au nom d'une cause totalitaire qui prétend de manière trompeuse être représentative de l'ensemble. En 2022, avec la 10ème édition, KYOTOGRAPHIE souhaite célébrer l'existence unique de chacun et notre diversité collective. Nous espérons que « ONE » est une occasion de redémarrer, en reconnectant les déconnectés et en recherchant la renaissance d'un monde post-pandémique pacifique."

Pour voir le programme, cliquer ici

Dates	9 avril au 8 mai 2022
Titre de l'évènement	Kyotographie
Lieu	KYOTO / différents lieux
Site	KYOTOGRAPHIE

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(un)real ｜Naoki HONJO 👁

Le photographe Naoki Honjo est connu pour son style de photographie caractéristique qui utilise un appareil photo grand format avec un objectif à bascule et décalage pour capturer les villes comme s'il s'agissait de dioramas. Évoquant le sentiment d'un monde miniature, Honjo brouille les frontières entre la réalité et la fiction du monde qui nous entoure.
Il s'agit de la première exposition solo à grande échelle de l'artiste et présentera environ 200 œuvres, y compris des séries inédites, qui, ensemble, offrent un aperçu complet de sa carrière à ce jour. L'exposition met également en lumière de nouvelles œuvres spéciales qui présentent les villes hôtes où se tiennent ses expositions.

Dates	19 mars au 15 mai 2022
Titre de l'exposition	(un)real Utopia
Lieu	TOP Museum, Tokyo / Japon
Site	TOP museum

Pour découvrir le travail de Naoki Honjo, cliquez ici

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Tokyo Silence | Yasuhiro OGAWA 📚

Ce livre "Tokyo Silence" est un ouvrage rassemblant une collection de photographies N&B capturant la vie dans les rues de Tokyo entre 2003 et 2006. On pense que Tokyo est l'une des villes les plus bruyantes au monde, mais à travers ces photographies, je veux montrer l'autre aspect de Tokyo - pour moi, c'est une ville où un étrange silence règne au fond de notre vie comme de l'eau.

" Pendant cette période, j'étais fou de voyager en Chine. En Chine, partout où vous regardez, c'est le chaos. Les cris des gens dans les rues surpeuplées, les klaxons des voitures résonnant dans le ciel gris, les voix rugissantes des haut-parleurs dispersés dans toutes les villes - j'ai vraiment adoré ces bruits de rue chinoise et je me souviens avoir marché chaque jour comme frappé par la foudre.

Après m'être habitué à de tels bruits chaotiques en Chine, le silence de Tokyo m'a semblé très unique. Chaque fois que je revenais à Tokyo, je me demandais comment la ville pouvait-elle être si calme ? Personne ne parle dans les trains, personne ne crie dans les rues. Oui, Tokyo est aussi une ville bruyante, mais je pense que le caractère du bruit est intrinsèquement différent entre les deux pays. Ici à Tokyo, presque tous les bruits proviennent de la lecture automatique de musique, comme la musique de fond des magasins ou les publicités vidéo sur des écrans géants. Que se passerait-il si toute la musique en lecture automatique était soudainement coupée ? En me promenant dans les rues de Tokyo, je ressens parfois une illusion comme si j'étais au fond d'un aquarium, où un curieux silence nous entoure.

Une telle pensée m'a poussé à photographier les rues de Tokyo, un Leica chargé de film monochrome à la main. Je voulais capturer ce silence caractéristique de Tokyo, et le silence qui s'installe profondément en nous."

Éditeur	T&M Projects
Date de publication	2022
Site de l'éditeur	www.tandmprojects.com

Disponible chez : Photobookstore , Setantabook

Vous pouvez trouver des informations complémentaires sur l'artiste en cliquant ici

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#51 a retrospective – hiromi tsuchida | IBASHO, Anvers 👁

IBASHO présente l'exposition personnelle d'Hiromi Tsuchida "A Retrospective". Tsuchida est l'un des grands maîtres de la photographie japonaise, qui produit des œuvres uniques depuis les années 1970. Il a réussi de manière unique à métaphoriser l'orientation socio-économique de son pays grâce à un certain nombre de techniques et d'approches. Des œuvres de ses séries phares «Zokushi», «Counting Grains of Sand», «Hiroshima Collection» et «Hiroshima Monument» seront exposées.

Pour en savoir plus, cliquer ici

Vous pouvez également visionner une vidéo ici

Dates	26 mars au 1er mai 2022
Titre de l'évènement	#51 a retrospective – hiromi tsuchida
Lieu	Ibasho gallery
Site	https://ibashogallery.com

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(Un autre) Éloge de l’ombre ｜Musée Réattu 👁

(Un autre) Éloge de l'ombre
La photographie japonaise dans les collections du musée

Au musée Réattu, à Arles, vous est proposée une exposition de grands photographes japonais contemporains : Eiichiro Sakata, créateur d'étonnants portraits d'artistes ; Kishin Shinoyama, maître du nu féminin et réalisateur d'une fascinante série sur une maison de tatouage à Yokohama ; Keiichi Tahara et Senji Taniuchi, dont les séries Fenêtres et Reflections respirent le « Ma » (間), un concept purement japonais fusionnant les notions de temps et d'espace.
Le titre de l'exposition rend hommage à l'écrivain Jun'ichirô Tanizaki, auteur de l'éloge de l'ombre (1933), essai à travers lequel il défend une certaine idée de l'esthétique japonaise, qui donne une importance considérable à la pénombre, au clair-obscur et à la patine des choses.

Dans les photographies conservées au musée, l'ombre joue en effet sa partition aussi fort que la lumière ; elle anime les surfaces, organise l'espace, donne profondeur et mystère aux images ; elle n'est pas une absence de lumière, elle est une matière active, un espace de suggestion à travers lequel tout peut advenir.

Dates	Prolongation jusqu’au 15 mai
Titre de l'exposition	(Un autre) Éloge de l'ombre
Lieu	Musée Réattu, Arles

Pour en savoir plus, cliquer ici

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« MADE IN KYOTO » ｜KIMIKO YOSHIDA 👁

PALAZZO AMALTEO / GRAND OPENING
Situé à Venise dans un palais classé de 1540, le Palazzo Amalteo ouvre un tout nouvel espace d’expositions aménagé avec les standards museaux les plus élevés. Le directeur, Jean-Michel Ribettes, est un curateur d’art contemporain avec une longue expérience internationale (Fondation Cartier à Paris, PS1-MoMA à New York, Metropolitan Art Museum à Tokyo, etc.).

La programmation - art contemporain et architecture - est assurée par une sélection de curateurs internationaux. Chacune de ces signatures est invitée à oser l’audace et plus encore à assumer ses propres péjugés - loin des effets de consensus. Le programme du Palazzo Amalteo s’appuie seulement sur un principe d’excellence : à la fois surprendre, contrarier et ravir.

À l’occasion de l’inauguration de la Biennale d’Art de Venise an avril 2022, le Palazzo Amalteo fait son Grand Opening.

HOMO FABER
Du 10 avril au 1er mai 2022, dans le cadre de l’événement culturel Homo Faber in Città, le Palazzo Amalteo présente une exposition intitulée Le Dit du Genji réunissant les œuvres récentes de l’artiste japonaise Kimiko Yoshida. Organisé par la Fondazione MichelAngelo auprès de la Fondazione Cini à Venise, le programme Homo Faber 2022 a pour invités d’honneur des Trésors vivants du Japon.

LE DIT DU GENJI
La photographe Kimiko Yoshida travaille à Kyoto avec de prestigieux artisans, founisseurs de la Cour impériale, pour créer une série de kakejiku (peinture japonaise traditionnelle en rouleau qui se déroule pour être accrochée au mur).

Kimiko Yoshida présente des kakejiku géants (350 x 180 cm) réalisés avec l’ensemble de la soie composant traditionnellement un kimono; chaque lé de soie est sérigraphié à la laque ton sur ton avec un pattern qui requiert 7 passages de couleur.

Une autre série de kakejiku, de grandes et moyennes dimensions, présente une double image. Dans la prestigieuse tradition de l’artisanat japonais, d’anciens dessins illustrant Le Dit du Genji (récit écrit au XIe siècle par dame Murasaki-shikibu) sont appliqués à la laque et poudre d’or sur les autoportraits photographiques de l’artiste (impression pigmentaire sur toile). Ces “images laquées” (urushi-e) présentent ainsi des “doubles images” qui quperposent, comme par transparence, une image ancienne et une image contemporaine.

Pour en savoir plus sur cette exposition :

https://amalteo.it/exhibitions/

https://kimiko.fr/project/urushi-e/

https://www.homofaber.com/it/in-citta

Dates	10 avril au 1er mai 2021
Titre de l'exposition	Le Dit du Genji
Lieu	Palazzo Amalteo, Venise

Pour découvrir le travail de Kimiko Yoshida, cliquez ici

Pour en savoir plus sur Kimiko Yoshida, n'hésitez pas à lire notre article dans la section Bain d'arrêt ou cliquer ici

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MALL | Kei ONO 📚

Depuis 2002, Kei Ono a commencé la photographie avec deux séries importantes "The Glare of Youth" et "NEW TEXT" dans lesquelles il a photographié des lycéens dans tout le Japon. Alors qu'Ono parcourt le Japon pour photographier des sujets rencontrés sur le web, il se rend compte que la construction de centres commerciaux augmente un peu partout. Le centre commercial, d'ailleurs, est déjà présent dans les photos de ces deux séries, devenu un endroit de vie pour ces lycéens que Kei Ono photographie.
Capturant les images de ce lieu de vie qu'est le centre commercial, Kei Ono donne à regarder les changements du Japon et nous permet de nous poser des questions sur nos vies et notre façon de vivre.
Dans les années 2010, Kei Ono quitte le monde des lycéens pour se tourner sérieusement sur l'univers du centre commercial. Le centre commercial apparaît comme un énorme boîte étouffant les désirs et les différences des gens. A l'intérieur, le comportement humain est à la fois une errant sans réel but et pourtant connecté au quotidien. Comment fonctionne ce lieu, à la fois ville et paysage, un étrange paravent du paysage local ? Et avec le temps, certains centres commerciaux sont abandonnés pour d'autres centres commerciaux qui continuent à se construire.
Ce livre de photographies est une tentative de fixer une image du centre commercial comme un nouveau lieu commun des hommes, et cela, à travers 20 ans de photographie, permettant de voir le cycle social et humain à l'intérieur et à l'extérieur de ce lieu.

Ce que j'avais découvert, c'était simplement le monde dans lequel je vivais. Autour du centre commercial, de nouvelles résidences ont été construites. Le long des rues se trouvent des magasins de grands détaillants d'électronique ou des géants de la restauration rapide, et sur les routes des camions qui approvisionnent tout cela. D'ACCORD. C'est notre monde. J'avais perçu les hommes, mes lycéens photographies, comme des choses distinctes alors qu'elles étaient en fait connectées, et le centre commercial faisait également partie de cet ensemble.
J'étais sûr que l'appareil photo télémétrique moyen format était le mieux adapté au thème. je l'utilisais depuis que j'étais étudiant, et je marchais sans relâche avec lui et un trépied pliable dans tout le Japon. La nature du projet semblait s'être élargie des portraits pour inclure les paysages aussi.

Éditeur	Akaaka
Date de publication	Janvier 2022
Site de l'éditeur	www.akaaka.com

Disponible chez : Akaaka

Vous pouvez trouver des informations complémentaires sur l'artiste en cliquant ici

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Merge Imago ｜Hiromi KAKIMOTO 👁

La galerie - The Third Gallery Aya - est heureuse d'annoncer sa sixième exposition d'œuvres de Kakimoto Hiromi, intitulée Merge Imago. Sa pièce maîtresse est une nouvelle série de photographies prises en Suède en décembre 2017. Les œuvres s'inspirent de phénomènes dans lesquels des substances aux propriétés différentes ne se mélangent pas facilement, même si elles se ressemblent au premier coup d'œil, ce que l'artiste a remarqué dans le cas de l'eau saumâtre, c'est-à-dire des zones aquatiques où l'eau douce et l'eau de mer se mélangent.
La nouvelle série a été façonnée par les expériences de l'artiste dans les circonstances imprévues de la pandémie de COVID-19. Tout en se rattachant au thème des « choses qui peuvent et ne peuvent pas être changées » qu'elle a exploré jusqu'à présent dans ses œuvres, ces nouvelles œuvres représentent un tournant dans la mesure où elles rendent non seulement visibles les souvenirs d'enfance, mais impliquent également des expériences partagées et primitives présentes dans l'inconscient collectif comme dans la mémoire individuelle.

Dates	4 au 25 décembre 2021
Titre de l'exposition	Merge Imago
Lieu	The Third Gallery Aya, Osaka
Site	thethirdgalleryaya.com

Pour découvrir le travail de Hiromi Kakimoto, cliquez ici

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ギャラリー冬青｜PHOTOGRAPHERHAL 👁

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Moving Away | Miyako ISHIUCHI 📚

“Il y a plusieurs raisons de déménager. Dans mon cas, un matin, j’ai été soudainement submergé par la sensation étrangement convaincante que je ne devrais plus être ici.”

Dans Moving Away, la photographe japonaise Miyako Ishiuchi devient elle-même le sujet de sa photographie. Au cours des trois années qui se sont écoulées entre la décision soudaine de quitter la maison dans laquelle elle avait vécu pendant 43 ans et son déménagement réel, elle a pris une série de paysages, de photos de rues, de plans de détail et de vies autour de sa maison et de son quartier que tous – soit directement comme une image miroir ou indirectement – la présentez d’une manière ou d’une autre. Ishiuchi documente la fin d’un autre chapitre de sa vie avec attention, sentimentalité mais aussi résolument positivement.

“J’ai toujours cru que chaque photographie est le reflet de son créateur, quel que soit son sujet. Je ne me suis donc jamais photographié intentionnellement. Mes photographies se sont toujours démarquées de l’essence de la photographie en tant que documentation afin d’évoquer l’extraordinaire.”

Éditeur	Sokyusha
Date de publication	Avril 2021
Site de l'éditeur	www.sokyusha.com

Disponible chez : La Chambre Claire

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Memories Penetrate the Ground and Permeate the Wind | TOP Museum, Tokyo 👁

Dates	6 novembre 2021 - 23 janvier 2022
Titre de l'exposition	Memories Penetrate the Ground and Permeate the Wind
Lieu	TOP Museum, Tokyo
Site du musée	topmuseum.jp

En 2002, le TOP Museum (Tokyo Photographic Art Museum) a lancé des expositions sous le label "la photographie japonaise contemporaine" afin de soutenir la création et les artistes pour qu'ils explorent le potentiel de la photographie et de l'image en mouvement, soient découverts des artistes prometteurs et que le musée devienne un lieu propice à de nouvelles initiatives artistiques. Basée sur le thème « les souvenirs pénètrent le sol et imprègnent le vent », cette exposition, la 18e de la série, présente des photographies et des images en mouvement de quatre individus et d'un duo d'artistes qui abordent de diverses manières la relation entre le corps, la terre, les paysages et la mémoire. Dans notre société marquée par des changements constants par la mondialisation et l'absence de frontières, l'histoire, les coutumes, les traditions et les mémoires propres à une région ou à une zone donnée existent sous des formes variées à côté d'un large éventail de valeurs. D'un autre côté, nos idées peuvent parfois traverser des myriades de frontières avec la facilité du vent, nous aidant à découvrir des façons de traiter avec les autres. À ce stade de l'histoire humaine, une série d'efforts pour s'installer et se déplacer, comment pouvons-nous engager un dialogue avec la région et le paysage, et entrer en relation avec d'autres personnes ? Yoshida Shiho crée plusieurs couches de paysages et d'images en utilisant un hybride de technologie numérique et analogique. Han Ishu explore la relation entre les paysages et l'individu à travers des images en mouvement basées sur ses propres performances. Komori Haruka et Seo Natsumi créent des œuvres traitant des traditions et des histoires liées aux catastrophes naturelles et au mode de vie des gens. Ikeda Hiroshi a tiré sur des Aïnous pendant plus de dix ans et a soulevé des questions sur les stéréotypes raciaux. Yamamoto Ayaka a examiné les relations physiques inconscientes qui transcendent le langage dans des régions inconnues. Les expressions faites par ces artistes promettent de nous fournir des indices pour considérer l'époque actuelle dans laquelle nous vivons.

Pour en savoir plus : cliquer ici

Pour en savoir plus sur l'exposition :

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Entrez dans le miroir ｜Takehiko NAKAFUJI 👁

Cette exposition, présentée par le musée de la photographie de Nara, propose une rétrospective de la photographie de Takehiko Nakafuji, un corpus de photographies d'une ville, fugitive, en noir et blanc, de New York à la La Havane, de Shanghai en Russie, de Paris à l'Europe de l'Est (Berlin, Prague, Budapest, Varsovie…). Les œuvres aux contrastes élevés et aux tonalités puissantes découpées de la ville visitée depuis un quart de siècle font ressentir au spectateur une énergie intense.

Pendant plus de 20 ans, Takehiko Nakafuji a erré dans de nombreuses villes à travers le monde, photographiant la ville et les gens qui la composent. Il. nous explique : "Je ne suis pas un photographe de presse qui couvre de façon documentaire des évènements et des problèmes sociaux. Je me laisse aller à mon intuition et me jette à corps perdu dans la ville, juste en prenant des clichés d'un point de vue purement personnel. Cependant, ces clichés ont parfois un pouvoir mystérieux qui dépasse le sens et l'explication que l'on voudrait y mettre. C'est un sentiment étrange comme si vous pénétriez "au-delà du miroir", dans un monde qui n'est pas exactement la réalité, tout en étant conscient de ce qui est vraiment réel. L'ensemble de ces photographies où le hasard intervient, capturent ce "quelque chose" en plus qu'il faudrait appeler les âmes des gens et les souvenirs de la terre, au-delà de l'apparence de la ville que nous connaissons communément."
Cette exposition rassemble les photographies de huit villes de par le monde : New York, La Havane, Europe de l'Est, Russie, Shanghai, Hong Kong, Paris et Tokyo.

"J'ai choisi ces villes spécifiques comme sujets que j'ai photographié régulièrement car elles semblaient être un lieu symbolique pour capturer notre époque. L'effondrement du socialisme, qui peut être considéré comme une grande expérience au 20e siècle, et le monde capitaliste comme son opposition binaire. L'effondrement du système socialiste, qui a commencé avec la chute du mur de Berlin et a conduit à l'autodestruction de l'Union soviétique en 1991, a été un événement choquant pour moi en tant que jeune homme. Juste à cette époque, j'ai commencé à prendre des photos de rue, et je choisissais les lieux pour photographier en fonction de l'actualité mondiale du moment qui me semblait importante. Les villes du monde entier sont constamment turbulentes et changeantes au milieu de grandes houles. Tout ce que je peux faire et continuerai de faire, c'est de rester dans la rue, de me promener et de m'entraîner à photographier pendant que mon corps réagit aux personnes que je rencontre et aux vues inattendues. C'est une joie inattendue d'exposer ce corpus d'oeuvres de plus de 20 ans. Que la lumière qui traverse ces villes, inonde l'espace d'exposition et laisse entrevoir un autre monde au-delà du miroir."
(Takehiko Nakafuji)

Dates	29 octobre - 26 décembre 2021
Titre de l'exposition	Takehiko Nakafuji ｜Entrez dans le miroir
Lieu	Musée de la photographie de Nara,
Site	Musée de la photographie Nara

Pour découvrir le travail de Takehiko Nakafuji, cliquez ici

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Chicharrón | Hiro TANAKA 📚

"Chicharrón" - lauréat du Cosmos Arles PDF Award 2018 - présente les photographies au flash hautement saturées de Hiro Tanaka prises sur la route aux États-Unis. Les photographies (principalement des gros plans d'objets, de paysages, de scènes humoristiques et de portraits) sont présentées comme diptyques dans le livre.
Tanaka est arrivé aux États-Unis pour la première fois après avoir remporté un voyage gratuit lors d'une tombola dans un centre commercial, puis a choisi la photographie en voyageant avec des groupes punk.

Éditeur	Witty Kiwi
Date de publication	November 2018
Site de l'éditeur	https://witty-books.com

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KG + 2021 / Nuit Blanche KYOTO 2021 ｜Maryam Kordbacheh × Hiromi Kakimoto

Cette exposition a lieu pendant Nuit Blanche KYOTO 2021 et KG+2021 dans le cadre de Kyotographie 2021.

« Poetry of Clothing » est un portrait de vêtements : des vêtements en tant qu'objets qui transcendent le temps et l'espace. Cette exposition capture l'interaction entre les vêtements et la nature calme et sereine du Japon où les sons des oiseaux, des rivières, du vent et des montagnes s'imprègnent dans le vêtement. Le sujet des oeuvres de cette exposition est un nouveau vêtement dont le focus est sur la recherche du matériau, de la forme et tout cela dans une perspective philosophique du costume shintoïste qui est transmis depuis plus de mille ans au Japon. Dans cette exposition, seront exposées également des œuvres vidéo sur le thème de l'admiration pour la nature à laquelle on ne peut résister et des prières secrètes dédiées à la nature. Cette exposition est un travail photo et vidéo réalisé en collaboration avec la créatrice de mode néerlandaise Maryam Kordbacheh et l'artiste japonais Hiromi Kakimoto.

Vêtements en collaboration avec l'artisan japonais Yoshida Shozoku. Avec le soutien de MonoJapan. Financé par Dutch Stimuleringsfonds.

Dates	1 octobre - 17 octobre 2021
Titre de l'exposition	Maryam Kordbacheh × Hiromi Kakimoto ｜Poetry of Clothing
Lieu	GOOD NATURE STATION 4F GALLERY
Site	KG+2021 Nuit Blanche KYOTO 2021

Pour découvrir le travail de Hiromi Kakimoto, cliquez ici

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「Are you my echo.」｜Takashi SUZUKI 👁

HRD Fine Art présente une exposition personnelle de Takashi Suzuki, intitulée « Are you my echo. ». Cette exposition est présentée dans le cadre du programme de "KG+ 2021", un événement satellite du "Kyotographie International Photography Festival".

Takashi Suzuki est né à Kyoto en 1971. Il a étudié l'art photographique à l'Art Institute of Boston aux États-Unis et à la Kunstakademie Dusseldorf en Allemagne, et est maintenant basé à Kyoto.

L'intérêt principal de Suzuki réside dans l'acte de voir/regarder, et sa relation avec la perception et la compréhension humaines. Sa création est multicouche, utilisant non seulement la photographie mais aussi les objets et la vidéo afin de présenter les écarts et les écarts entre les phénomènes réels et les images qui les capturent, ainsi que la fluctuation de la perception humaine causée par de tels écarts et écarts.

Ces dernières années, Suzuki a travaillé sur la construction de l'espace en adoptant la méthode du montage, en assemblant différentes œuvres d'art et en transformant l'ensemble de la galerie en un espace/œuvre d'art expérimental. Suzuki sélectionne toujours un mot-clé spécifique pour définir un affichage spécifique, et pour cette exposition solo, le mot-clé est "écho". Au sein de la maison de ville machiya qui date de plus de 90 ans, le phénomène et le concept « d'écho » produisent des réverbérations complexes.

Dates	2 septembre - 2 octobre 2021
Titre de l'exposition	Takashi Suzuki: Are you my echo.
Lieu	HRD FINE ART
Site	HRD FINE ART

Une visite virtuelle est proposée en vidéo ( seulement en Japonais) : cliquez ici

Pour découvrir le travail de Takashi Suzuki, cliquez ici

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HRD Fine Art présente une exposition personnelle de Takashi Suzuki, intitulée « Are you my echo. ». Cette exposition est présentée dans le cadre du programme de "KG+ 2021", un événement satellite du "Kyotographie International Photography Festival".

Takashi Suzuki est né à Kyoto en 1971. Il a étudié l'art photographique à l'Art Institute of Boston aux États-Unis et à la Kunstakademie Dusseldorf en Allemagne, et est maintenant basé à Kyoto.

L'intérêt principal de Suzuki réside dans l'acte de voir/regarder, et sa relation avec la perception et la compréhension humaines. Sa création est multicouche, utilisant non seulement la photographie mais aussi les objets et la vidéo afin de présenter les écarts et les écarts entre les phénomènes réels et les images qui les capturent, ainsi que la fluctuation de la perception humaine causée par de tels écarts et écarts.

Ces dernières années, Suzuki a travaillé sur la construction de l'espace en adoptant la méthode du montage, en assemblant différentes œuvres d'art et en transformant l'ensemble de la galerie en un espace/œuvre d'art expérimental. Suzuki sélectionne toujours un mot-clé spécifique pour définir un affichage spécifique, et pour cette exposition solo, le mot-clé est "écho". Au sein de la maison de ville machiya qui date de plus de 90 ans, le phénomène et le concept « d'écho » produisent des réverbérations complexes.

Dates 2 septembre - 2 octobre 2021

Titre de l'exposition Takashi Suzuki: Are you my echo.

Lieu HRD FINE ART

Site HRD FINE ART

Une visite virtuelle est proposée en vidéo ( seulement en Japonais) : cliquez ici

Pour découvrir le travail de Takashi Suzuki, cliquez ici
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Takano Ryudai | The National Museum of Art, Osaka

Dates	29 Juin 29 – 23 Septembre, 2021
Titre de l'exposition	TAKANO RYUDAI: DAILY PHOTOGRAPHS 1999-2021
Lieu	NMAO, the National Museum of Art, Osaka
Site de la galerie	www.nmao.go.jp

Cette exposition propose une série de photographies de Takano Ryudai (né en 1963) exécutées de 1999 à 2021.

Takano Ryudai est largement reconnu comme un photographe qui traite des thèmes du genre et de la sexualité. Dans le livre photo de 2005, IN MY ROOM, pour lequel il a reçu le Kimura Ihei Photo Award, Takano a entrepris de visualiser la zone ambiguë qui se situe entre les notions binaires de la sexualité humaine telles que la femme et l'homme, l'homosexuel et l'hétérosexuel. Dans le même temps, tout en se faisant une règle de prendre des photos tous les jours sans faute depuis 1998, Takano a entrepris une variété d'expériences et a examiné à plusieurs reprises les vues institutionnalisées, ainsi que les caractéristiques et les limites du médium photographique. Le projet, appelé Daily Photographs, est toujours en cours. Dans cette exposition, la première grande exposition personnelle de Takano dans un musée, environ 130 œuvres de l'artiste seront présentées chronologiquement. Outre Daily Photographs, qui sert de fondement à la pratique de Takano, l'exposition comprendra les œuvres sur le thème du genre et de la sexualité qui lui ont valu d'être célèbre ; Kasubaba, qui se concentre sur les paysages urbains chaotiques uniquement japonais ; la tour de Tokyo, qui utilise l'observation à point fixe ; et les pièces d'ombre, auxquelles Takano s'est consacré depuis le grand tremblement de terre de l'est du Japon.

Pour en savoir plus en anglais ou en japonais : Cliquer ici

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HOME AGAIN | Mari KATAYAMA 👁

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Photograph of Photograph and Photographs | YUMIKO CHIBA ASSOCIATES

Cet été, Yumiko Chiba vous propose une exposition de photographies qui nous fait réfléchir sur ce qu'est la photographie.

L'histoire de la photographie est l'histoire de l'invention en tant que technologie de reproduction et d'enregistrement, mais aussi l'histoire d'un nouveau mode d'expression dans le monde de l'art. Ce faisant, la photographie acquis une expressivité, une politique et une expérimentation technique sans précédent. L'histoire d'une telle photographie doit avoir été une tentative d'explorer et d'actualiser constamment les questions "qu'est-ce que la photographie" et "que peut-on faire avec la photographie".

Cette exposition présente des œuvres photographiques de Ryudai Takano (actuellement exposé au National Museum of Art), Osaka, Jiro Takamatsu, Yuki Onodera, Osamu Shiihara, Wols et Eugene Atget.

À travers le travail de ces artistes qui ont élargi les possibilités de la photographie en tant que médium, on peut découvrir des œuvres photographiques expérimentales positionnant aujourd'hui la photographie comme un moyen d'expression important dans le monde de l'art contemporain.

Dates	20 juillet - 29 août 2021
Titre de l'exposition	“Photograph of Photograph and Photographs”
Lieu	YUMIKO CHIBA ASSOCIATES
Site de la galerie	ycassociates.co.jp

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HESTER | Kumi OGURO

« HESTER est le titre de l'une de mes photographies présentées dans ce livre et est à l'origine un personnage du roman, A Prayer for Owen Meany, de John Irving. Je suis attirée par cette femme fictive particulière, Hester, en raison de sa nature extrême; c'est une extravertie, agressive et chaotique, mais aussi sensible, aimante et charmante.

Avec beaucoup d'affection, je pourrais appeler toutes les femmes de mes photographies 'Hester'." - Kumi Oguro.

Depuis plusieurs années, Kumi Oguro poursuit un projet photographique centré sur la création de scènes incluant des figures féminines. Ses compositions éveillent l'imaginaire et l'inconscient du spectateur, se connectant à une multitude de références culturelles que chaque individu peut détenir.

Les photographies sont un point d'immobilité dans un « monde juste à côté du nôtre », comme le décrit Kumi Oguro, où l'esprit va errer à travers son livre de mémoire et de pensée. (extrait de texte de Laura Barnicoat)

Les textes du livres sont d'Alain Delaunois et Hans Van den Broeck.
Langue : français, anglais et japonais.

Éditeur	Stockmans Art Books (Belgium)
Date de publication	2021
Site de l'artiste	www.kumioguro.com

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Sakyukan | MI YEON

Cette série " Truth is One " a été prise lors d'un séjour à la Kriti Gallery & Artist Residency à Varanasi, en Inde. Voici des extraits du texte décrivant le projet, écrit par Okura Hiroshi (directeur Sakyukan, critique d'art) :

" ... Jeune enfant, elle (Mi Yeon) croyait être le seul "moi", jusqu'à ce jour où elle est surprise d'apprendre qu'il y avait d'autres « moi » dans le monde...."

" Les photos rapportées d'Inde par Mi-Yeon .../... séduisent par leur générosité, comme une expansion illimitée de sa première découverte de ces autres "moi". Lumière chatoyante sur le Gange, les gens portent, se parent, se frottent avec du rouge, du vermillon, du cramoisi. La lumière et les couleurs vives qui imprègnent ses photos sont à la fois la vraie lumière et la vraie couleur, et aussi la lumière et la couleur trouvées au plus profond du « moi (seul) » de chacune des personnes venant prier, se baigner, s'attarder au bord de la rivière .../... Les photos de Mi-Yeon, qui a commencé à visiter des sites sacrés dans des endroits tels que l'île de Jeju et Okinawa, se déplacent comme des aiguilles de boussole pointant vers des endroits éloignés mais très proches, démêlant les chevaux de masses humaines d'individus éparpillés le long du chemin."

Texte original complet traduit en anglais : Ici

Dates	5 août - 5 septembre 2021
Titre de l'exposition	“Truth is One”
Lieu	Sakyukan, Niigata-city
Site de la galerie	www.sakyukan.jp

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Sakura | Yoshinori MIZUTANI

"Cherry blossoms are so beautiful
that I don't think I've spent as much
time looking at anything else

Facing a saura tree
my eyes shift
from one petal to another
from one flower to another
until the whole picture is grasped

In 'SAKURA'
I attempt to visualize
the move of my observing eyes
and crystallise the visual experience
of meditating and wandering upon
the blooming tree

As a result
the images show that
photography captures nog only
a specific moment
but also the passing of time"

- Yoshinori Mizutani
design by Akiko Wakabayashi
text by Yoshinori Mizutani in English and Japanese

Éditeur	The (M)éditions & IBASHO
Date de publication	2021
Site de l'artiste	www.yoshinori-mizutani.com

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Alone Together | MI YEON

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#47 mizu | IBASHO, Anvers

Cet été, IBASHO a choisi le thème 'Mizu', le mot pour 'eau' en japonais. En tant que nation insulaire, le Japon a un lien profond avec l'eau de diverses manières, créant une histoire culturelle où l'eau et la vie vont de pair.

Parmi les photographes présentés, des photographes contemporains japonais - Mika Horie, , Keiichi Ito, Miho Kajioka, James Osamu Nakagawa, Asako Narahashi et Toshio Shibata ont été choisis pour montrer leur regard sur l'eau, "mizu".

La galerie nous raconte :

"Au Japon, sous l'influence de la religion indigène shintoïsme, "Mizu" est censé incarner la pureté et la simplicité souple de la vie. Une connexion spirituelle avec des éléments comme l'eau est considérée comme une force principale dans la vie d'un prêtre shintoïste. De même, les chutes d'eau sont considérées comme sacrées et se tenir sous l'une d'elles est censé purifier l'individu...".

Dates	17 juin - 22 août 2021
Titre de l'exposition	# 47 mizu
Lieu	IBASHO, Anvers, Belgique
Site de la galerie	ibashogallery.com

Pour plus d'information et continuer votre lecture, cliquer sur : #47 mizu

Vous pouvez également voir une vidéo présentant l'exposition sur le lien suivant :

#47 mizu vidéo

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Flowers Bloom, Butterflies Come | Miho KAJIOKA

"Flowers Bloom, Butterflies Come" (IIKKI 014) est le résultat du dialogue entre les photos poétiques de Miho Kajioka et la belle musique des musiciens britanniques Ian Hawgood et Craig Tattersall.

Tirage limité à 750 exemplaires

Couverture rigide, 24cm x 22cm, 96 pages,

93 photos imprimées sur Munken Print Cream, logo, fente et cercle en relief, plastification mate et finition vernis sélectif.

Numéroté à la main.

Éditeur	Iikki
Date de publication	2021
Site de l'artiste	www.mihokajioka.com

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植木｜Petits pots et jardins | Yasuyuki TAKAGI

La relation entre les hommes et la nature a été un thème principal des travaux photographiques de Yasuyuki Takagi. Ce photographe a porté son attention sur « les jardins bohèmes des rues » du centre-ville de Tokyo et ce travail a été présenté dans son livre photo Ueki voulant dire « petits pots et jardins » (voir section livres)

Cette exposition inclut des Polaroïds et des photographies de plantes en pot mais également les matériaux de recherche collectés par le photographe. Le but est de réfléchir sur l'art et l'histoire de notre culture « Ueki » et de nos liens avec la vie végétale.

Dates	23 juin - 11 juillet 2021
Titre de l'exposition	Petits pots et Jardins
Lieu	galleryMain, Kyoto, Japon
Site de la galerie	https://gallerymain.com/

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To Be Bewitched by a Fox | Tomoko SAWADA

Ce livre résume les 25 ans de carrière de Tomoko Sawada, allant de son premier travail "ID400" aux dernières productions. Il a été publié en lien avec une exposition produite pour le musée de la photographie à Tokyo / TOP Museum en 2021 intitulé To Be Bewitched by a Fox

Tomoko Sawada a remporté le Canon Photo New Century Excellence Award en 2000 pour son autoportrait "ID400", le Kimura Ihei Award en 2004 et le NY International Center of Photography Young Photographer Award.

Éditeur	SEIGENSHA Art Publishing, Inc.
Date de publication	2021
Site de l'artiste	tomokosawada.com

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UEKI, petits pots et jardins | Yasuyuki TAKAGI

Une promenade dans le Tôkyô traditionnel où les façades s'ornent de petits pots de fleurs et de plantes.

Accompagné d'un texte de Philippe Pons et sous la direction artistique d'Eric Pillault

Prenez une minute pour découvrir le processus de fabrication et d'impression du livre.

Éditeur français	iKi éditions
Date de publication	2015 (édition épuisée)
Éditeur japonais	LibroArte.,Inc
Date de publication	2021
Site de l'artiste	www.yasuyukitakagi.com

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Figures of Fertilities | Keijiro KAI

Les oeuvres de KAI Keijiro entraînent le spectateur dans la foule durant des rituels traditionnels de combat ou de sport du monde entier qui sont antérieurs à notre concept moderne de « sport ». En examinant de près l'interaction humaine dans ces cadres traditionnels, les photographies de KAI nous offrent un aperçu de l'essence même de la vie humaine.

Dates	17 avril - 15 mai 2021
Titre de l'exposition	Figures of Fertilities
Lieu	The Third Gallery Aya, Osaka, Japon
Site de la galerie	thethirdgalleryaya.com

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Hauling the City | Tomoaki MAKINO

Hauling the City est une série de photographies en noir et blanc de paysages tissés par des poteaux électriques et des câbles dans les 23 quartiers de Tokyo. Makino montre que Tokyo possède un système électrique, un des moins enterrés parmi les pays développés au monde, présentant ainsi un paysage incroyablement chaotique juste en levant les yeux.

À première vue, ces images sont pleines d'humour et de divertissement, mais le paysage urbain avec des lignes droites et courbes tentaculaires dans l'air reflète les conditions sociales et apporte une touche mélancolique au paysage.

Dates	24 avril - 5 juin 2021
Titre de l'exposition	Hauling the City
Lieu	galerie KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY, Tokyo, Japon
Site de la galerie	KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY

Vous pouvez voir l'exposition en 3D : Cliquez ici

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The Dreaming | Yasuhiro OGAWA

" Mon nouveau livre The Dreaming inclut 86 images noir et blanc sélectionnées de mes 27 années de carrière en tant photographe et voyageur . Lorsque j'ai eu 50ans l'année dernière, j'ai décidé de trier tous mes négatifs noir & blanc. Chaque moment de mes voyages m'est apparu comme une vision d'un rêve. C'était cette pensée qui m'a poussé à faire ce livre. "

- Yasuhiro Ogawa

Éditeur	蒼穹舎 / Sokyusha
Date de publication	2020
Site de l'artiste	ogawayasuhiro.com

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Little Faded Trip, Neko Wa Neko, Faraway Boat | Koji ONAKA

1. Little Faded Trip

Au printemps 2020, alors que je ne pouvais aller nulle part, je suis resté dans la chambre noire et j'ai imprimé à la main un grand nombre de mes anciennes photos de voyage sur un film négatif couleur d'une vingtaine d'années qui avait déjà commencé à s'estomper.
Pourtant les nuances de couleurs subtiles étaient intéressantes et elles semblaient justes, alors j'ai décidé d'en faire un livre photo.
J'espère que le jour viendra bientôt où je pourrai à nouveau voyager librement.

2. Neko Wa Neko

Voici les chats que j'ai rencontré partout dans le monde - Vietnam, Géorgie, Lettonie, Chine, Portugal ...
Mais les chats restent des chats dans tous les pays.

3. Faraway Boat

Des vieilles photos en quelque sorte.
Peu importe quand et où je les ai prises, peu importe pourquoi je les ai prises.
Je vois l'image comme un navire qui flotte au fil du temps.

Post-scriptum ---
Voyage monochrome effectué en même temps que Slow Boat

Éditeur	Kaido books
Date de publication	2020
Site de l'artiste	onakakoji.com

Disponibles chez: Kaido Books

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at the same time | Hitoshi Fugo, Katsuyuki Uomoto

De 2018 au printemps 2020, Fugo et Uomoto ont travaillé ensemble sur ce projet où ils ont pris des photos de leur environnement en se synchronisant lorsqu'ils appuient sur le déclencheur. Ils ont regroupé ces photos en 40 paires et intitulé cette série, en même temps. Il y a des juxtapositions de contrées lointaines et de scènes domestiques mais aussi certaines prises dans la même ville. Les gens naissent dans des endroits différents; certains étendent leurs racines hors de leurs origines, tandis que d'autres se délocalisent vers des endroits différents. La vie continue mais il y a un nombre infini de perspectives existantes en regardant simultanément un nombre infini de scènes. Dans un monde COVID-19 dans lequel la distance entre les gens a créé une anxiété existentielle, nous espérons que cela créera en même temps une opportunité d'imaginer ces autres perspectives dans ce monde où nous partageons le temps.

Dates	27 février -14 mars 2021
Titre de l'exposition	at the same time
Lieu	galerie MEM, Tokyo, Japon
Site de la galerie	mem-inc.jp

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2200 Miles | Atsushi FUJIWARA

En 1989, lorsqu'au Japon l'ère de Showa est passée à l'ère de Heisei, j'ai voyagé au Royaume-Uni et y a vécu pendant deux ans. En y réfléchissant bien, peut-être que je me sentait étouffé par l'essor de la bulle économique au Japon.

Trente ans plus tard, en 2019, au Japon, l'ère de Heisei est passée à l'ère de Reiwa. J'ai décidé de louer une petite voiture et de faire tout le chemin depuis Margate , la ville du sud où j'ai vécu pour la première fois , à l'extrême nord du Royaume-Uni.

Éditeur	Sokyusha
Format	28,3 x 22 cm
Nombre de pages	108
Langues	Anglais, Japonais
Date de publication	2019
Site de l'artiste	atsushifujiwara.com

Disponible chez: BAL BOOKS et Le Plac'Art Photo

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Dates	17 au 29 mai 2022
Titre de l'exposition	Kazuyoshi Usui
Lieu	Place M Yokohama
Site du photographe	http://kazuyoshiusui.com

Dates	5 novembre - 26 décembre 2021
Titre de l'exposition	" PHOTOGRAPHERHAL "
Lieu	ギャラリー冬青
Site de l'artiste	www.photographerhal.com

Dates	3 septembre - 24 octobre 2021
Titre de l'exposition	MARI KATAYAMA HOME AGAIN
Lieu	MEP - MAISON EUROPÉENNE DE LA PHOTOGRAPHIE, Paris
Site du musée	www.mep-fr

Éditeur	Kaya books
Date de publication	2014
Site de l'artiste	mi-yeon.jp

Sous l’épaisseur de la nuit se cache le bleu du ciel, Sakiko Nomura | Galerie Écho 119 👁

Sous l’épaisseur de la nuit se cache le bleu du ciel

Night Flight, 2008 © Sakiko Nomura

Night Flight, 2008 © Sakiko Nomura

Sous l’épaisseur de la nuit se cache le bleu du ciel

Miki Fukumoto “Wadatsumi — God of the Sea” | Zen Foto Gallery 👁

Hitoshi Fugo, On the Ground | MEM Gallery 👁

Tokihiro Sato – Respiration de lumière : Paysage urbain ｜ POETIC SCAPE 👁

#73 Origins – Hajime Kimura | IBASHO 👁

#73 Origins – Hajime Kimura

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#72 As the twig is bent, so grows the tree Norio Takasugi | IBASHO 👁

#72 As the twig is bent, so grows the tree – Norio Takasugi

As the twig is bent, so grows the tree

Miki Fukumoto “Wadatsumi — God of the Sea” | Zen Foto Gallery 👁

KIKUJI KAWADA – THE MAP / LES VISIONS DE L’INVISIBLE｜Les rencontres d’Arles 👁

Exposition de photographie

DOGRA MAGRA＋PHANTASMAGORIA | AKIO NAGASAWA Gallery | Publishing 👁

Information sur l’artiste – Kou Inose

Touyama Yuhki – Scenes of Absence ｜ POETIC SCAPE 👁

Yang Seung-Woo « TFW KOREA » | Zen Foto Gallery 👁

Kyoko Kasuya “Diary of Eve’s Land” | MEM Gallery 👁

#68 Visual poetry from Ishikawa – Yumiko Izu | IBASHO 👁

#67 Visual poetry from Ishikawa – Mika Horie | IBASHO 👁

Ouroboros – Hiromi Tsuchida | AKIO NAGASAWA Gallery | Publishing 👁

Information sur l’artiste

L’héritage de la photographie d’avant-garde à Nagoya, des années 1930 aux années 1950 | MEM Gallery 👁

Vanishing existence Photographies – Kosuke Okahara ｜Musée Cernuschi 👁

Exposition de photographie

Kosuke Okahara

Sakura River – Atsushi Fujiwara ｜ZEN FOTO GALLERY 👁

Exposition de photographie

#66 beyond what you see – Toshiya Watanabe ｜IBASHO 👁

Exposition de photographie

Ibasho Gallery présente #66 beyond what you see - Toshiya Watanabe

#66 beyond what you see - Toshiya Watanabe

“Tsunami Trees” – Naoya Hatakeyama ｜Taka Ishii Gallery 👁

Exposition de photographie

Naoya Hatakeyama “Tsunami Trees”

In Conversation: A Photographic Dialogue Between Japan and Korea ｜Christophe Guye Galerie 👁

Exposition de photographie

Yuki Shimizu – Surfacing ｜PGI 👁

Exposition de photographie

TRANSCENDENCE｜Les rencontres d’Arles 👁

Exposition de photographie

I’m So Happy You Are Here｜Les rencontres d’Arles 👁

Exposition de photographie

I'm so happy you are here

Japanese Women Photographers from the 1950s to Now

“Overflow”-Takuma Nakahira｜Taka Ishii Gallery 👁

Exposition de photographie

Takuma Nakahira “Overflow”

Uraguchi Kusukazu – AMA｜Les rencontres d’Arles 👁

Exposition de photographie

FOCUS – photography?end? ｜Maui Arts & Cultural Center’s Schaefer International Gallery 👁

Exposition de photographie

RÉPLIQUES – 11/03/11｜Les rencontres d’Arles 👁

Exposition de photographie

DES PHOTOGRAPHES JAPONAISES ET JAPONAIS FACE AU CATACLYSME

MIKI FUKUMOTO｜CIEL, Arles 👁

Exposition de photographie

Intimate Puzzle, Maki ｜Zen Foto Gallery 📚

Livre de photographie

Kikuji Kawada – Los Caprichos, Demon of Tomorrow｜PGI, Tokyo 👁

Exposition de photographie

#64 Fleeting Moments – Naohiro Ninomiya ｜IBASHO 👁

Exposition de photographie

Ibasho Gallery présente #64 Fleeting Moments - Naohiro Ninomiya

#64 Fleeting Moments - Naohiro Ninomiya

Kenryou Gu “Dimensions Unseen”｜Yumiko Chiba Associates, Tokyo 👁

Exposition de photographie

Kanagawa Shingo, Prayer/Nagasaki｜MEM gallery, Tokyo 👁

Exposition de photographie

Remembrance beyond images｜TOP MUSEUM 👁

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Upcycling Osaka, Patrick Rimond｜Kaïdo Gallery, Tokyo 👁

Exposition de photographie

Ihei KIMURA — Living in Photography｜TOP MUSEUM 👁

Exposition de photographie

Tokyo Whispers – Yoshinori Mizutani ｜Christophe Guye Galerie 👁