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« Sakura River » est la deuxième exposition individuelle d'Atsushi Fujiwara à la galerie Zen Foto depuis son exposition « Poet Island » en 2015. L'exposition « Sakura River » présentera 18 photographies en couleur sélectionnées dans son livre de photos récemment publié sous le même titre. Pendant l'exposition, un talk aura lieu le samedi 28 septembre à partir de 16 heures, accueillant le critique de photographie Kenji Takazawa.

Au cours de l'été 2020, pendant la pandémie de coronavirus, j'ai séjourné dans un hôtel du nord de la région de Kanto. Il se trouvait juste à côté d'une rivière appelée Sakuragawa (littéralement, « Sakura River » , soit en français "rivière des cerisiers en fleurs").

“ Je n'ai jamais été au pays de Hitachi, mais j'ai entendu parler d'une rivière Sakura là-bas.” Extrait de la chanson nô « Sakuragawa » de Ki no Tsurayuki

Atsushi Fujiwara

« C'était une époque où le monde entier luttait contre la pandémie de coronavirus. Par hasard, Fujiwara séjournait près de la rivière Sakuragawa pour une longue période et il a décidé intuitivement de prendre des photos le long de la rivière. Un jour, il découvre que cet endroit a servi de décor à la pièce de théâtre nô « Sakuragawa ». Fujiwara, qui avait déjà établi un lien avec le monde du nô à travers son œuvre Semimaru, a utilisé cette coïncidence comme un indice pour concevoir le concept global de l'œuvre. La narration de la pièce de théâtre nô “Sakuragawa“ a sans aucun doute influencé le point de vue de Fujiwara lorsqu'il tenait l'appareil photo. [...] Ce monde, où le sacré et le profane coexistent, est aussi éphémère que la chute des fleurs de cerisier. C'est pourquoi il vaut la peine d'être photographié. C'est le regard de l'artiste sur l'impermanence qui rend Sakuragawa analogue au monde du nô ».

Kenji Takazawa, extrait de son essai « Along the River Flowing Between Reality and Fiction » (Le long de la rivière qui coule entre la réalité et la fiction)

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Ibasho Gallery présente #66 beyond what you see - Toshiya Watanabe 

Toshiya Watanabe est né à Fukushima, au Japon, en 1966. Pendant ses études de graphisme à l'université d'art de Tama en 1990, il a été choisi par le concours artistique PARCO au Japon comme l'un des 20 photographes les plus prometteurs. Actuellement, il partage son temps entre la direction artistique d'une agence de publicité et la photographie.
Dans sa série « Somewhere not Here », Watanabe explore les profondeurs de la conscience pour créer ses images magiques et réalistes. Le réalisme magique remet en question ce qui est représenté devant les yeux du spectateur et confère à chaque chose une signification plus profonde. Dans les photographies de Watanabe représentant des paysages réels, tels que la mer, la ville et la végétation, la réalité disparaît, ce qui donne le sentiment de « ne pas être ici, mais ailleurs ». L'instabilité et la beauté existent dans les images pour lesquelles Watanabe a utilisé un film infrarouge. La série « Somewhere not Here » utilise la société comme sujet, en se concentrant sur quelque chose qui apparaît et disparaît dans la vie de tous les jours.

Il poursuit son exploration du réalisme magique dans la série « Beyond what you see », qui est une continuation de « Somewhere not Here ». Comme l'écrivain japonais Haruki Murakami, Watanabe dépeint les sujets de ses photographies entre le monde mystique et le monde réel, créant ainsi un sentiment de confusion chez le spectateur. L'œuvre de Watanabe s'apparente également au concept japonais de « ma », un moment de silence ou de vide propice à la prise de conscience et à la contemplation. Son travail incite le spectateur à faire une pause, à réfléchir et à s'engager dans le monde qui nous entoure.
Les deux projets, « Somewhere not here » et « Beyond what you see » sont exposés à IBASHO. L'exposition célèbre également le lancement du nouveau livre de Watanabe « Beyond what you see » publié en 2024 par IBASHO en collaboration avec The(M)editions (Paris).

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Naoya Hatakeyama “Tsunami Trees”

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Depuis ses débuts en 2011, Yuki Shimizu utilise la photographie et l'écriture pour capturer des lieux dans des récits fictifs complexes qui intègrent le folklore et l'histoire locale. Elle utilise son appareil photo pour se confronter à des paysages incomplets dont la totalité reste inaccessible, tentant de capturer des fantômes fugaces qui n'apparaissent que momentanément. Bien que son approche lui donne l'impression d'avoir été laissée derrière le temps, Shimizu affirme que ses rencontres avec le passage incessant du temps lui servent également d'inspiration pour ses textes, qui relient les nombreux détails de ses photographies.

Dans Surfacing, Yuki Shimizu imagine des récits alternatifs et des histoires fictives dans des photographies érodées par la marée.

Le sujet de la série est Tateyama, une ville située au sud de la péninsule de Boso, dans la préfecture japonaise de Chiba. Shimizu a visité Tateyama lors de la rédaction de son recueil de nouvelles Hanazakari no isu (Shueisha, 2022) et a été fascinée par sa topographie unique. Au cours de ses recherches, elle a découvert des fragments de son histoire locale : des épaves de navires datant de la dynastie Qing, des vestiges de batailles de la Seconde Guerre mondiale et un pêcheur d'ormeaux qui a émigré aux États-Unis pendant l'ère Meiji et a été détenu de force dans un camp d'internement japonais pendant la guerre. Ici, dans cette ville rurale reliée au monde par la mer, Shimizu a eu le sentiment d'avoir trouvé « l'endroit idéal pour examiner les contours de l'histoire de l'humanité ».

Pour Surfacing, Shimizu a capturé des scènes et des paysages autour de Tateyama, liés par leurs caractéristiques topologiques et leur passé historique. Ensuite, après avoir dégradé ses négatifs avec de l'eau de mer (une technique qu'elle avait déjà utilisée dans sa série Half Dreaming Glass), elle a composé des histoires qui mélangent réalité et abstraction. Alors que la surface des photographies dégradées est obscurcie par des rayures, des cristaux et des traces de différentes couches, les scènes représentées dans ses images restent réelles. Ainsi, la technique de Shimizu est en phase avec son approche artistique, qui consiste à démêler l'histoire en tissant de nouvelles fictions, ce qui donne lieu à des paysages nouveaux, mais étrangement familiers.

Surfacing présentera une vingtaine de tirages chromogéniques créés par l'artiste à partir de négatifs altérés par de l'eau de mer, du sable et de la moisissure.

Surfacing

Un voyage de la périphérie vers les profondeurs du temps. Des récits alternatifs et des histoires fictives, racontés dans des photographies érodées par les marées. Autrefois, Okinoshima et Takanoshima étaient des îles séparées de la côte de Tateyama par une mince bande de mer. En 1703, puis en 1923, les tremblements de terre de Genroku et du Grand Kanto ont soulevé le fond marin. Le sable a continué à s'accumuler et a fini par relier les îles au continent. Aujourd'hui, Takanoshima a été artificiellement agrandie et est utilisée comme base aérienne de Tateyama par la Force maritime d'autodéfense du Japon. Okinoshima est un parc national administré par la préfecture de Chiba. On y accède par un sentier étroit et sablonneux qui longe l'arrière de la base aérienne. L'île inhabitée possède de riches bassins de marée formés par les fonds marins qui remontent à la surface, et ses plages sont toujours bondées de gens qui profitent de la vue. Okinoshima était un avant-poste défensif de la marine impériale japonaise. Il n'y a aucun signe de cette histoire, à l'exception des grottes restantes creusées dans les rochers. L'île et la mer qui l'entoure sont devenues un lieu de prédilection pour les photographes. La ville de Tateyama, située à l'extrémité sud de la péninsule de Boso, a servi de première ligne de défense du continent japonais de la fin de la période Edo jusqu'à la Seconde Guerre mondiale. C'est aussi un lieu de pêche riche où se rencontrent les courants Kuroshio et Oyashio, et un lieu d'échange avec des gens venus d'au-delà des mers.

S'inspirant de ces différents passés, Surfacing capture les paysages de Tateyama et dessine de nouvelles narrations dans des images cinématographiques corrodées par l'eau de mer.

Yuki Shimizu

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Commissaires : Lucille Reyboz et Nakanishi Yusuke.
Exposition coproduite par SIGMA et avec le soutien de Kering | Women In Motion.

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I'm so happy you are here

Japanese Women Photographers from the 1950s to Now

Hara Mikiko, Hiromix, Ishikawa Mao, Ishiuchi Miyako, Katayama Mari, Kawauchi Rinko, Komatsu Hiroko, Kon Michiko, Nagashima Yurie, Narahashi Asako, Ninagawa Mika, Nishimura Tamiko, Noguchi Rika, Nomura Sakiko, Okabe Momo, Okanoue Toshiko, Onodera Yuki, Sawada Tomoko, Shiga Lieko, Sugiura Kunié , Tawada Yuki, Tokiwa Toyoko, Ushioda Tokuko, Watanabe Hitomi, Yamazawa Eiko et Yanagi Miwa.

Quelle joie de vous voir [I’m So Happy You Are Here] offre une nouvelle perspective réjouissante sur la photographie japonaise : un complément et un contrepoint nécessaires aux narratifs et aux canons précédemment établis de l’histoire de la photographie japonaise, mais aussi de l’histoire de la photographie dans son ensemble. Ces dernières années, le monde de la photographie s’est attelé à combler les lacunes critiques de son historiographie, notamment en ce qui concerne le travail des femmes photographes. Ces nombreuses redécouvertes, dont celle-ci, attestent de la nature libératrice de l’autoreprésentation et de l’expression de soi – de l’importance de la photographie comme vecteur de récits et de partage de sa propre expérience.Cette exposition lève le voile sur un large éventail d’approches photographiques fondées sur le vécu et les points de vue des femmes japonaises sur le monde, l’histoire et la société dans lesquelles elles évoluent. Elle révèle le foisonnement de leur créativité par le biais de photographies, d’installations, de vidéos et de livres. Avec une attention particulière portée à la période allant des années 1950 à nos jours, Quelle joie de vous voir présente plus de vingt-cinq artistes de générations différentes. Certaines d’entre elles ont été reconnues ces dernières décennies pour leurs contributions essentielles à l’histoire du médium; d’autres ont développé une pratique d’une toute aussi grande importance sans toutefois être connues du grand public.Trois motifs majeurs émergent de cet ensemble d’œuvres historiques et contemporaines : des observations à la fois simples et profondes du quotidien; des perspectives critiques sur la société japonaise, notamment sur les rôles imposés aux femmes – qu’elles ont souvent réinterprétés ; et des expérimentations et extensions de la forme photographique. Réunies pour la première fois, ces œuvres apportent une multiplicité de regards sur le Japon et sur la photographie japonaise, et une réflexion plus vaste et plus nuancée sur les diverses contributions des Japonaises au médium.

Lesley A. Martin, Takeuchi Mariko et Pauline Vermare

Commissaires : Lesley A. Martin, Takeuchi Mariko et Pauline Vermare.
Exposition produite par Aperture en collaboration avec les Rencontres d’Arles.
Avec le soutien de Kering | Women In Motion 
et de la Fondation franco‑japonaise Sasakawa.

Publications : Femmes photographes japonaises, des années 1950 à nos jours, Éditions Textuel, 2024 ; I’m So Happy You Are Here: Japanese Women Photographers from the 1950s to Now, Aperture, 2024.

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Depuis plus de trois mille ans, les ama, « femmes de la mer » japonaises, peuplent les rivages de l’archipel, plongeant en apnée à la recherche d’algues et d’ormeaux. La place à part qu’elles occupent dans l’imaginaire nippon, leur lien sensuel à l’eau, leur intrépidité et leur souveraineté ont, au fil des siècles, fasciné les poètes et les artistes. Le photographe japonais Uraguchi Kusukazu, originaire de Shima (préfecture de Mie), sur la côte du Pacifique, a consacré plus de trente années à documenter la vie des ama de sa région, sous ses aspects les plus divers : plongées en eaux profondes, récoltes près du rivage, portraits, scènes collectives sur la plage et dans l’amagoya – espace de repos exclusivement féminin –, relation quotidienne au shintoïsme, culminant en été au moment des fêtes matsuri (fêtes d’été). Ses photographies mettent en lumière les pratiques séculaires des ama tout en capturant leur énergie de chaque instant. Nourri par leur vitalité et la confiance qu’elles lui ont accordée, il a développé un langage visuel marqué par l’intensité et l’expressivité : noirs et blancs contrastés, décadrages, gestes saisis dans leur spontanéité ancrent les ama dans leur époque – les années 1970 et 1980 principalement – tout en rendant hommage à leur féminité puissante et assumée.Riche de plusieurs dizaines de milliers de photographies consacrées au sujet, l’archive de Uraguchi est restée inexplorée depuis son décès. Elle est au départ d’une exposition inédite, qui nous mène à la rencontre de femmes hors du commun dont l’interaction harmonieuse avec leur environnement constitue aujourd’hui une source d’inspiration. Cette redécouverte permet aussi d’aborder la photographie japonaise par le biais d’un des aspects essentiels de son histoire, celui de la pratique amateur dont Uraguchi, par son engagement dans divers réseaux de photo-clubs, fut un extraordinaire représentant.

Sonia Voss

Commissaire d'exposition : Sonia Voss.
Avec le soutien de la Fondation Franco-Japonaise Sasakawa.
Publication : Shima no Ama, Kusukazu Uraguchi, Atelier EXB, 2024

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Artistes présents dans l'exposition : Arai Takashi, Fujii Hikaru, Iwane Ai, Kanno Jun, Obara Kazuma, Ono Tadashi, Sasaoka Keiko, Shiga Lieko, Suzuki Mayumi.

DES PHOTOGRAPHES JAPONAISES ET JAPONAIS FACE AU CATACLYSME

Commissaires : Philippe Séclier et Marina Amada.
Avec le soutien de la Fondation Franco-Japonaise Sasakawa 
et du National Center for Art Research.
Publication : Répliques 11/03/11. 
Des photographes japonais face au cataclysme, Atelier EXB, 2024.

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Comme d'habitude beaucoup d'expositions de photographies à Arles. Miki Fukumoto propose une exposition de photographies originales de sa série CIEL, des photos surréalistes et fascinantes de poissons.

Exposition　”CIEL” - photographies de MIKI Fukumoto - du 1er  juillet au 1er septembre 2024

Un jour, alors que je cuisinais du poisson, j'ai été fasciné par leur beauté et leurs traits.

Depuis, je continue de les prendre en photos et de les mettre en images sous diverses formes dans ma cuisine.

La Schaefer International Gallery du Maui Arts & Cultural Center présente l'exposition de groupe FOCUS, qui réunit sept photographes japonais contemporains sous le nom collectif de "photography?end ?"

Le groupe se compose de Yuji Hamada, Ken Kitano, Miki Nitadori, Yuki Onodera, Naruki Oshima, Risaku Suzuki et Kazuyoshi Usui. Leurs travaux respectifs portent sur la potentialité de la photographie à l'ère du numérique, qui évolue rapidement. Alors que la production d'images s'est largement dématérialisée à notre époque, les artistes considèrent la matérialité de la photographie et explorent la relation entre la conception, le thème et l'exposition de l'œuvre.

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(extrait traduit du site de l'éditeur)

Les personnes que nous aimons le plus, restent souvent impossibles à comprendre. Dans son dernier livre, "Intimate Puzzle", le photographe français Maki s'intéresse à Masami, la femme avec laquelle il partage sa vie. À travers des photographies prises sur l'année 2012, nous voyons Masami dans diverses situations de la vie quotidienne : assise de l'autre côté de la table dans un restaurant, partageant un ascenseur, regardant son visage pendant qu'elle dort, chaque photo révélant (ou ajoutant) une autre facette de son être. Maki, habituellement adepte de l'analogique, a photographié l'ensemble de la série avec l'appareil photo de son téléphone portable. Peut-être en raison de l'omniprésence du téléphone portable dans la vie moderne, Maki a réussi à créer une série qui ne perd jamais sa fascination pour son sujet inépuisable.

"Expliquer en quelques mots la personne exceptionnelle qu’est Masami serait impossible et inutile puisque c’est ce qui, je l’espère, émane des pages de ce livre…".
- extrait de la postface de Maki (en français, anglais et japonais)

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Éditeur : Zen Foto Gallery

(extrait traduit du site de la galerie)

Kikuji Kawada (né en 1933) est l'un des photographes japonais les plus renommés. En 1956, il commence à travailler comme photographe pour le magazine Shūkan Shinchō, qui vient d'être fondé. Kawada entame une carrière qui durera plus de soixante ans et continue aujourd'hui encore à produire des séries acclamées par la critique. Son œuvre comprend de nombreux chefs-d'œuvre de l'histoire de la photographie, notamment "The Map" (1965), une série complexe et hautement métaphorique qui examine la mémoire collective d'après-guerre du Japon, et la série apocalyptique "The Last Cosmology", qui associe des phénomènes météorologiques cataclysmiques à des événements terrestres.

Kawada a commencé à travailler avec la photographie numérique à la fin des années 1990, produisant plusieurs corpus d'œuvres sur la ville moderne, en commençant par "Car Maniac" (1998) et en poursuivant avec "Invisible City" (2006), "2011-phenomena" (2012) et "Last Things" (2017). Ses œuvres font partie des collections de nombreux musées à travers le monde.

Inspiré par la série d'estampes de Francisco de Goya datant de la fin du XVIIIe siècle et critiquant la société espagnole, Kikuji Kawada a utilisé pour la première fois le titre "Los Caprichos" pour des photographies publiées dans un numéro de 1972 de Camera Mainichi et a poursuivi la série dans divers magazines photographiques japonais au cours des années suivantes. La première exposition de "Los Caprichos" a eu lieu à la Photo Gallery International (aujourd'hui PGI) à Tokyo en 1986. En 1998, la série a été incluse dans le livre de photos de Kawada "The Globe Theater", avec "The Last Cosmology" et "Car Maniac", les deux autres séries de sa Catastrophe Trilogy.

En 2017, Kawada a lancé un compte Instagram sur lequel il continue de publier ses photographies. Depuis 2018, il expose ses nouvelles œuvres dans le cadre de la série "Los Caprichos", de "Los Caprichos-Instagraphy-2017" en 2018 à "Los Caprichos - Near Far" en 2022, et maintenant "Los Caprichos - Demon of Tomorrow". Parallèlement à cette exposition au PGI, le Festival international de la photographie de Kyotographie 2024 présentera une exposition rétrospective retraçant le travail de Kawada depuis "The Map" en 1965 jusqu'à l'exposition "World's End" en 2010.

"Los Caprichos - Demon of Tomorrow" présente des instantanés urbains et des photographies de nuages et de la lune, sélectionnés parmi les œuvres Instagram de Kawada.

Depuis la publication de son premier livre "The Map" en 1965, Kawada est resté très perspicace face à l'évolution du climat social, ce qui se traduit par des œuvres qui capturent le sentiment de malaise et de suspense qui imprègne le monde après des événements tels que les attaques terroristes du 11 septembre, le tremblement de terre et le tsunami de 2011 dans l'est du Japon, ou la récente pandémie de Corona. Faisant écho au chef-d'œuvre de Goya "Le sommeil de la raison produit des monstres", "Demon of Tomorrow" de Kawada dépeint le monde à travers des motifs tels que les formes changeantes des nuages ou la lune qui brille dans l'obscurité des consciences engourdies. Les scènes filmées à travers la vitre d'une voiture, une technique qui apparaît dans de nombreuses séries de Kawada depuis "Car Maniac", hantent ici le spectateur avec encore plus d'acharnement.

Dans "Demon of Tomorrow", Kikuji Kawada utilise une fois de plus sa sensibilité unique pour découvrir la logique de notre époque, en traitant le temps et l'espace de son propre point de vue. Comment sa vision se synchronisera-t-elle avec le monde du public ?

L'exposition présente environ 40 tirages pigmentaires d'archives.

Los Caprichos , Demon of Tomorrow

Ma série "Caprichos" a dérivé à travers les synchronicités et les coïncidences à la recherche de nouvelles significations. Inachevée à jamais, son chaos se poursuit, enchaîné au démon de demain.

Les nuages, la lune, la ville sont mes compagnons incontournables. Lorsque Galileo Galilei a pointé son télescope vers le ciel nocturne de Florence, il était poussé par la curiosité de la science nouvelle et des souvenirs non découverts. Ce qui émerge maintenant, avec la lune trop proche et les nuages en mouvement, c'est l'ombre occasionnelle du démon.

Un après-midi, la lune dorée a recouvert le cercle du soleil. Les nuages se déchaînèrent et des souvenirs invisibles émergèrent de la ville voilée de bleu et de noir.

Kikuji Kawada

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Ibasho Gallery présente #64 Fleeting Moments - Naohiro Ninomiya

Ninomiya, né à Nagoya en 1969, a quitté le Japon pour s'installer à Strasbourg, en France, en 1988, afin de poursuivre son rêve de devenir artiste. Ce déménagement lui a permis non seulement d'explorer ses aspirations artistiques, mais aussi d'approfondir son appréciation de la culture et des philosophies de son pays d'origine. Des visites régulières au Japon, en particulier dans la région montagneuse de Gifu, sont une source d'inspiration pour ses photographies. C'est à Strasbourg que Ninomiya traduit ces expériences dans ses créations artistiques.

Dans les séries présentées, le lien profond entre Ninomiya et le Japon est indéniable. En outre, son œuvre est imprégnée de l'essence du wabi-sabi, qui célèbre la beauté de l'imperfection, de l'impermanence et de l'incomplétude.

La série « Katami » (2013) traite du caractère éphémère de la vie. Après le décès de sa mère, Ninomiya s'est lancé dans la création de photogrammes de ses kimonos en hommage à sa mémoire. Ces pièces éphémères reflètent de manière poignante la nature fragile de l'existence humaine.

Les eaux qui coulent dans les cascades de « Taki » (2010 - 2018) symbolisent le flux perpétuel et le passage du temps inhérents à la nature et à la vie.

L'eau est également l'habitat des carpes qui font l'objet de la série « Nokomi » (2017 - en cours), dans laquelle Ninomiya capture des carpes nageant en amont dans la même eau que celle utilisée pour fabriquer le papier washi sur lequel elles sont représentées. Les bords irréguliers des tirages soulignent non seulement la beauté trouvée dans l'imperfection, mais signifient également le mouvement constant au sein de l'eau et de l'univers en général.

La série en cours « Glanage », initiée en 2019, comprend de délicates vignettes en tons oro que Ninomiya rassemble, servant de gages de gratitude pour les moments fugaces de beauté rencontrés dans la vie de tous les jours.

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(extrait traduit du site de la galerie)

Yumiko Chiba Associates a le plaisir de présenter "Dimensions Unseen", une exposition personnelle de Kenryou Gu, né à Kyoto en 1994 et élevé à Shanghai. Il a étudié l'art contemporain et la photographie à l'université des arts de Kyoto et à l'école nationale supérieure des beaux-arts de photographie en France avant d'entamer sa carrière artistique. Il a commencé sa carrière en tant qu'artiste.

L'année dernière, Gu a attiré l'attention en tant qu'artiste prometteur avec son exposition solo "Gu Jianheng : Yin/Afterimage" au 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, dans le cadre de la série d'expositions "Aperto" du musée, qui présente principalement de jeunes artistes.

Gu a présenté des œuvres photographiques en utilisant une méthode qu'il appelle "tissage numérique", dans laquelle de multiples images photographiques sont décomposées pixel par pixel et combinées en les tissant ensemble par une manipulation à l'écran.
Dans cette nouvelle exposition personnelle, Gu présentera des œuvres basées sur des pierres qu'il a rencontrées lors d'une visite en Islande. Gu a envoyé les coordonnées des pierres à 16 amis de différentes parties du monde et leur a demandé de prendre des photos des pierres depuis leurs lieux respectifs. Les 16 images ont ensuite été assemblées au moyen d'un "tissage numérique".

L'exposition comprend ces images, ainsi que des photographies et des cartes des pierres prises par Gu. Les multiples fragments d'images, qui résultent de l'écart entre les coordonnées réelles de la terre sphérique et les coordonnées de la carte placée sur une surface plane, sont combinés sur un seul plan grâce au travail de "tissage numérique" de Gu sur les images. Il s'agit d'une exposition personnelle de nouvelles œuvres de Gu, qui tente d'élargir les possibilités d'expression photographique par la perception et la reconnaissance du monde à partir d'une seule pierre.

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(extrait du site de la galerie)

Les images présentées dans cette exposition tournent autour du parc de la paix de Nagasaki et de la statue commémorative de la paix qui se trouve en son centre. Historiquement, Nagasaki a abrité des communautés chrétiennes "cachées" tout au long de l'interdiction du christianisme par le shogunat Tokugawa, du début des années 1600 jusqu'au milieu du XIXe siècle. Les images de Kanagawa montrent des sujets couramment observés dans les environs, tels que des statues de la Vierge Marie et du Christ, des catholiques en train de prier devant des autels domestiques, ainsi que des individus, des bâtiments ou des lieux qui ont un lien quelconque avec la foi chrétienne. Parmi ces images, Kanagawa intercale des autoportraits.

En 2013, Kanagawa a été baptisé dans une église luthérienne à Shin-Okubo, Tokyo. À ce sujet, il déclare : "La foi n'est pas quelque chose que l'on peut facilement séparer en croyant ou en ne croyant pas ; la foi est une question d'essayer de croire ou de vouloir croire, ce qui signifie que ne pas croire est également inclus dans ce que cela signifie d'avoir la foi."

Indépendamment de cet aspect non croyant de sa foi, Kanagawa a décidé de se faire baptiser parce qu'il pensait que "la prière était bonne pour (lui)". Il explique : "J'ai senti que l'essence de la prière ne résidait pas dans la certitude de l'existence de Dieu à qui nous adressons nos pensées et nos paroles, mais j'ai senti que l'essence de la prière résidait dans l'acte même d'adresser nos pensées et nos paroles. Bien sûr, il serait exagéré de dire que cet acte seul fera naître l'objet de notre attention, mais la réalité de cette existence se manifeste avec le temps".

À la suggestion du sculpteur et critique Nodoka Odawara, Kanagawa a commencé en 2015 à visiter et à photographier Nagasaki. Odawara était la camarade de classe de Kanagawa à l'école supérieure de l'Université des arts de Tokyo et a effectué des recherches et rédigé des essais sur le contexte historique des sculptures de Nagasaki liées à la bombe atomique. Au début, l'appareil photo de Kanagawa s'est concentré sur des sujets représentant la culture chrétienne de Nagasaki en raison de sa foi, mais il a été de plus en plus attiré par la statue commémorative de la paix en tant qu'icône de la prière. Tout en critiquant le contexte historique des origines de la statue, Kanagawa est attiré par le vide du physique colossal et excessivement musclé de la statue et par sa nature hétérogène, qui découle de ses tentatives pour éviter l'adhésion à une religion particulière, et il déclare : "Personnellement, j'aime la statue". Il reconnaît également les problèmes liés à la masculinité, dans lesquels il est lui-même impliqué.

Alors que Nagasaki est souvent appelée "Nagasaki de la prière", dans cette exposition Prayer｜Nagasaki, Kanagawa utilise son propre corps et sa foi comme support, s'efforçant de créer une représentation photographique inédite de la ville.

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(extrait du site du musée)

Quels types de "souvenirs" les gens se sont-ils efforcés de capturer par le biais de la photographie et de la vidéo ? Outre les instantanés et les documentaires dont l'objectif est d'enregistrer des événements et des faits sur place, des tentatives ont également été faites pour transmettre des souvenirs invisibles en suscitant les émotions et les sensations des spectateurs et en développant leur imagination au-delà des limites du temps et de l'espace. Tout en utilisant la caractéristique de la photographie/vidéo comme moyen de relier les souvenirs des autres ou les images gravées dans le temps avec les propres souvenirs du spectateur, les artistes abordent chacun leur travail et leur pratique de manières vraiment différentes.
Partant des propositions de SHINOYAMA Kishin dans Dueling Theories of Photography (1976) et aboutissant à des thèmes tels que le vieillissement de la société et l'intelligence artificielle (IA), cette exposition présente plus de 70 nouvelles œuvres de sept groupes de huit artistes de premier plan du Japon, du Viêt Nam et de Finlande, dont certains n'ont jamais été exposés au Japon.

Artistes exposants :
SHINOYAMA Kishin, YONEDA Tomoko, NGUYỄN Trinh Thi (Vietnam), ODAWARA Nodoka, MURAYAMA Goro [concept : IKEGAMI Takashi (science) + MURAYAMA Goro (art) , production : Alternative Machine + Qosmo], Marja PIRILÄ (Finlande) , Satoko Sai+ Tomoko Kurahara

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Deux photographes et deux galeries mettent en place un échange d’exposition entre la France et le Japon. Patrick Rimond expose à la Kaïdo Gallery à Tokyo en mai prochain et Koji Onaka viendra exposer en novembre à Auxerre à la galerie L’Escalier. Deux photographes qui partagent le goût de la photographie de rue mais de manières bien différentes.

L’exposition « Ucycling Osaka » présentera quatre séries de Patrick Rimond.

Patrick Rimond a vécu à Osaka 9 ans de 1996 à 2005 où il a produit la série de paysage "Empire Urbain". Il a réutilisé plusieurs fois ces images pour créer de nouvelles séries. En 2020, il déchire ses tirages et réalise des collages rehaussées de couleurs. C'est la série "Rupture". En 2022, il extrait les lignes de force des images de la série "Rupture" pour créer la série "Infra", qui évoque des plans d'architecte. En 2024, avec l'intelligence artificielle, Patrick Rimond projette les photographies de la série "Empire Urbain" dans de futurs potentiels.

Un talk entre Patrick Rimond, Koji Onaka et Sophie Cavaliero aura lieu le samedi 25 à 18h.

Biographie

Après un diplôme d’ingénieur obtenu à Paris, Patrick Rimond s’installe au Japon pour neuf années où il explore sa pratique photographique en produisant paysages et portraits. Il y expose, est commissaire de la galerie du Centre Culturel Flamand et travaille pour l'agence VU.

À son retour en Europe en 2006, il s'ouvre à des collaborations avec d’autres artistes et travaille le médium photographique. Collages numériques ou non, films périmés, utilisation de photographies empruntées et intelligence artificielle s'ajoutent à sa pratique. Sa photographie est à la croisée de recherches formelles, miroir de la psyché, et de questionnement sur la relation au monde et à l'invisible.

Il a participé à la création de deux projets d’artist-run gallery avec Plateforme (Paris 20e) et La Générale en manufacture (Sèvres). et  a co-organisé le festival de post-photographie, la Biennale de l’Image Tangible à Paris. Dans ce champ photographique, il rejoint en 2019 la résidence Organoïde, Art et Sciences, initié par Fabrice Hyber et Olivier Schwartz à l’Institut Pasteur. En 2021, il ouvre L’Escalier, une galerie-atelier à Auxerre.

Il a publié cinq livres monographiques dont QASD 2019, Hudros 2016 (éd. Iki) et PORTRAITS 2009 (éd. Presses de l’ENSTA) et participé à plusieurs revues collectives. Son travail est régulièrement exposé - galerie Nadar, Tourcoing, galerie Sophie Leiser, Paris, Les Promenades Photographiques, Vendôme, MABA, Nogent-sur-Marne, galerie Lab Artyfact Paris, galerie Dufay-Bonnet , Paris, Musée d’Histoire de la Photographie, Cracovie, Plateforme, Paris, galerie KH15, Berlin, Kaïdo gallery, Tokyo...

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Ihei Kimura — Living in Photography
50 Years after His Death

En commémoration du 50e anniversaire de sa mort, cette exposition présente le travail d'Ihei Kimura (1901-1974), un photographe qui a contribué de manière significative à l'histoire de la photographie japonaise. Kimura a été l'un des premiers à reconnaître le potentiel des nouveaux appareils compacts au format 35 mm pour l'expression photographique, appareils qui commençaient à peine à être utilisés dans les années 1920. Kimura a établi sa réputation en réalisant des portraits de personnalités littéraires et des instantanés de scènes quotidiennes dans les vieux quartiers de Tokyo, en utilisant ces appareils. Lors de la première exposition personnelle de Kimura, Portrait Photography of Literary Figures with the Leica Camera, qui s'est tenue en 1933, Kimura a établi son style unique en capturant les réactions spontanées de ses sujets, plutôt que de réaliser des portraits traditionnels. En 1936, il se rend pour la première fois à Okinawa et enregistre la vie quotidienne des habitants, capturant l'essence de la vie quotidienne. Cela a contribué à établir sa réputation de "maître de l'appareil photo Leica".

Photographe prolifique, Kimura a laissé derrière lui de nombreux chefs-d'œuvre capturant un large éventail de sujets. Il s'agit notamment de photos publicitaires et promotionnelles, de photos de kabuki et d'autres représentations théâtrales, d'œuvres réalisées avec des films couleur pendant son séjour en Europe, et d'une série de photos sur le thème des villages ruraux de la préfecture d'Akita. Sa grande curiosité et ses riches expériences sont à l'origine de son remarquable travail photographique et de sa profonde compréhension du matériel photographique et des matériaux photosensibilisés. Conscient de la fonction sociale de la photographie, qui consiste à transmettre des images de l'activité humaine par le biais des médias imprimés, il s'est positionné en tant que photojournaliste. Son expression photographique, qui se caractérise par une perspective particulière, est unique et continuera à vivre dans la mémoire de ceux qui la verront.

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Tomoaki Ishihara crée des œuvres qui remettent en question le cadre des médias et la structure de la vision tout en franchissant les frontières de la photographie, de la peinture et de la sculpture. Ici, Ishihara présentera une installation vidéo basée sur l'hypothèse que l'"obscurité" peut être nécessaire pour une vision stable du monde, dérivée de la recherche sur les mouvements oculaires de "saccade" et l'image rémanente visuelle.

Les yeux bougent. Ils sont toujours en mouvement. Il ne s'agit pas de simples mouvements du corps, mais on dit que le globe oculaire tremble environ trois fois par seconde. Ce mouvement inconscient de l'œil est appelé "saccade". Malgré ces mouvements oculaires, le monde apparaît stable, sans aucune distinction. Il existe des explications scientifiques à ce phénomène, mais il est assez étrange que les humains n'aient pas le mal des transports dans leurs véhicules, car le monde devrait être constamment en mouvement instable.

Par ailleurs, j'ai entendu dire que le phénomène de "l'image rémanente" facilite les transitions fluides entre les images d'un film. En réalité, il y a une obscurité entre chaque image. Mais on dit que dans cette obscurité, le spectateur reste avec l'image rémanente de ce qu'il regardait l'instant d'avant. Ce phénomène d'image rémanente m'a été rappelé lorsque j'ai découvert le phénomène de la saccade. L'obscurité est peut-être nécessaire à la stabilité du monde.

Tomoaki Ishihara

Cette exposition est organisée dans le cadre des programmes de partenariat du festival international d'art et de visions alternatives de Yebisu 2024.

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Nous sommes heureux de vous présenter  la publication de la monographie de Shinichiro Uchikura, The Sea of Oblivion (Akaaka Art Publishing, Inc.), publiée en 2023. Shinichiro Uchikura est un photographe originaire de la ville de Nobeoka, dans la préfecture de Miyazaki. Après avoir étudié la photographie à Osaka, il a commencé sa carrière en présentant des clichés de rue et des autoportraits. Depuis qu'il a repris le studio photo de son père en 2009, il s'est installé dans la préfecture de Miyazaki, où il a réalisé diverses œuvres photographiques. Ses portraits, qui ont donné lieu à la monographie My Portrait (2020, Akaaka Art Publishing, Inc.), ont été récompensés et salués par de nombreux prix. Sa précédente œuvre, Collection, dans laquelle il a photographié divers objets abandonnés à Nobeoka, a remporté le 41e prix d'excellence Canon New Cosmos of Photography et a été sélectionnée pour le "Tokyo Photography Month 2022" organisé par la Japan Photographic Society et le Tokyo Metropolitan Museum of Photography.

Pour The Sea of Oblivion, Uchikura dit avoir été absorbé par une promenade en bord de mer, un appareil photo à la main, où de nombreux plastiques, objets de la vie quotidienne et débris inattendus s'étaient échoués. Recueillant les voix aphones des choses qui ont cessé d'exister, les images sont comme les derniers portraits de ces objets. En prenant une vue d'ensemble des traces de l'activité humaine, l'œuvre transcende le temps et évoque même un sentiment d'émerveillement.

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Voici le lien de la dernière exposition présentant la série du livre. Cliquez ici

À l’occasion d’une publication aux éditions Volonté d’art, le musée des Arts décoratifs présente à la bibliothèque, du 8 novembre 2023 au 28 janvier 2024, l’exposition « Le Japon en couleurs. Photographies du XIXe siècle ». 35 photographies inédites rehaussées de couleurs issues du fonds de photographies japonaises composé de plus de 800 épreuves, illustrent une vision pittoresque du Japon. Appartenant à la vogue des « Yokohama Shashin », ces images offrent une version théâtralisée et stéréotypée du pays du Soleil Levant.

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Pour la première fois depuis 2005, Rinko Kawauchi revient à Paris, avec une exposition pensée sur mesure pour Photo Days dans un lieu privé exceptionnel, la Fondazione Sozzani.

Rinko Kawauchi (née en 1972) est réputée pour la douceur et la luminosité de ses photographies couleurs qui révèlent, depuis ses premières œuvres, le mystère, l'éclat, la fragilité et la force de la vie sous toutes ses formes. Son regard se pose aussi bien sur les êtres délicats de son environnement immédiat, qu'il s'agisse de la flore, de la faune ou des membres de sa famille, que sur les grandes forces de la nature que constituent les volcans et les glaciers formés au cours de longues périodes temporelles. La sensibilité unique de sa photographie révèle les liens entre ces sujets, qui brillent tous d'un même éclat vital.

L’exposition imaginée ici par Rinko Kawauchi est constituée d’une installation spectaculaire qui occupe la hauteur sous plafond de cet ancien bâtiment industriel, d’une vidéo, et d’un ensemble de photographies sélectionné à partir de ses dernières séries, M/E, An Interlinking et Illuminance.

Avec le soutien de Dance Reflections by Van Cleef & Arpels

Née en 1972, Rinko Kawauchi vit et travaille au Japon.
Représentée par la galerie Priska Pasquer Paris

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 Takashi Homma(né à Tokyo en 1962) a reçu le 24e prix Kimura Ihei pour son livre de photos Tokyo Suburbia (publié par Korinsha) en 1999. L'ouvrage a été très apprécié pour la manière dont Homma maintenait une certaine distance par rapport à ses sujets - des personnes et des paysages de la banlieue de Tokyo en cours de développement - et une perspective dépourvue de lyrisme.

En 2011 et 2012, Homma a organisé une exposition solo de grande envergure intitulée New Documentary, qui a été présentée dans trois musées au Japon. L'exposition comprenait à la fois des œuvres anciennes et nouvelles, offrant une vue d'ensemble des photographies et des vidéos de l'artiste. Elle comprenait ses premiers travaux pour des publications telles que le magazine culturel i-D, Tokyo and My Daughter, une œuvre qui se concentre sur des scènes de Tokyo et une jeune fille qui grandit dans cette ville en constante évolution, ainsi qu'une œuvre vidéo basée sur le photographe Nakahira Takuma.

Cette exposition, la première exposition individuelle de Homma dans un musée japonais depuis une dizaine d'années, se concentre sur des séries telles que The Narcissistic City, que l'artiste a décrite comme une tentative "d'utiliser la ville pour filmer la ville" en photographiant des villes du monde entier en utilisant des pièces comme s'il s'agissait d'appareils photo à sténopé. La lumière qui pénètre par un petit trou ouvert sur l'extérieur capture spontanément des paysages urbains inversés à l'intérieur de la pièce plongée dans le noir.

L'improvisation est l'un des mots clés de l'exposition. Homma s'intéresse actuellement à l'incorporation du hasard dans ses œuvres et ses expositions, et le titre anglais de cette exposition est "Improvisation".

Organisé par Tokyo Metropolitan Government, Tokyo Photographic Art Museum et mis en oeuvre par Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture

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La galerie VLC by AKIO NAGASAWA présente une exposition des photographies de Keiichi Tahara intitulée Keiichi Tahara "Torse, 1987-1995"

Né à Kyoto en 1951, Keiichi Tahara s'installe en France en 1971.
Il commence sa carrière de photographe, captivé par la lumière perçante de l'Europe, comparée à la lumière douce du Japon.
En 1977, à l'âge de 26 ans, il remporte le Grand Prix du Festival international d'Arles pour sa série Fenêtre, 1973-1981 qui le propulse sur le devant de la scène internationale.
Installé à Paris jusqu'en 2006, Tahara a travaillé sur des projets pour le gouvernement français dans un large éventail de genres tels que la photographie, la sculpture, l'installation et l'architecture sous le thème de la "lumière". Il a organisé de nombreuses expositions au Japon et en Europe.
Il a reçu de nombreux prix, dont le Kimura Ihei Photography Award, le Prix Nicéphore Nièpce, Chevalier des Arts et des Lettres de France, et le Grand Prix de la Ville de Paris.

Ses principales publications comprennent Architecture de Fin de Siècle (Kodansha), Architecture de Fin de Siècle (Taschen America LIC), L'Opéra de Paris (Bunkensha), et Light-Sculpture-Photography (ASSOULINE/MEP), etc. Tout en produisant ses propres œuvres, il a également participé à divers projets en tant que premier consultant japonais en stratégie de marque pour des maisons internationales telles que Cartier et Dom Pérignon. En 2017, il a organisé la première exposition à grande échelle au monde à la Galerie nationale de Prague.

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Depuis 2002, le musée d'art photographique de Tokyo organise une exposition annuelle de photographie japonaise contemporaine afin de soutenir les esprits créatifs qui repoussent les limites de la photographie et du cinéma, de découvrir des artistes prometteurs et de présenter de nouveaux projets créatifs. Le vingtième volume de cette année présente cinq artistes et explore leur volonté de vivre en des temps incertains.
Depuis l'aube du XXIe siècle, nos vies ont été bouleversées par une série d'événements majeurs, à commencer par les attaques terroristes aux États-Unis, le tremblement de terre du Grand Est du Japon, la pandémie COVID-19 et l'invasion de l'Ukraine par la Russie. L'incertitude quant à l'avenir peut alimenter l'anxiété, la confusion et l'hésitation à essayer de nouvelles choses. Nous craignons de commettre des erreurs, nous reculons devant les défis et nous nous retrouvons dans une “solitude ten thousand fathoms deep” (W.H. Auden). Comment pouvons-nous nous libérer de cette tension spirituelle ?

Cette exposition présente cinq artistes qui sont confrontés à cette solitude profonde et dont les approches uniques de l'art photographique reflètent leurs motivations à vivre. Même lorsqu'ils sont plongés dans la solitude, leurs œuvres recherchent la connexion avec les autres, nous aident à nous libérer de l'entêtement et nous rappellent les choses qui enrichissent notre vie.
“Leap before you look” (qui pourrait se traduire par "Sauter avant de regarder") a toujours fait partie de la façon dont nous menons notre vie.

Artistes exposés
Utsu Yumiko -
Fuchikami Yuta
Hoshi Haruto
Mumuko
Yamagami Shimpei

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À l’occasion d’une publication aux éditions Volonté d’art, le musée des Arts décoratifs présente à la bibliothèque, du 8 novembre 2023 au 28 janvier 2024, l’exposition « Le Japon en couleurs. Photographies du XIXe siècle ». 35 photographies inédites rehaussées de couleurs issues du fonds de photographies japonaises composé de plus de 800 épreuves, illustrent une vision pittoresque du Japon. Appartenant à la vogue des « Yokohama Shashin », ces images offrent une version théâtralisée et stéréotypée du pays du Soleil Levant.

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La galerie The Third Gallery Aya présente la nouvelle série de Hiromi Kakimoto, Star Boy : Night of the Flood.

Pour créer cette série photographique, Hiromi Kakimoto a été inspirée après avoir vu des photos de son père décédé dans un vieil album de famille. Cela l'a amenée à réfléchir à la relation entre la photographie et la mémoire, ainsi qu'à la nature des médias, tout en s'inspirant d'anecdotes que son père lui a racontées de son vivant.

Hiromi Kakimoto a fait ses débuts avec Returning Memory, dans lequel elle a exploré ses propres souvenirs en photographiant sa jeune sœur. Dans Little World, elle a évoqué un monde idéal dans l'imagination des jeunes filles, et dans sa série emblématique The Time of the Cocoon, elle a convoqué des images du subconscient issues des souvenirs et des rêves des jeunes filles. Au cours de résidences en Suisse et en Suède, elle s'est intéressée au processus de construction de nouveaux récits à partir de souvenirs ambigus, et a continué à reconstruire photographiquement des souvenirs occupant une zone intermédiaire entre le réel et l'irréel et des traditions transmises de génération en génération.

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Le photographe japonais Hiroyuki Takenouchi (né en 1982 à Tokyo) a commencé sa carrière après avoir obtenu son diplôme de l'Institut supérieur de photographie de l'Université des arts de Nihon en 2008. Il a reçu une mention honorable au New Cosmos of Photography Awards en 2008 et le Special Award au Shiogama Photo Festival en 2009. Il a notamment exposé Liberty City (P.G.I.), Crow (P.G.I.), Things will get better with time (Gallery Trax), The Fourth Wall (PGI) et Distance and Depth (Studio Staff Only).
Qu'il prenne des photos de paysages urbains, d'arbres et de fleurs dans la nature, de la vie quotidienne ou d'amis chers, Takenouchi défie les règles tacites de la société et s'efforce de révéler la nature cachée de ses sujets. Confrontant la solitude, l'aliénation et les actions souvent négligées, sa photographie est une enquête sur les nuances de la diversité et de l'identité. Avec sa perspective unique et son regard tranquille, Takenouchi nous laisse entrevoir la beauté d'existences équivalentes.

Cette exposition présente des images de la nouvelle série Warp and Woof de Takenouchi, dont le titre fait allusion aux éléments de base du tissage et, par extension, aux fondations du monde.

Écoutons l'artiste nous parler de son exposition :

J'ai vécu une sorte de choc culturel lorsque j'ai visité une commune hippie pour une séance photo. C'était un monde avec des coutumes, des attitudes et des modes de vie complètement différents de ce que j'avais connu dans ma propre vie.
Le soir, au fin fond des montagnes, ma rédactrice et moi avons parlé de notre perplexité. Elle m'a dit : "N'avez-vous pas l'impression que le champ de réflexion de votre esprit s'agrandit lorsque vous rencontrez un monde différent comme celui-ci ?" Et en l'entendant ainsi, quelque chose d'important s'est mis en place pour moi.

Depuis lors, j'ai commencé à photographier des paysages avec mon téléobjectif habituel, dans le but de prêter attention non seulement aux paysages qui m'entourent, mais aussi au monde auquel ils appartiennent.
En juxtaposant des paysages différents dans des perspectives similaires et des paysages similaires dans des perspectives différentes, je compose ma propre cartographie de l'esprit.

La galerie PGI présente cette série. Pour plus d'information, voir ci-dessous

Né à Kyoto en 1951, Keiichi Tahara s'installe en France en 1971.Il commence sa carrière de photographe, captivé par la lumière perçante de l'Europe que l'on compare à la lumière douce du Japon.
En 1977, à l'âge de 26 ans, il remporte le Grand Prix du Festival international d'Arles pour sa série Fenêtre, 1973-1981 qui le propulse sur le devant de la scène internationale.
Installé à Paris jusqu'en 2006, Tahara a travaillé sur des projets pour le gouvernement français dans un large éventail de genres tels que la photographie, la sculpture, l'installation et l'architecture sous le thème de la "lumière". Il a organisé de nombreuses expositions au Japon et en Europe.
Il a reçu de nombreux prix, dont le Kimura Ihei Photography Award, le Prix Nicéphore Nièpce, Chevalier des Arts et des Lettres de France, et le Grand Prix de la Ville de Paris.

La galerie VLC Gallery by AKIO NAGASAWA présente cette série.

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Le Musée - Tokyo Photographic Art Museum, appelé TOP Museum -  présente une rétrospective intitulée "Masahisa Fukase 1961-1991 Retrospective" du 3 mars au 4 juin. En se concentrant sur sa vie personnelle, Masahisa Fukase s'est taillé une place unique dans l'histoire de la photographie japonaise des années 1960. En explorant les origines de la photographie, Fukase a développé une pratique majeure au sein d'un groupe d'artistes associés à ce qui fut plus tard connu sous le nom de shi-shashin ("I-photographie"). Fukase a braqué son appareil photo sur son entourage immédiat, y compris sa femme et sa famille. Tout en exposant sa propre vie privée, il a consciemment exploré la folie qui sommeillait au plus profond de lui-même. Cette folie a donné naissance à des œuvres remarquables et inégalées qui combinent le regard affectueux de Fukase pour ses sujets et son sens de l'humour insouciant.

Cette exposition présente un ensemble substantiel d'œuvres, y compris des pièces de la collection du musée tirées d'œuvres majeures de Fukase, telles que "Yūgi (Homo Ludence)", "Yōko", "Karasu" (Ravens) et "Kazoku" (Family). Parmi les autres œuvres marquantes, citons "Yōko" (qui fait partie de la série "From Window"), "Karasu" (Ravens), acquise par le Nihon University College of Art au début des années 1980, ainsi que "Bukubuku" et "Sasuke", qui proviennent tous deux d'une collection privée. Retraçant la trajectoire de Fukase des années 1960 au début des années 1990, l'exposition offre aux visiteurs l'occasion de découvrir l'univers unique de l'artiste.

Chapitres
1｜”Yūgi [Homo Ludence]”
2｜”Yōko”
3｜”Kazoku [Family]”
4｜”Karasu [Ravens]”
5｜”Sasuke”
6｜”Aruku me [Walking Eye]”
7｜”Shikei [Private Scenes]”
8｜”Bukubuku"

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Mayumi Suzuki est née en 1977 dans la ville d'Onagawa, préfecture de Miyagi, et vit et travaille actuellement à Zushi, préfecture de Kanagawa. Après avoir obtenu son diplôme, elle a travaillé comme photographe indépendante, se concentrant sur les portraits. Le grand tremblement de terre de l'est du Japon a frappé le 11 mars 2011. La ville natale de Suzuki, Onagawa, a été détruite par le tsunami et ses parents ont perdu la vie. Depuis lors, elle est souvent retournée dans sa ville natale pour enregistrer les efforts des habitants de la région pour sortir de la catastrophe. Elle est actuellement professeure adjointe de photographie au département de photographie du Nihon University College of Art.

Les expositions personnelles récentes de Suzuki incluent "The Restoration Will/The Place to appartenir" (2018, Galeria Miejska Arsenał, Poznań, Pologne), "The Restoration Will" (2018, SPAZIO LABO, Bologne, Italie), "The Restoration Will" (2017 , RAPPELS PHOTOGRAPHY STRONGHOLD, Tokyo).
Les expositions collectives incluent KYOTOGRAPHIE « 10/10 Celebrating Contemporary Japanese Women Photographers » (2022, HOSOO GALLERY, Kyoto), « Biennale de Photographie en Condroz » (2021, Belgique) et « Twilight Daylight Contemporary Japanese Photography vol.17 » (2020, Musée d'art photographique de Tokyo, Tokyo).

Suzuki a reçu le prix du meilleur livre de photographie de l'année PHotoESPAÑA 2018 (2018, Espagne) et a été sélectionné comme grand prix pour le Photobox (2018, Italie), entre autres.

La première série de Mayumi Suzuki, The Restoration Will, était une œuvre intime où l'artiste acceptait calmement les évènements qui lui étaient arrivés, ainsi qu'à sa famille, à la suite du grand tremblement de terre de l'est du Japon, et doucement, mais sans détour, levait la tête pour regarder et aller de l'avant. Sa série suivante, HOJO, qui signifie « fertilité » en anglais, est également basée sur ses propres expériences. Aujourd'hui l'artiste Mayumi Suzuki présente cette série à la galerie KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY.

L'artiste Mayumi Suzuki parle de ce projet

En japonais, 豊穣 (HOJO) fait référence à une terre en abondance ou à une bonne récolte. En anglais, il est généralement traduit par « fertilité ». Au Japon, les femmes sont traditionnellement vénérées comme des déesses de HOJO. L'idéal étant doté de récoltes abondantes et de nombreux enfants y ont été associés.

Ce projet est basé sur mon expérience de la fécondation in vitro (FIV), que j'ai commencée à l'âge de 41 ans. J'essaie de reconnaître mon existence comme une "valeur aberrante". Me photographier dans le noir avec un projecteur sur moi et une exposition d'environ 60 secondes m'a donné le temps de me regarder longuement et attentivement. Parfois, cela m'a rappelé les moments d'anxiété sur la chaise d'examen du médecin, la douleur de la récupération des ovules et la faible anticipation de l'implantation. À d'autres moments, j'ai ressenti une sensation de calme.

Le médecin utilise 60 secondes pour examiner le patient sur la chaise d'examen. Il ne prend pas beaucoup de temps pour examiner chaque femme. Elles sont nombreuses à venir à la clinique, les unes après les autres. J'avais espéré être examiné plus attentivement. En rentrant de la clinique, au marché, j'ai trouvé des légumes difformes qui n'avaient pas été vendus. Ils avaient l'air misérables, comme ma propre incapacité à concevoir. J'ai donc pensé à photographier et à manipuler chaque légume avec douceur. Pour le processus, j'utilise du papier positif direct et je travaille avec un appareil photo 4x5 pouces. Cette méthode me permet de contrôler l'exposition pour recréer le temps d'un examen dans une clinique de FIV.

J'ai aussi utilisé des photos d'ovules fécondés que j'ai reçus de la clinique. Ce sont des images brutes et pixélisées. D'après eux, il est difficile de faire la différence entre un ovule fécondé qui peut permettre de tomber enceinte et un autre qui ne le permet pas. Lorsque vous zoomez, c'est juste un point. S'il y a un facteur dans les centaines de millions de cellules de mon corps qui m'empêche de concevoir, je dois rechercher cette valeur aberrante. Je me souviens de terres infertiles sans fin.

De nos jours, les femmes peuvent choisir comment elles veulent vivre. Mais parfois, elles doivent accepter un destin sur lequel elles n'ont aucun contrôle. Même si mon propre corps n'est pas «fertile», je veux en être fière parce que c'est ma vie.

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Osamu Kanemura est connu pour ses solides photographies de paysages urbains et de ruelles encombrées de fils électriques, de panneaux publicitaires et de bâtiments. Mais depuis quelques années, il se consacre également à l'exposition de dessins, de collages et de vidéos. Cette exposition comprendra une installation vidéo et des collages de coupures de journaux et de magazines.

MEM est une galerie locale affiliée à 2023 Yebizo Meets, et cette exposition sera organisée en collaboration avec le Festival international d'art et de visions alternatives de Yebisu 2023.

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IBASHO est fier de présenter la deuxième exposition personnelle à la galerie de la photographe japonaise Yoko Ikeda. L'exposition coïncide avec le lancement de son nouveau livre "Contrepoint", qui est une coproduction d'IBASHO & the(M) éditions. Comme le livre, l'exposition sera une vitrine de l'œuvre d'Ikeda

Ikeda est né dans la ville de Kanazawa, préfecture d'Ishikawa. Elle travaille et vit à Tokyo. Elle a étudié au département de recherche du Tokyo College of Photography. En 2013, elle a reçu le Philadelphia Museum of Art Purchase Award et en 2016, elle a reçu le prestigieux Higashikawa New Photographer Award. En 2018, Ikeda a reçu le prix Alpa pour son travail présenté à Photo Basel. Le travail d'Ikeda a été largement exposé en Europe, aux États-Unis et au Japon. En 2015, année où Mons est capitale européenne de la culture, son travail fait partie de Regards de femmes à la Maison Folie.

Parasols en plastique transparent bon marché posés sur le béton gris ; des objets plutôt simples et banals dans l'une des photographies de Yoko Ikeda. L'image qu'Ikeda s'est faite de cette scène est pourtant poétique, fragile, presque éphémère. Elle a la capacité extraordinaire de voir la beauté d'objets apparemment sans signification et de les élever à de beaux sujets précieux dans ses photographies. Ses images montrent du respect pour chaque petit élément qui forme notre grand monde. Ikeda joue avec les ombres, les couleurs, les lignes et les textures qu'elle rencontre en se déplaçant et en observant la vie quotidienne.

Au moyen de son appareil photo, Ikeda a créé sa propre façon de voir et de montrer un monde extérieur que l'on ne pourrait normalement pas voir. Dans les compositions d'Ikeda, il n'y a souvent aucun point de référence. L'espace est aplati et abstrait, le lieu est ambigu. Elle expérimente des points de vue et des focus inhabituels. Ikeda recherche les contrastes de forme et de lumière et use de cadrages inattendus.

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Depuis les années 1970, Masako Matsui expose des photographies prises au Portugal et dans les anciennes colonies, ainsi qu'à l'étranger, dans le but de capturer les émotions communes qui existent dans différentes politiques, religions et cultures. Cette exposition présente des photographies inédites prises lors d'un voyage en Corée en 1981 - 82 . Il s'agit de la suite de l'exposition intitulée "Winter WanderingsⅠ-South Korea,1981/82-" qui s'est tenue en juin 2022.

"Lorsque j'ai visité la Corée du Sud pour la première fois, c'était une époque où l'assassinat du président Park Chung-hee en 1979 et l'incident de Gwangju en 1980 ont laissé une ombre forte sur le pays. Le public était principalement composé d'hommes. À Séoul, des chansons patriotiques étaient jouées. avant l'ouverture du théâtre et dans les rues tous les soirs, et tout le monde se tenait droit. De minuit à 4 heures du matin, aucune sortie nocturne n'était interdite. Il y avait aussi une répression des cheveux longs qui ne faisait pas de distinction entre les hommes et femmes.

Beaucoup de jeunes portaient des uniformes de camouflage et des uniformes scolaires. Ce fut un lourd voyage hivernal qui m'a fait réaliser que le pays était en trêve militaire. Il a montré une apparence simple qui est différente de la Corée, qui a l'impression d'être rigide ces derniers temps. Ce que vous pourrez voir lors de votre voyage sera un moment sur place. La ville, comme un être vivant, montre toujours une apparence complètement différente selon l'époque, la saison, le jour de la semaine, l'heure de la journée, etc., même au même endroit. Et parfois, la vision est universelle. Dans ce monde instable où des événements au-delà des attentes humaines se succèdent, je me suis demandé s'il était significatif d'exposer un certain moment dans le pays où j'ai voyagé autrefois, car il a disparu. Je voulais faire exister des moments du quotidien à travers la photographie ce lieu à ce moment-là.

Lieu : Séoul, Gyeongju, Busan, Jeju, Mokpo, Gwangju, Jeonju, Suwon. (Masako Matsui)

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Présentation de l'exposition par le museum

Depuis que Rika Nogichi a reçu le premier prix dans la catégorie photographie "the 3.3m2 Exhibition" en 1995 et au concours New Cosmos of Photography en 1996, elle est considérée comme l'une des plus grandes photographes contemporaines du Japon, avec ses photographies et ses œuvres vidéo présentées dans de nombreuses expositions, tant au niveau national et à l'étranger. À travers des séries telles que A Prime (à partir de 1997), I Dreamed of Flying (2003) et The Sun (2005-08), To the Night Planet (2014-15), son travail a exploré la relation que les humains entretiennent avec des royaumes inconnus tels que les lieux sous-marins, à haute altitude et l'espace extra-atmosphérique. Ces dernières années, à travers une exploration des innombrables petites énigmes qui parsèment notre quotidien et notre environnement immédiat, elle a poursuivi une forme d'expression photographique qui libère les sens et l'imagination du spectateur.

De ses premières séries à ses pièces les plus récentes, cette exposition rassemble des œuvres de l'ensemble de la carrière d'une artiste qui produit des photos et des vidéos depuis plus de trente ans. Celles-ci ne sont pas présentées dans un ordre chronologique mais plutôt selon un agencement non linéaire qui permet aux œuvres de mieux se parler, les montrant sous un jour nouveau. Combinant des photographies, des œuvres vidéo, des dessins et plus encore, et guidée par le "petit miracle" de la manière dont la photographie est capable de transcender le temps et l'espace, l'exposition présente les différentes scènes et lieux que Rika Noguchi a rencontrés au cours de toutes ses années de travail,  de la première série To Dive (1995) à son œuvre la plus récente, A Palm Tree (2022). Les visiteurs rencontrant l'expressivité unique de Noguchi ont l'occasion de réexaminer la signification des différentes formes de vie existant dans ce monde et de réfléchir en quoi consiste le pouvoir mystérieux des photographies et de la vidéo.

Rika Nogichi
Née à Saitama City en 1971, Rika Nogichi commence la pratique de la photographie en 1992, développant une pratique centrée sur les expositions. Elle a participé à de nombreuses expositions d'art internationales. En 2002, elle a reçu le 52e prix d'encouragement artistique du ministre de l'Éducation pour les nouveaux artistes. Ses principales expositions à l'intérieur du Japon incluent le sentiment que quelque chose se passe (Marugame Genichiro-Inokuma Museum of Contemporary Art [MIMOCA], 2001), I Dreamed of Flying (The Hara Museum of Contemporary Art, 2004) et The light reaching the future (Izu Photo Museum, 2011-2012). Ses œuvres font partie des collections du National Museum of Modern Art, Tokyo, du National Museum of Art, Osaka, du Musée Guggenheim et du Centre Pompidou.

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7 galeries photo (Blitz Gallery,  Bloom Gallery, Kana Kawanishi Gallery, PGI, Poetic Scape, The Third Gallery Aya et Wadagarou ) et 8 éditeurs/librairies ( FUGENSHA, Tsutaya books, Kana Kawanishi art office, Libro Arte, PURPLE / AKAAKA, Seigensha Art Publishing, Shelf, Torch press)  se réunissent à Hibiya OKUROJI, un lieu sous les voies ferrées surélevées, où les obsessions des adultes se cachent dans les profondeurs d'Hibiya, et une nouvelle foire d'art spécialisée dans la photographie est lancée en ce week end d'octobre 2022.

Le Japon possède la meilleure technologie d'impression au monde, le premier fabricant mondial d'appareils photo, une histoire incroyable d'édition de livres photo et de nombreux photographes exceptionnels qui se sont fait un nom dans l'histoire de la photographie. Cependant le marché local de la photographie a chuté au profit de l'Europe et des États-Unis. Préoccupés par cette situation, les galeries commerciales spécialisées dans la photographie et les éditeurs spécialisés dans les livres photo se rassemblent ici afin d'apporter un avenir meilleur au marché de la photographie au Japon. Un nouveau lieu de rencontres à découvrir.

Pour plus d'information, n'hésitez pas à visiter leur Instagram (ou leur site ci-dessous uniquement en japonais) : cliquez ici

Artist Statement
L'herbe mystérieuse "KON-TA-RA-E-RU-HA" [昆答刺越兒發], figurait dans plusieurs prescriptions de médicaments hollandais à l'époque d'Edo. "Contra" signifie contre-poison et "yerba" est une herbe en espagnol. C'est le sens de KONTARAERUHA.

J'ai suivi la trace de KONTARAERUHA dans de vieux livres d'études hollandaises au Japon et des livres d'herboristerie ou de médecine écrits pendant les Grandes Découvertes, plusieurs plantes partageant ce même nom sont apparues puis ont disparu. Je me suis égaré dans le labyrinthe où le temps s'est étiré sur 500 ans entre le XVe siècle et le présent et l'espace s'est étendu de l'Europe à l'Asie et à l'Amérique.

Dans mon voyage de quête des traces de cette plante médicinale qui n'est plus utilisée aujourd'hui, sont apparus dans un réseau qui s'est formé pendant plusieurs centaines d'années incluant des personnes en quête de contrayerba et l'exploitation de ces plantes comme des marchandises telles que les épices ou les médicaments commercialisés partout dans le monde. Au-delà de cette perspective, nous sommes passés à côté des l'aspects des plantes en tant qu'organismes vivant au-delà de la dimension de ce que nous en faisons en tant qu'être humain.

Dans les formes stratifiées de la forêt où j'ai atteint la fin du voyage, nos interprétations enchevêtrées autour de contrayerba ont été revues pour ne pas voir uniquement le poison dérivé de la catégorisation de la plante comme son nom l'indique, et revisitées comme un événement innommable créé par le passage du temps géologique. Cet événement est rempli d'échos qui subsistent après que les mots perdent leur sens, des voix sans voix, qui ne seraient pas entendues sans aiguiser nos sens.

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On ne présente plus Keizo Kitajima, grand photographe  japonais, qui a ouvert avec Daido Moriyama  le 'magasin d'images' CAMP,  un espace expérimental pionnier pour les photographes avant la création du système des galeries. Dans sa légendaire série expérimentale Photo Express (1979), Kitajima a photographié les gens dans les bars et dans les rues de Shinjuku la nuit et a converti la galerie en chambre noire pour faire des tirages muraux comme un événement de performance publique, et a même publié les images sous forme de livret instantané. À travers ces processus de livraison immédiate d'images, l'artiste a exploré les façons dont le temps affecte la photographie en termes de documentation, d'enregistrement et de mémoire.

Dans les années 80, Kitajima a passé six mois à New York à errer dans ses rues et à traîner dans ses clubs (série - New York- 1982) . Il présente une vision du New York des années 1980, pleine d'énergie, de décadence et de moments de désespoir tranquille. Comme la ville, la publication est pleine de juxtapositions austères, des démonstrations flamboyantes de comportements scandaleux sont montrées à côté d'images de désolation et d'abattement. Pour ce livre photo, Kitajima a reçu l'important prix Kimura Ihei en 1983.

Pour son édition - in)(between record vol. 46, Luigi Clavareau présente des sérigraphies exécutées avec la collaboration de Keizo Kitajima à la galerie PlaceM Yokohama.

Shinichiro Uchikura, fait des portraits photographiques depuis le début de sa carrière dans son studio. Dans une lumière naturelle mais dans un décor de studio, il photographie des gens "ordinaires", des clients mais avec une vision préalable d'en faire des portraits artistiques. Ses travaux de portrait ont été reconnus par des prix tels que la mention honorable Canon New Cosmos of Photography (sélectionné par Minoru Shimizu) et la publication de son livre photo My Portrait (2020) par Akaaka Art Publishing.

Les sujets éclairés sur un fond d'un noir absolu, Uchikura prend plusieurs centaines de clichés en l'espace de cinq à dix minutes, puis sélectionne les quelques moments imprévisibles au cours desquels ses sujets lâchent leurs masques et des expressions inattendues apparaissent. Alors que les photographies répondent aux conventions méthodologiques d'une « bonne photographie de portrait » standard, elles ont toutes leur propre texture unique, leur propre « présence » unique en plus du sujet capturé, leur propre monde mystérieux.

Dans cette exposition, « The Floating Portrait », Uchikura présente un ensemble de portraits inédits montrant une nouvelle évolution. Dans ces photographies, prises d'une hauteur d'environ 3 mètres, les sujets ont tous les yeux fermés, et l'atmosphère unique que chacun a eue depuis sa naissance semble être captée.

Uchikura dit qu'il a créé les photographies en se sentant "comme si leur présence flottait juste devant moi" dans "une dimension où même la frontière entre la vie et la mort a presque disparu". La présence de chaque individu émergeant du monde tranquille se sent certainement comme une présence mystérieuse émanant du corps.

Sept visions et sept expériences photographiques

Avec Ken Kitano/Yuji Hamada/Miki Nitadori/Risaku Suzuki/ Kazuyoshi Usui/Yuki Ono dera/Naruki Oshima

Le livre se compose d'entretiens individuels avec sept artistes japonais, basés au Japon et en France. Ils travaillent ensemble en tant que collectif d'artistes sous le même nom que le titre de ce livre - Photographie?End?. Les membres sont : Yuji Hamada, Ken Kitano, Miki Nitadori, Yuki Onodera, Naruki Oshima, Risaku Suzuki et Kazuyoshi Usui. Les entretiens ont été menés et édités par le commissaire d’exposition Mitsuhiro Wakayama, qui demande comment les artistes en sont venus à adopter le médium de la photographie dans le développement de leur travail et quel rôle ce médium a joué dans leur création jusqu'à présent. Le livre explore le travail de chacun des artistes, révélant à la fois leurs qualités communes et contrastées telles qu'elles sont. Les artistes espèrent que cela pourrait être un point de départ pour que le lecteur découvre ou questionne ce que peut être la photographie contemporaine. Chacune des entrevues est accompagnée de photographies en couleur et en noir et blanc qui illustrent les travaux respectifs et les processus créatifs des artistes.

« C'est au spectateur de répondre à la question de savoir ce qu'est exactement une photographie.» Yuji Hamada

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« La photographie démontre la possibilité que vous et moi soyons tous les deux des « points » de la même nature, coexistant sur le même plan. » Ken Kitano

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« Faciliter les rencontres entre des objets et des personnes qui viennent de différents contextes me fascine car cela peut ouvrir de nouvelles façons de penser et de voir. » Miki Nitadori

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« Je veux simplement poser une question. Je me demande «pourquoi» de la photographie. » Yuki Onodera

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« Lâcher de nombreuses pensées, sentiments et perceptions conditionnés qui, selon vous, font qui vous êtes - en un mot, la liberté.» Naruki Oshima

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« Mon intérêt réside dans la meilleure façon d'unir la vision pure à l'acte volontaire de produire une photographie et ce motif traverse tous mes projets.» Risaku Suzuki

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« La force et la faiblesse adorables de l'humanité résident dans la zone grise après tout. »Kazuyoshi Usui

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Caractéristiques du livre
Premier tirage｜1500 exemplaires/Tirage spécial 30 exemplaires
Langues｜anglais/japonais
Format｜A5, 148 × 210 mm
Nombre total de pages｜196
ISBN｜978-4-600-00839-0

14 ans après que Tatsuki Masaru  a publié "DECOTORA" en 2007 qui a documenté la communauté des camionneurs et leurs camions richement décorés pendant 9 ans, Tatsuki les a revisités et a créé 12 nouvelles images photographiques. Ces photos ont été exposées lors de l'exposition d'inauguration au Hachinohe Art Museum en janvier 2022. La galerie Side 2 est heureuse de présenter 3 des nouvelles œuvres qui sont encadrées de peinture en tôle dans les mêmes couleurs que les camions. Sont également présentées des photographies DECOTORA de 2002-2005. Le livre DECOTORA-Hachinohe a été publié par T&M Projects en 2021.

Tatsuki Masaru (né en 1974) est un photographe japonais qui vit et travaille à Tokyo. Depuis son premier projet "DECOTORA" (2007) qui documente une sous-culture de camionneurs, Tatsuki a présenté 6 projets avec 6 livres. Il est récipiendaire du prix Ihei Kimura 2012 avec "Tohoku" (2011).

Pour cette série, Tatsuki a passé 6 ans à capturer le peuple Tohoku et ses paysages qui reflètent la culture japonaise ancienne. Dans "kuragari" (2013), Tatsuki a photographié les cerfs la nuit avec une lampe torche portée à la main. Il attend un signe de vie dans la peur de l'obscurité des bois vénérés par nos ancêtres. Nous allons parler de cette série prochainement dans un podcast.

Tatsuki a récemment commencé à photographier les fragments de céramique Jomon d'il y a 10 000 à 2 500 ans, emballés et stockés dans des musées. La recherche de Tatsuki sur le mythe folklorique et la réalité de la vie des gens se poursuit. L'exposition personnelle de Tatsuki comprend la galerie d'art civique de Yokohama, le musée Hachinohe Potal. Les expositions collectives récentes incluent Hachinohe Art Museum "Gift, Gift, Gift", Museum of Fine Arts Boston "In the Wake", Aichi Triennale 2016, Ashikaga Museum of Art "Blinking Skin, Life Shining through Death".

La galerie The Third Gallery Aya présente une exposition solo du travail de Kikuji,KAWADA,  intitulée "Chizu The Map", permettant de découvrir ses débuts photographiques étonnants en 1965 avec la publication de Chizu (The Map), une collection de photographies transformant les souvenirs de la défaite du Japon en œuvres d'art. Ce photographe a été membre de VIVO (1959- 61), une agence photo formée avec Ikko NARAHARA , EikohHOSOE , Shomei TOMATSU , AkiraSATO  et Akira TANNO. Ces œuvres vont de tirages argentiques des années 1970 aux tirages numériques réalisés ces dernières années.

Une nouvelle édition de Chizu a été publiée par Getsuyo-sha (Japon) et Nazraeli Press (États-Unis) en 2005, et une réimpression par Akio Nagasawa Publishing est sortie en 2014. L'année dernière, Mack (Royaume-Uni) et la New York Public Library (États-Unis ) a publié Kawada Kikuji: Chizu (Maquette Edition), une restauration de Chizu faite à la main par Kawada. Tous ses livres de photos, de la première édition à la récente édition maquette, sont présentés dans cette exposition.

Kikuji KAWADA est né à Ibaraki au Japon en 1933. Il rejoint Shinchosha en 1955. Il devient photographe indépendant et co-fonde le collectif VIVO en 1959 avec Ikko NARAHARA , EikohHOSOE , Shomei TOMATSU , AkiraSATO  et Akira TANNO.En 1965, il a publié The Map, un livre photo révolutionnaire chargé de métaphores politiques d'après-guerre, et il continue de défier notre intellect avec des images tout aussi fraîches et clairvoyantes à ce jour. Kawada décrit son travail comme "l'expression d'une scène spécifique dans le temps et de ma relation avec elle, encadrée en conséquence, et le style né de l'échange". Ces jours-ci, on peut trouver Kawada en train de publier des images et des réflexions photographiques sur son compte Instagram.

Le photographe Kazuyoshi Usui présente ses oeuvres photographiques depuis ses débuts à des photographies inédites.

Dernièrement ce photographe a fait la Une du magazine Tempura Hors Série "Manger le Japon"    (https://www.tempuramag.com)

KYOTOGRAPHIE présente dans son programme : 10/10 Celebrating Contemporary Japanese Women Photographers 

Cet évènement est co-organisée par Pauline Vermare, curatrice indépendante et historienne de la photographie (anciennement directrice culturelle de Magnum Photos et curatrice à ICP, New York) et les co-fondateurs/co-directreurs de KYOTOGRAPHIE, Lucille Reyboz et Yusuke Nakanishi.

À travers les séries présentées dans l'exposition, nous voyons une réflexion et une perspective propres à chaque photographe, qu'il vive et travaille au Japon ou à l'étranger. Ces images puissantes seront présentées dans une scénographie qui incarne l'esprit KYOTOGRAPHIE et donne à chaque artiste son propre espace personnalisé, grâce à une structure polyvalente et durable, conçue par le designer et architecte basé à Kyoto Hiroyasu Konishi.
Cette exposition est soutenue par Women In Motion, un programme de Kering qui met en lumière le talent des femmes dans les domaines des arts et de la culture. Depuis 2015, Women In Motion est une plateforme de choix pour faire évoluer les mentalités et réfléchir sur la place et la reconnaissance des femmes dans les champs artistiques.

« Cette exposition est un manifeste pour les femmes photographes au Japon et pour toutes les femmes japonaises. » - Lucille Reyboz, co-fondatrice et directrice de KYOTOGRAPHIE, co-commissaire de l’exposition.

« Cette exposition résonne avec le thème de KYOTOGRAPHIE cette année, ‘One’. C’est une célébration de l’individu mais également une célébration de chacune de leurs communautés. » – Yusuke Nakanishi, co-fondateur et directeur de KYOTOGRAPHIE, co-commissaire de l’exposition.

« Pendant longtemps, le Japon a été vu à travers un regard masculin, comme si nous ne l’avions en réalité jamais vu. En tant qu’historienne, et parce que je suis personnellement très attachée au Japon où j’ai grandi, j’ai pensé qu’il était important de redécouvrir leur travail et de le montrer au monde. » – Pauline Vermare, historienne de la photographie, co-commissaire de l’exposition.

Ces expositions sont soutenues par Kering | Women in motion, , cliquer ici pour en savoir plus

Pour voir le programme, cliquer ici mais en voici le détail pour votre plus grand plaisir :

- ZAIDO par Yukari Chikura
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©Yukari Chikura

- Eagle and Raven par Ariko Inaoka
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©︎Ariko Inaoka

- die of love par Hideka Tonomura
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©Hideka Tonomura

- NEW SKIN par Mayumi Hosokura
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©︎Mayumi Hosokura

- sawasawato par Noriko Hayashi
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©Noriko Hayashi

- HOJO par Mayumi Suzuki
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©︎Mayumi Suzuki

- NEW RIVER par Ai Iwane
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©︎Ai Iwane

- Negative Ecology par Tamaki Yoshida
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©︎Tamaki Yoshida

- ILMATAR par Momo Okabe
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©Momo Okabe

mutation par Harumi Shimizu
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©︎Harumi Shimizu.

La galerie Yumiko Chiba Associates | Shinjuku est ravie d'accueillir une exposition du travail de la photographe Shiho Yoshida pour marquer sa sélection en tant que lauréate du 46e prix Kimura Ihei.
La pratique photographique de Yoshida se distingue par la technique non conventionnelle consistant à rechercher sur Internet des informations et des images liées à un lieu, à se rendre réellement à cet endroit pour prendre des photos et à construire des œuvres multicouches dans lesquelles les photos, informations et images résultantes se croisent. Sa technique de va-et-vient entre les extrêmes opposés des résultats de recherche sur Internet et ses propres photos lui permet d'explorer les espaces d'information et les photographies en tant qu'images, ainsi que la matérialité hybride de la photographie. En employant cette approche, Yoshida a produit un travail qui critique constamment l'ensemble particulier de circonstances dans lesquelles la photographie se trouve aujourd'hui. Pour célébrer sa sélection pour le prix Kimura Ihei récompensant de jeunes photographes exceptionnels, cette exposition présentera les séries Survey: Mountains et The Whale under the Sand pour lesquelles Yoshida a reçu le prix. Une conversation avec le chercheur culturel et artiste Hiroki Yamamoto aura également lieu pendant l'exposition.

Artist Statement

" C'est un grand honneur d'avoir été choisi pour recevoir le 46e prix Kimura Ihei.
Les années 2020 et 2021 au cours desquelles le jugement a eu lieu ont été des années difficiles, rendant parfois plus difficile que jamais la production et la présentation d'un travail.
Cela fait maintenant six ans que j'ai exposé pour la première fois Survey: Mountains dans cette galerie, et j'ai l'impression que les «montagnes» imaginaires de l'œuvre ont continué à accumuler différents éléments et à changer de forme au fil du temps.
Mon intention est de continuer à créer de nouveaux paysages inédits, en gardant à l'esprit les questions abordées dans les commentaires du jury, à savoir ce qu'il faut photographier à une époque où tout le monde prend des photos, ce qui entraîne une surabondance d'images ; et comment apporter des réponses à cette question en réalisant des œuvres à partir de photographies."

Pour en savoir plus sur la photographe, cliquer ici

Huit ans après son dernier livre de photo de voyage « Short Trip Again », Koji Onaka a de nouveau erré dans l’arrière-pays du Japon, l’observant à travers un objectif 35 mm.
Photographié sur une période de sept ans, « Have a Break » présente des scènes prises à Hokkaido, au nord, à Kyushu, au sud, et de nombreuses autres stations entre les deux. L’affection d’Onaka pour un style de couleur particulier et unique ajoute au sentiment sentimental, profond de familiarité et de chaleur dans ses images, dans lequel Koji Onaka transforme les sites quotidiens dans les petites villes et les régions rurales en merveilles visuelles curieuses.

 « Les photographies ne montrent rien de particulièrement spécial qui pourrait être pris n’importe où, mais des scènes qui ont étrangement touché mon cœur – des paysages urbains, des gens, de la lumière du soleil ou parfois des chats. » 

Koji Onaka

Voir le livre plus en détails, cliquer ici

Disponible aussi chez : La Nouvelle chambre Claire ,  Shashasha

Vous pouvez trouver des informations complémentaires sur l'artiste en cliquant ici

Signes — 表徴

Fisheye #52 présente un focus sur le Japon.

Le Japon, dans toute sa diversité. Une exploration de la photographie émergente nippone poursuivie dans un tiré à part conçu en collaboration avec Women In Motion, le programme de Kering qui met en lumière les femmes dans les arts et la culture.

Dans ce  numéro de Fisheye, vous pouvez découvrir les photographes japonais suivants

• Kenta Nakamura en couverture - www.kentanakamura.com 
• Akihito Yoshida - akihito-yoshida-en.myportfolio.com
• Kenya Sugai - www.kenya-sugai.com
• Momo Okabe - cliquer ici pour découvrir sa photographie
• Mikito Tanaka - www.tanakamikito.com
• Satoshi Fujiwara - www.satoshi-fujiwara.com
• Shu Watanabe - https://watanabedesign511.com

KYOTOGRAPHIE, organisé au printemps de chaque année, est un festival de photographie dans l'ancienne ville de Kyoto et est considéré comme l'un des rares événements artistiques véritablement internationaux qui se déroulent au Japon. Le festival propose des expositions de photographie d'artistes de renommée internationale sous des formats non traditionnels dans des endroits exceptionnels. Un festival photo à part et à ne pas manquer !

Il est difficile cependant de se déplacer aujourd'hui au Japon, donc n'hésitez pas à aller sur leur site pour pouvoir découvrir les expositions proposées cette année. Notre site sugoi.photo vous proposera dans les semaines à venir des podcasts et articles en liaison avec le Festival International de la Photographie KYOTOGRAPHIE. Cette année, le festival fête ses 10 ans sous le thème « ONE »

Le dicton bouddhiste "Un vaut dix" exprime l'idée que ce qui est unique, en intériorisant l'extérieur, devient immédiatement une incarnation du tout, et ne se positionne avec les autres que par cette attitude globale. "Un" représente l'individu et "Dix" est le nombre d'intégralité, représentant le tout.

Les organisateurs / fondateurs de ce festival, Lucille Reyboz & Yusuke Nakanishi nous parlent de leur choix et objectif pour 2022  :

"En 2022, une autre guerre a commencé. Les tentatives pour justifier la guerre sont inconcevables ; la guerre n'est jamais la solution. D'après les expériences amères de l'humanité du passé, nous savons que des vies ne devraient jamais être sacrifiées au nom d'une cause totalitaire qui prétend de manière trompeuse être représentative de l'ensemble. En 2022, avec la 10ème édition, KYOTOGRAPHIE souhaite célébrer l'existence unique de chacun et notre diversité collective. Nous espérons que « ONE » est une occasion de redémarrer, en reconnectant les déconnectés et en recherchant la renaissance d'un monde post-pandémique pacifique."

Pour voir le programme, cliquer ici

Le photographe Naoki Honjo est connu pour son style de photographie caractéristique qui utilise un appareil photo grand format avec un objectif à bascule et décalage pour capturer les villes comme s'il s'agissait de dioramas. Évoquant le sentiment d'un monde miniature, Honjo brouille les frontières entre la réalité et la fiction du monde qui nous entoure.
Il s'agit de la première exposition solo à grande échelle de l'artiste et présentera environ 200 œuvres, y compris des séries inédites, qui, ensemble, offrent un aperçu complet de sa carrière à ce jour. L'exposition met également en lumière de nouvelles œuvres spéciales qui présentent les villes hôtes où se tiennent ses expositions.

Pour découvrir le travail de Naoki Honjo, cliquez ici

Ce livre "Tokyo Silence" est un ouvrage rassemblant une collection de photographies N&B capturant la vie dans les rues de Tokyo entre 2003 et 2006. On pense que Tokyo est l'une des villes les plus bruyantes au monde, mais à travers ces photographies, je veux montrer l'autre aspect de Tokyo - pour moi, c'est une ville où un étrange silence règne au fond de notre vie comme de l'eau.

" Pendant cette période, j'étais fou de voyager en Chine. En Chine, partout où vous regardez, c'est le chaos. Les cris des gens dans les rues surpeuplées, les klaxons des voitures résonnant dans le ciel gris, les voix rugissantes des haut-parleurs dispersés dans toutes les villes - j'ai vraiment adoré ces bruits de rue chinoise et je me souviens avoir marché chaque jour comme frappé par la foudre.

Après m'être habitué à de tels bruits chaotiques en Chine, le silence de Tokyo m'a semblé très unique. Chaque fois que je revenais à Tokyo, je me demandais comment la ville pouvait-elle être si calme ? Personne ne parle dans les trains, personne ne crie dans les rues. Oui, Tokyo est aussi une ville bruyante, mais je pense que le caractère du bruit est intrinsèquement différent entre les deux pays. Ici à Tokyo, presque tous les bruits proviennent de la lecture automatique de musique, comme la musique de fond des magasins ou les publicités vidéo sur des écrans géants. Que se passerait-il si toute la musique en lecture automatique était soudainement coupée ? En me promenant dans les rues de Tokyo, je ressens parfois une illusion comme si j'étais au fond d'un aquarium, où un curieux silence nous entoure.

Une telle pensée m'a poussé à photographier les rues de Tokyo, un Leica chargé de film monochrome à la main. Je voulais capturer ce silence caractéristique de Tokyo, et le silence qui s'installe profondément en nous."

Disponible chez : Photobookstore ,  Setantabook

Vous pouvez trouver des informations complémentaires sur l'artiste en cliquant ici

IBASHO présente l'exposition personnelle d'Hiromi Tsuchida "A Retrospective". Tsuchida est l'un des grands maîtres de la photographie japonaise, qui produit des œuvres uniques depuis les années 1970. Il a réussi de manière unique à métaphoriser l'orientation socio-économique de son pays grâce à un certain nombre de techniques et d'approches. Des œuvres de ses séries phares «Zokushi», «Counting Grains of Sand», «Hiroshima Collection» et «Hiroshima Monument» seront exposées.

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Vous pouvez également visionner une vidéo ici

(Un autre) Éloge de l'ombre
La photographie japonaise dans les collections du musée

Au musée Réattu, à Arles, vous est proposée une exposition  de grands photographes japonais contemporains : Eiichiro Sakata, créateur d'étonnants portraits d'artistes ; Kishin Shinoyama, maître du nu féminin et réalisateur d'une fascinante série sur une maison de tatouage à Yokohama ; Keiichi Tahara et Senji Taniuchi, dont les séries Fenêtres et Reflections respirent le « Ma » (間), un concept purement japonais fusionnant les notions de temps et d'espace.
Le titre de l'exposition rend hommage à l'écrivain Jun'ichirô Tanizaki, auteur de l'éloge de l'ombre (1933), essai à travers lequel il défend une certaine idée de l'esthétique japonaise, qui donne une importance considérable à la pénombre, au clair-obscur et à la patine des choses.

Dans les photographies conservées au musée, l'ombre joue en effet sa partition aussi fort que la lumière ; elle anime les surfaces, organise l'espace, donne profondeur et mystère aux images ; elle n'est pas une absence de lumière, elle est une matière active, un espace de suggestion à travers lequel tout peut advenir.

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