Aujourd’hui, nous nous intéressons à la photographe Kumi Oguro.

Né en 1972 au Japon, Kumi Oguro vit et travaille depuis 1999 à Anvers, en Belgique. Après des études sur la photographie débutée en 1996 en Angleterre, la photographe a travaillé sur différents media, telles la vidéo ou les installations mixtes, avec comme sujet de recherche les liens entre les images fixes photographiques et celles mouvantes du langage cinématographique. Une recherche qui marque de son sceau toute l’œuvre de l’artiste.
Un premier livre intitulé Noise est sorti en 2008 aux éditions Le caillou bleu. Il s’agit d’après l’artiste d’une référence au « bruit blanc », signal sonore sans fréquence particulière que l’on peut entendre lors du réglage d’une radio entre deux stations. Ce son subtil, balançant entre langage et parasitage, incarne la frontière ténue sur laquelle la photographe Kumi Oguro fonde toute sa création photographique. Il s’agit de ce moment fugace entre deux états, comme suspendu dans le temps, où l’image présentée oscille entre différentes interprétations narratives.
La photographe a  publié ensuite le livre « Hester », en septembre 2021, aux éditions Stockmans art books, qui a été présélectionné pour le prix du Belfast Photo festival. Cet opus tire son nom d’un des personnages phares du roman Une prière pour Owen de John Irving, paru en 1989. Hester Eastman y est présentée comme une créature chaotique, très sexuée, devenant une rock star, pourtant tout en contraste dans son amour pour un des personnages. C’est encore une fois cet « entre-deux » qui intéresse et fascine Kumi Oguro, ce moment d’indécision entre deux états ou deux actions qu’elle essaie de retranscrire dans ses photographies de sujets exclusivement féminins. Car pour elle, seules les femmes possèdent en elles cette dualité extrême alliant fragilité et force, ludique et tragique, séduisant et étrange.

Toute l’œuvre photographique de Kumi Oguro joue sur un état de malaise provoqué par des images assez simples dans leur composition, mais que l’on ne peut entièrement comprendre : on ne sait jamais exactement ce qu’il se déroule sous nos yeux, ou plus exactement, on ne peut savoir avec certitude l’action qui a pris place juste avant la prise de vue. Est-ce du jeu ou un événement macabre ? Est-ce du fétichisme de morceaux de corps telles les jambes, la chevelure ou encore les mains, ou bien la célébration du corps féminin ? Dans les images couleurs de Kumi Oguro, des femmes – ou plutôt des morceaux de femmes – prennent place dans un décor intérieur ou extérieur. Ces bouts de chair, rarement dénudés, souvent moulés dans des collants pour les jambes par exemple, semblent émerger de lieux improbables ou incongrus tels des baignoires, des placards, des rideaux ou encore des dessous de porte.
Kumi Oguro dit rêver beaucoup et s’inspirer des bribes de rêves dont elle se souvient au matin pour créer ces images sans logique, sans trame narrative, sans explication déterminée, qui sont telles des réalités alternatives à notre quotidien.

Bien que de nombreuses photographies puissent évoquer à première vue la mise en scène d’un crime ou d’un suicide, comme celle d’un corps féminin suspendu dans les airs, dont le cadrage ne montre que les jambes pendant dans le vide, avec un pied couvert d’une peinture rouge évoquant du sang, la mort n’est jamais le véritable thème de l’image. On voit ici que la photographe a expressément demandé à son modèle féminin de relever les orteils de son pied gauche, prouvant qu’elle n’est pas morte ou passive, mais bien vivante et active. Ce minuscule petit détail fait basculer l’image du statut de représentation d’un pendu à celui d’un être onirique en simple lévitation.

Le doute est donc un élément fondateur de la démarche de Kumi Oguro, qui cherche à nous montrer un au-delà de la représentation, un entre-deux narratif entre rêve et logique, entre réalité et fiction ou encore entre image fixe photographique et déroulé narratif cinématographique.

Charlène Veillon
Historienne de l’art. Docteure en photographie japonaise contemporaine

Entretien avec Kumi Oguro (avril 2023)

Site Internet de Kumi Oguro : http://www.kumioguro.com/

Compte Instagram de Kumi Oguro : https://www.instagram.com/kumi_oguro/?hl=fr

Galerie Ibasho : https://ibashogallery.com/artists/30-kumi-oguro/overview/

Publication Hester: https://www.stockmansartbooks.be/nl/kumi-oguro-hester.html /

Aujourd’hui, nous nous intéressons aux distributeurs automatiques du photographe Eiji Ohashi.

Il y a plus de 14 ans, Eiji Ohashi a débuté une étrange série consacrée à un objet non moins étrange : le distributeur automatique, ou jidôhanbaiki en japonais, couramment abrégé en jihanki.

Récompensé par plusieurs prix internationaux, tels le Moscow International Foto Awards (2016), le Photo-eye Best Books (2017) ou encore le Special Photographer Award du 34e Higashikawa Awards (2018), Eiji Ohashi a publié au fil des ans 3 ouvrages entièrement consacrés aux distributeurs automatiques : Roadside Lights (paru chez Zen photo gallery en 2017), Being There (en 2017, chez Case publishing), et enfin Roadside lights Seasons: Winter(chez Case publishing, en 2020).

Le jidôhanbaiki est un objet du quotidien pour les Japonais, apparu pour la première fois dans l’Archipel en 1888, mais développé en masse à partir des années 1960. Dans tout le pays, à tous les coins de rues, dans les ruelles des campagnes comme sur les avenues urbaines (surtout à Tokyo), on trouve pléthore de ces distributeurs proposant principalement de la nourriture sous vide, des paquets de cigarettes ou encore des boissons en cannettes ou en bouteilles. Ces dernières représentent à elles seules plus de la moitié du nombre de jidôhanbaikiau Japon, soit plus de 4 millions de machines au total. Sans oublier les distributeurs de marchandises plus « confidentielles », de type petites culottes neuves ou usagées, homards vivants ou encore fromage à raclette !

Pourtant, concurrencés par les supérettes konbini ouvertes 24h/24 et 7j/7, le nombre de distributeurs ne cessent de diminuer dans les centres urbains depuis le début des années 2000. Toutefois, dans les lieux les plus reculés ou les moins accessibles à l’homme – ou aux supérettes ! –, comme les montagnes d’Hokkaido, l’île la plus au nord de l’archipel nippon, où est né, vit et travaille le photographe Eiji Ohashi, le jidôhanbaiki reste une valeur sûre, pérenne, rassurante.

« Rassurant » n’est pas un vain mot dans le cas d’Eiji Ohashi, qui a fait du distributeur automatique son totem. En effet, il affirme que la présence de ces machines dans les coins les plus isolés, dépouillés de toute présence humaine, a quelque chose de l’ordre du rassurant : la lumière électrique qu’elles émettent en continu leur donne un air presque chaleureux, telle la lueur salvatrice d’un phare perdu dans l’immensité, qui vous indique que vous n’êtes pas seul au monde.

Plus que de la photographie documentaire ou anecdotique, ce sont de véritables portraits photo de ces machines que réalise Eiji Ohashi depuis 2008. Le photographe y voit en effet une similitude avec les êtres humains. Comme nous, les jidôhanbaiki sont exposés à la solitude, surtout dans les vastes espaces d’Hokkaido ; comme nous, ils doivent être attirants sous peine de disparaître, travailler sans relâche pour mieux vendre. Pour le photographe, il y a définitivement quelque chose d’humain dans ces machines serviles, esclaves de notre bien-être, que l’on ne remarque même plus, mais que l’artiste cherche à révéler par ses photographies. En d’autres termes, capturer l’invisible de notre quotidien et le dévoiler sous un jour nouveau par ses photos.

Eiji Ohashi a photographié des distributeurs automatiques sous tous les angles, à toutes les saisons, en couleurs et en noir et blanc, de jour comme de nuit. Principalement au crépuscule ou juste avant l’aube, au cœur de l’hiver enneigé, pour les photos parues dans sa dernière publication Roadside lights Seasons: Winter. Une seule constante dans toutes ces photographies : les paysages mettent en scène les distributeurs d’Hokkaido rencontrés lors des déambulations du photographe, qui se plaît à chercher de nouveaux jidôhanbaiki, comme on chercherait à rencontrer de nouveaux amis.

Charlène Veillon

Historienne de l’art. Docteure en photographie japonaise contemporaine

• Site Internet d’Eiji Ohashi : https://eijiohashi.com/en/works
• Publications d’Eiji Ohashi : https://eijiohashi.com/en/publishing
• Article « Les distributeurs automatiques en difficulté face aux supérettes japonaises », Nippon.com, 2018 :https://www.nippon.com/fr/features/h00258/
• Exposition : A la galerie Akio Nagasawa Gallery Aoyama https://www.akionagasawa.com/jp/exhibition/roadside-lights/ 

Aujourd’hui, nous nous intéressons au photographe japonais Yasuhiro Ogawa.

Né en 1968 à Kanagawa, au Japon, Yasuhiro Ogawa est diplômé en littérature anglaise. Un détail qui n’est pas si anecdotique quand on regarde les séries du photographe, toutes imprégnées de l’esprit gothique onirique et romantique si typique des œuvres littéraires anglaises.

Yasuhiro Ogawa commence sa carrière artistique professionnelle en 2000, avec l’obtention du prix Taiyo Award cette même année, lors de sa toute première exposition solo. Il remporte ensuite en 2009 le Photographic Society of Japan New Comer Award pour sa première publication intitulée Slowly Down the River. Cinq autres photobooks suivront, dont The Dreaming sorti en 2020, puis réédité en 2022 par Sokyusha et Blue lotus edition, et le petit dernier, Tokyo Silence, paru chez T&M Projects en 2022.

L’œuvre majoritairement en noir et blanc de Yasuhiro Ogawa se construit autour de ses nombreux voyages, au Japon (comme pour ses séries Okinawa, Shimagatari, Lost in Kyoto, Landscape through Windows et Tokyo Silence), mais aussi dans le monde entier (pour ses séries Slowly down the River ou encore The Dreaming).

La série The dreaming – le rêve – est un voyage géographique, passant notamment par le Japon, la Chine, le Myanmar, l’Inde, le Cambodge, le Tibet, ou encore le Guatemala. Mais elle est aussi un voyage dans le temps, dans le passé, puisque l’artiste est remonté jusqu’à près de 30 ans en arrière dans sa vie, lorsqu’il a fait ces voyages. C’est à l’orée de la cinquantaine, depuis Tokyo où il vit actuellement, que Yasuhiro Ogawa a replongé avec nostalgie dans ses multiples négatifs en noir et blanc de voyage, imprimant à la chambre ses tirages, avec l’impression de revivre un vieux rêve. Les clichés monochromes de The Dreaming – capturant ici un paysage vu depuis la fenêtre d’un train ; ici un quai de gare solitaire enneigé ; ici des autochtones dans leur quotidien – sont comme des songes troubles, où le flou de certaines images fait écho à l’impression de vieux souvenirs d’un autre monde. Un monde romantique, onirique, comme en sommeil, à l’image des personnes croisées dans des trains, somnolant ou dormant profondément.

Avec sa toute dernière série, Tokyo Silence, Yasuhiro Ogawa fait encore un voyage, cette fois-ci sensoriel, entre la Chine et le Japon. Cette série en noir et blanc est née d’un constat : l’opposition entre le bruit assourdissant de la ville chinoise, fait de cris, de klaxons, de haut-parleurs, et le calme profond et étrange de la capitale nippone, où personne ne parle fort dans les transports, personne ne crie dans la rue, personne ne klaxonne. Il y a bien un bruit de fond perpétuel à Tokyo avec les publicités des écrans géants, les sons des salles de jeux, la musique des magasins, mais ce n’est pas le bruit de l’activité humaine chinoise. Le photographe dit avoir essayé de capturer par son Leica ce silence paradoxal. Cela a donné vie à des images de foule, de vitesse, mais où la mise au point sur des visages humains toujours calmes, avec peu d’expression, renvoie au « silence de Tokyo » de Yasuhiro Ogawa.

Charlène Veillon

Historienne de l’art. Docteure en photographie japonaise contemporaine

• Site officiel de Yasuhiro Ogawa : https://ogawayasuhiro.com/
• Instagram de Yasuhiro Ogawa : https://www.instagram.com/yasuhiropics/?hl=fr
• Blue lotus gallery, Hong Kong : https://bluelotus-gallery.com/
• https://la-chambre-claire.fr/livre/yasuhiro-ogawa-the-dreaming/#tab-description

Aujourd’hui, nous nous intéressons à la série Tekiya du photographe Yang Seung-Woo (梁丞佑).

Cette série se concentre sur le monde à la fois festif et inquiétant des tekiya, ces marchands ambulants japonais, tenanciers des stands de nourriture et de jeux présents dans tous les festivals et fêtes populaires, ou encore le long des allées menant aux temples et sanctuaires. Après plus de 10 ans de travail, les photographies couleurs inédites de Tekiya viennent de paraître, en novembre 2022, dans un catalogue publié par la galerie tokyoïte Zen Photo Gallery. On y découvre un témoignage contrasté, alternant ambiances de fêtes et scènes de vie des tekiya, ces forains que l’on considère à l’origine des yakuza, la mafia japonaise.

Le photographe Yang Seung-Woo, d’origine coréenne, arrivé au Japon en 1996, diplômé du Nippon Photography Institute et de l’université polytechnique de Tokyo, est un habitué des portraits « en immersion » de personnages à la limite de la marginalité sociale. Sa série la plus iconique, The Best Days, parue en 2012, est consacrée au quotidien du crime organisé nippon, Yang Seung-Woo ayant été amené à fréquenter des yakuza en Corée et au Japon.

Pour la série Tekiya, le photographe a côtoyé ces forains pendant plus de 10 ans. Sa série débute en 2011 lorsque, par nécessité financière, il répond à une annonce pour un job de vendeur sur un stand ambulant de restauration. Il lui faudra attendre un an avant de trouver l’occasion – et le temps ! – de sortir son appareil photo pour immortaliser de l’intérieur cette atmosphère qui le fascine. Devenu selon ses propres termes le roi des yakisoba (les nouilles sautées) et de l’okonomiyaki (sorte de crêpe épaisse salée aux accompagnements variés), Yang Seung-Woo a d’abord cherché à capturé l’ambiance des matsuri, pour se rendre compte au final que sa série était en fait centrée sur les acteurs de ces fêtes, autrement dit les tekiya.

C’est pourquoi cette série alterne des scènes très variées, alliant des plans larges de la foule devant les stands, la préparation de la nourriture, les forains comptant leurs recettes… Ou encore des images plus intimes des back stages de cette vie éreintante et difficile, où l’on peut voir un tekiya endormi sous sa plaque à friture, une marchande changeant son nouveau-né posé sur une glacière entre deux ventes de nourriture, et des hommes nus dans un bain public, se détendant après une dure journée de labeur.

La série Tekiya possède aussi un versant plus sombre, car elle ne cache rien des appartenances sociales de certains forains. On y voit donc des hommes couverts de tatouages, au petit doigt amputé d’une phalange – apanage des yakuza –, ainsi que des photographies rares de rituels du Nouvel An célébrés en grande pompe par des membres du crime organisé.

Tekiya pose un regard à la fois tendre et sans concession sur ces personnes à la vie rude, parfois à la limite de la marginalité, que Yang Seung-Woo a côtoyées au plus près. En 2019, la Zen Photo Gallery a tiré 700 exemplaires d’une nouvelle édition de The Best Days, celle de 2012 étant depuis longtemps épuisée. Ce fut également l’occasion d’exposer 30 photographies de cette incroyable série totalement consacrée aux yakuza, dans leur intimité la plus crue. Un événement qui ne se reproduira pas de sitôt puisque le photographe, jeune papa en 2018, n’exposera plus cette série pour ne pas risquer de choquer un jour sa fille, avant que celle-ci n’ait 20 ans. Un bien long sommeil pour les yakuza de Yang Seung-Woo.

Charlène Veillon

Historienne de l’art. Docteure en photographie japonaise contemporaine

• Site officiel de Yang Seung-Woo (en japonais) : https://photoyang.jimdofree.com/
• Instagram de Yang Seung-Woo : https://www.instagram.com/yangtarou/?hl=fr
• Zen Photo Gallery : https://zen-foto.jp/en/artist/yang-seung-woo
• Zen Photo Gallery/Mark Pearson, Tekiya, 2022 : https://www.shashasha.co/en/book/tekiya-2
• Zen Photo Gallery, The Best Days, 2019 : https://www.shashasha.co/en/book/the-best-days-new-edition-1
• https://pen-online.com/fr/arts/plongee-intime-dans-lunivers-violent-des-yakuza/

Aujourd’hui, nous nous intéressons à la série Decotora du photographe Tatsuki Masaru (田附勝).

Cette série haute en couleurs, débutée en 1998 et toujours en cours, se concentre sur le « decotora », l’art nippon du camion tuné, autrement dit le fait de modifier visuellement l’aspect d’un camion en y ajoutant peinture, néons, pièces de carrosserie ou encore accessoires intérieurs, afin de le personnifier et de le rendre unique. Une pratique qui se serait développée dans les années 1970 au Japon, et qui a pris le nom de « decotora » (ou « dekotora), calqué sur l’anglais « decorated trunk », soit littéralement « camion décoré ».

Tatsuki Masaru documente depuis plus de 20 ans la communauté japonaise des chauffeurs routiers. Dans toutes ses séries, le photographe s’adonne à une description quasi anthropologique de nos sociétés, que ce soit à travers des photographies de danses folkloriques, de chasseurs du Tohoku, de pêcheurs ruraux, ou encore de ces petites mains invisibles de l’approvisionnement que sont les chauffeurs de camion.

C’est avec cette série que Tatsuki Masaru a publié son premier ouvrage en 2007, Decotora, paru aux éditions Little More. Entre 2020 et 2021, le photographe a réalisé 12 nouveaux clichés, parus dans un nouvel opus aux éditions T&M Projects, sous le titre Decotora – Hachinohe. Plusieurs de ces photographies ont été montrées pour la première fois cet été 2022 à la Gallery Side 2, à Tokyo, avec la particularité d’être présentées dans un cadre métallique arborant les mêmes couleurs flashy que les camions à l’image.

Comment cette série a-t-elle débuté ? Contrairement à ce que l’on pourrait croire, il ne s’agit pas de photographies d’un fan absolu de tuning de camion. Ce n’est pas une photographie de hobby, pas plus qu’une recherche esthétique. Même si la beauté de ces images mêlant néons, peintures métallisées et pare-chocs flamboyants est indéniable, celle-ci est une conséquence et non un but. La mise en lumière de ce style décoratif particulier résulte à l’inverse du constat de l’invisibilité de la communauté des chauffeurs routiers dans nos sociétés, pourtant totalement dépendantes d’eux.

Tatsuki Masaru raconte avoir pris conscience de ce fait lors d’une expérience professionnelle. Chauffeur-livreur à temps partiel pour payer les factures, il a croisé sur la route ses premiers camions customisés. C’est en côtoyant cette communauté qu’il s’est rendu compte qu’il ne savait rien du style de vie de ces routiers, ou de la façon dont ils parvenaient à créer de tels décors peints, de lumière et de carénage. Le photographe a alors suivi un routier dans son decotora afin de mieux comprendre ces hommes qui passent la majeure partie de leur vie dans leur camion. C’est à partir de là que Tatsuki Masaru a débuté sa série en 1998.

Decotora s’intéresse au monde des routiers, et notamment à la fierté de cette communauté paradoxalement discrète - pour ne pas dire secrète -, mais pourtant ultra voyante dans ses véhicules. La série met en avant les différents décors que le photographe a pu croiser, représentant les espoirs des routiers, leurs familles, ou encore leurs prières face à un travail où ils risquent chaque jour leur vie sur la route pour nous apporter tout le confort moderne.

Plus qu’un documentaire, la longue série Decotora de Tatsuki Masaru est un magnifique hommage à ces chevaliers de la route, tout fringants dans leurs destriers de fer brillant de mille feux.

Charlène Veillon

Historienne de l’art. Docteure en photographie japonaise contemporaine

• Site officiel de Tatsuki Masaru : https://tatsukimasaru.com/
• Gallery Side 2 : https://www.galleryside2.net/en/artists/masaru-tatsuki/
• Little More Books, Decotora, 2007 : http://www.littlemore.co.jp/enstore/products/detail.php?product_id=326
• T&M Projects, Decotora – Hachnohe, 2021 : https://www.tandmprojects.com/collections/t-m/products/decotora-hachinohe
• Instant POD Shishi odori de Tatsuki Masaru : https://www.sugoi.photo/arret-sur-image/shishi-odori-masaru-tatsuki/

Aujourd’hui, nous nous intéressons aux « wadako », les cerfs-volants japonais.

Wadako est le titre d’une série de la photographe Mami Kiyoshi. Depuis 2003, son travail photographique suit un même processus documentaire rigoureux, toujours identique : Mami Kiyoshi rencontre un modèle, elle se rend ensuite chez lui ou dans un lieu lié à son histoire personnelle. Elle y reste 2 jours, le premier étant consacré à un long entretien avec le modèle sur sa vie privée et professionnelle. Le second est dédié à l’installation d’une mise en scène du modèle parmi les objets qui le représentent le mieux, et au shooting. En phase finale, Mami Kiyoshi numérise les photographies argentiques, et retravaille les couleurs et les contrastes pour en faire ressortir les détails.
Cette logique de la photographie documentaire, presque de l’archive du quotidien, a été transposée en 2018 au monde japonais du cerf-volant. Dans la série Wadako – qui signifie littéralement « cerf-volant japonais » –, plusieurs artisans, parmi les derniers ateliers nippons de cerfs-volants existant encore, ont été photographiés dans leur environnement de travail, entourés par leurs créations.
Cette série est présentée à l’Institut français du Japon – Kansai, Kyoto tout le mois d’octobre dans le cadre du festival Nuit blanche.

La série Wadako – Histoires de cerfs-volants japonais est née de la collaboration entre la photographe japonaise Mami Kiyoshi et la chercheuse française Cecile Laly, spécialiste de la culture cerf-voliste nippone. En effet, constatant le lent déclin de cet artisanat traditionnel après la Seconde Guerre mondiale, conséquence de la modernisation et l’Occidentalisation du pays, Cecile Laly a eu l’idée de lancer un projet d’étude afin de répertorier cet artisanat dans un catalogue. Mais plutôt que de se concentrer sur les cerfs-volants, elle a choisi de mettre en lumière les ateliers de fabrication.

D’après ses recherches, les cerfs-volants seraient arrivés au Japon au VIIIe siècle, mais probablement nés en Asie du Sud-Est. Les cerfs-volants traditionnels japonais sont faits en washi, un papier léger et solide fabriqué artisanalement à partir de fibres de mûriers, collé sur une armature en bambou ou en bois de cyprès. Le cerf-volant nippon est un objet plat, dont les formes et les motifs peuvent varier selon chaque région et même chaque atelier.
Au Japon, le cerf-volant a un usage principalement festif. Dès le XVIIe siècle, on sait par des représentations qu’il était un divertissement populaire pour petits et grands, principalement associé à la Fête des garçons du 5 mai. Même s’il existe actuellement divers festivals dédiés aux cerfs-volants, avec réalisation de pièce géante ou bataille de cerfs-volants, cet artisanat traditionnel est aujourd’hui en grand danger de disparition, les ateliers s’éteignant avec leurs artisans âgés.
C’est donc l’histoire de ces gens, pour qui le cerf-volant représente toute leur vie, qui est immortalisée dans la série Wadako, dont les portraits relèvent à la fois de la photographie documentaire, de l’archive, du témoignage historique et de la photo plasticienne avec ce travail de la lumière quasi pictural si typique de l’œuvre de Mami Kiyoshi.

Charlène Veillon
Historienne de l’art. Docteure en photographie japonaise contemporaine

• Mami Kiyoshi :

http://www.kiyoshimami.com/

https://www.facebook.com/MamiKiyoshiArtist/

https://www.instagram.com/kiyoshi.mami/?hl=fr

• Cecile Laly : https://kyoto-seika.academia.edu/CecileLaly
• Charlène Veillon, « Tako, entretien avec Cecile Laly, spécialiste des cerfs-volants japonais », Koko, 2021, p. 42-51.
• Charlène Veillon, « Portraits intimes, les photographies de Mami Kiyoshi », Koko, 2021, p. 52-55.
• Cerfs-volants du Japon, à la croisée des arts, dir. Cecile Laly, 2021, Nouvelles éditions Scala.
• Nuit blanche – Institut français du Japon Kansai-Kyoto : https://nuitblanche.jp/fr/evenements/wadako-histoires-de-cerfs-volants-japonais

Aujourd’hui, nous nous intéressons à la série « Entre chien et loup » de la photographe Yu Hirai (ひらいゆう).

Entre chien et loup est principalement constitué de portraits, celui de Yu Hirai ou des membres de sa famille. Ce sont des portraits le plus souvent réalisés en intérieur, dans divers lieux de vie de l’artiste, mais qui donnent presque toujours à voir un espace extérieur – un bout de ciel, un paysage, une façade d’immeuble – par le biais d’une fenêtre ouverte ou d’un balcon. La série Entre chien et loup illustre ce moment précis quand la lumière naturelle du jour décroît et qu’elle laisse place à celle artificielle des habitations. La silhouette à l’image marque ainsi une sorte de seuil à mi-chemin entre l’intérieur et l’extérieur, ces derniers étant symboliquement représentés par les couleurs dominantes rouge et bleue. Pour l’artiste, la couleur bleue exprime le monde extérieur, la réalité objective et l’inconnu. Le rouge, quant à lui, représente ses souvenirs, ses rêves, son univers intérieur. Cette rencontre de deux atmosphères colorées symbolise l’expression « entre chien et loup » qui définit le crépuscule, quand on ne distingue plus très bien les choses et que tout devient flou. C’est pourquoi les portraits de cette série ne sont en réalité que des silhouettes opaques, obtenues par une mise au point sur l’arrière-plan extérieur et non sur le visage.

Entre chien et loup, une des premières séries de Yu Hirai, débutée en 1997, est toujours en cours. Iconique, cette série de tirages argentiques couleurs concentre toutes les interrogations intimes qui émailleront le parcours de l’artiste. Exposée jusqu’au 15 octobre au Salon d’art à Bruxelles, la série Entre chien et loup est également présentée au DongGang International Photo Festival à Séoul, en Corée, visible jusqu’au 30 juin 2023.

Yu Hirai est née en 1963 à Tokyo. Elle s’installe en 2002 à Paris où elle réside toujours.

Photographe, mais plus généralement artiste multimédia, Yu Hirai articule toutes ses créations autour du concept d’identité. A mi-chemin entre la tradition japonaise du journal intime et l’abstraction pop aux couleurs acidulées, Yu Hirai nous révèle sur papier photo un interstice de liberté où réalité et fiction peuvent se mêler sans se heurter.

Avec le recul, Yu Hirai voit aujourd’hui dans les portraits sans visage d’Entre chien et loup, un écho aux non-dits et aux secrets qui ont marqué sa jeunesse au Japon. En effet, c’est seulement à l’âge de 20 ans, alors qu’elle s’apprêtait à partir étudier en Belgique, que Yu Hirai a appris de la bouche de sa mère que son père n’était pas japonais. Ses parents à lui étaient des Coréens qui avaient émigré au Japon dans les années 1920. Bien que né et ayant grandi au Japon, son père s’était vu retirer sa nationalité japonaise après la défaite de 1945 et le retour à l’indépendance de la Corée. Ayant choisi de rester dans le pays où il avait grandi, il vécut apatride jusqu’à la fin de ses jours. Une situation complexe, rendue plus pénible encore par des discriminations persistantes, qui encouragèrent beaucoup d’immigrants de pays colonisés par le Japon à dissimuler leurs origines. Son père ne lui a jamais raconté son histoire. Elle l’a découverte par bribes, au fil des ans, par sa mère.

Nul doute que la découverte de ce passé explique le rapport étrange que Yu Hirai entretient dans ses photos avec les notions d’intérieur et d’extérieur (uchi et soto en japonais), très importantes dans l’Archipel puisqu’elles définissent largement les rapports entre les personnes, selon que l’on se trouve dans la famille ou dans la sphère collective.

Cette découverte a surtout sensibilisé Yu Hirai aux questions identitaires qui jalonnent toutes ses séries, quand la grande Histoire rejoint celle plus intime des familles.

Charlène Veillon

Historienne de l’art. Docteure en photographie japonaise contemporaine

• Site officiel de Yu Hirai : https://www.yuhirai.com/
• Galerie Les Bains révélateurs : https://www.lesbainsrevelateurs.com/works/entre-chien-et-loup/
• Le Salon d’art : http://www.lesalondart.be/
• DIPF 2022 : https://www.dgphotofestival.com/2022dipfopencall

Aujourd’hui, nous nous intéressons à la danse "shishi odori".

Traditionnellement, au Japon, la période estivale rime avec Obon, un festival bouddhiste honorant les esprits des ancêtres. De nos jours, Obon est avant tout un fête familiale durant laquelle les gens retournent dans leur ville natale et s’occupent des tombes de leurs ancêtres. Obon se déroule sur 3 jours, originellement du 13 au 15 juillet, mais le passage au calendrier occidental grégorien dans la seconde moitié du XIX^e siècle a déplacé cette fête à la mi-août dans de nombreuses régions. Obon rythme donc tout l’été nippon, au gré de ses lanternes allumées pour guider l’esprit des morts et de ses danses pour se rappeler les disparus.

Si le "bon odori" (danse du Bon) est la plus emblématique des danses de la période estivale, d’autres prennent également place durant l’été, toujours en rapport avec la mort et l’âme des défunts. C’est notamment le cas du "shishi odori", la danse des cerfs.

Le shishi odori est originaire du Tohoku, région située sur la côte est de l’île principale Honshu. Constituée de montagnes et de forêts, la nature du Tohoku est sauvage et riche en gibiers. Par tradition, c’est un territoire de chasse. Cette vie rude et belle a été immortalisée entre 2006 et 2010 par le photographe Tatsuki Masaru (田附勝), dans sa série intitulée sobrement "Tohoku". C’est en suivant un groupe de chasseurs de cerfs que Tatsuki Masaru a commencé à photographier autant les chasseurs que leur proie.

De sa première série "Decotora" débutée en 1998 consacrée au tuning extrême des camions japonais, jusqu’à la série "Tohoku", Tatsuki Masaru s’est attaché à une description quasi anthropologique de nos sociétés. Par son objectif, il témoigne aussi bien de la dure réalité solitaire du camionneur que de la rude existence des habitants des montagnes ou de l’implacable réalité de la chasse.

Parmi les images en couleurs de la série "Tohoku", on trouve bon nombre de photos de cerfs abattus, parfois écorchés, parfois uniquement des os, parfois simplement leurs bois, parfois un garçon tenant fièrement le cœur de la bête en trophée, ou juste le sang encore chaud de l’animal sur la neige immaculée des montagnes. La rudesse de ces photos fait écho à la rudesse de la vie de ces villageois.

Pourtant dans cette région, l’animal est l’objet d’une vénération ancestrale bien particulière. Traditionnellement, dans le folklore du Tohoku, mélange des religions shinto, bouddhiste et de pensées animistes, l’esprit des animaux tués lors de la chasse est remercié par une offrande sous la forme d’une danse. C’est là l’origine du shishi odori.

La danse shishi odori (鹿踊り, que l’on peut également traduire par shika odori, littéralement "la danse du cerf / du chevreuil / du daim", est une offrande pour remercier les esprits des animaux qui ont donné leur vie – et leur viande – pour nourrir les humains.

Originellement, depuis ses débuts au XVI^e siècle, puis lors de l’ère Edo (1603-1868), principalement dans les préfectures d’Iwate et de Miyagi, les performances de shishi odori se déroulaient durant la période estivale d’Obon. Les danses étaient alors pratiquées après une chasse, les danseurs se produisant avec les crânes des chevreuils tués. Aujourd’hui, le shishi odori est aussi pratiqué lors d’évènements festifs liés aux bonnes récoltes ou en hommage aux défunts, par exemple lors des fêtes commémoratives des morts du 11 mars 2011, lorsque le tsunami a frappé les côtes du Tohoku.

Certaines sources avancent que la danse shishi odori s’inspire des mouvements d’un cerf sauvage, d’autres qu’elle mime les gestes d’un agriculteur (le chevreuil étant traditionnellement associé au monde agricole). Toujours est-il que les masques des danseurs, noirs ou rouges, représentant la tête d’une créature imaginaire proche du lion, doivent être surmontés de bois de cervidés. Les chasseurs ont donc pour rôle central de fournir une partie des costumes des danseurs de shishi odori,  ce que soulignent les photos de Tatsuki Masaru.

Par un cruel hasard du destin, la série du photographe a été publiée en juillet 2011, juste après la tragédie qui a dévasté les villages photographiés par Tatsuki Masaru. Bon nombre de chasseurs, de danseurs et de costumes ont été emportés par la vague. Ces images ont donc un rôle mémoriel tout particulier, comme si l’âme de ces gens – et des animaux – avait été imprimée sur papier avant leur disparition physique. Ce coup du sort a marqué le photographe qui a poursuivi après 2011 son travail sur les chasseurs de cerfs du Tohoku, dans ce qu’il restait de leur région dévastée. Il a ainsi réalisé en novembre 2011 le documentaire "Is the blood still red?", ou encore les séries "Never Again" sur le renoncement d’un chasseur suite à la découverte de substances radioactives dans la nourriture des cerfs, et "Kuragari", sur sa rencontre nocturne avec un cerf dans une forêt.

C’est comme si Tatsuki Masaru était hanté par l’esprit des cerfs du Tohoku depuis sa rencontre avec les chasseurs. Peut-être est-ce là la clef de la compréhension du shishi odori : une célébration de la vie qui passe et se transmet entre les êtres encore vivants.

Charlène Veillon

Historienne de l’art. Docteure en photographie japonaise contemporaine

• Site officiel de Tatsuki Masaru : https://tatsukimasaru.com/
• Tatsuki Masaru, Tohoku, éditions Little More, 2011.
• https://www.galleryside2.net/en/artists/masaru-tatsuki/

Aujourd’hui, nous nous intéressons à la mante religieuse !

« […] d’intérêt au moins égal à celui de la cigale, mais de célébrité bien moindre, parce qu’elle ne fait pas de bruit […], la bête qui prie Dieu […] est Mante Religieuse. » Cette citation, empruntée à l’entomologiste de renom Jean-Henri Fabre (1823-1915), ouvre l’étrange recueil photographique Mantis religiosa, du photographe Yutaka Takahashi. Paru en 2020 aux éditions iKi, ce livre sert d’écrin à de magnifiques macrophotographies couleurs de mantes religieuses, prises sur le vif dans la nature japonaise. Il renferme également en préface, une création littéraire commandée pour l’occasion, intitulée "Prière au jardinet", de Marie Berne, auteure du roman Le grand amour de la pieuvre paru aux éditions L’Arbre Vengeur.

Cette série sera présentée du 11 juin au 13 août 2022 à la médiathèque André Malraux, galerie Nadar, à Tourcoing.

Originaire du bassin méditerranéen, la mante religieuse s’est répandue en Asie jusqu’au Japon. C’est la rencontre de l’insecte dans le courant de l’année 2015 avec le photographe Yutaka Takahashi qui a donné vie à cette série. L’artiste raconte dans l’ouvrage Mantis comment il s’est trouvé tout à coup fasciné par cet insecte à qui il n’avait jamais vraiment porté attention jusque-là. Sorti dans son jardin de beau matin avec son appareil, il cherchait un sujet à photographier. Son regard s’est alors posé sur une mante religieuse accrochée au mur de sa maison. Il est instantanément tombé sous le charme de cet être qui semblait le fixer de ses immenses yeux, puisque la mante, en plus d’avoir une excellente vision en relief, est le seul insecte à pouvoir faire pivoter sa tête à 180°. Ce qui lui permet de suivre du regard les déplacements de ses proies ou tout point d’intérêt, sans bouger son corps. A l’image de l’homme, la mante peut réellement vous fixer et vous suivre de son regard.

Pendant 15 jours, Yutaka Takahashi s’est livré à une sorte de cache-cache avec «sa» mante, jusqu’à ce qu’il la retrouve en fin de vie dans un pot de fleurs. C’est là l’origine de la série Mantis religiosa, une ode entièrement dédiée à cet insecte si particulier.

Facilement détestée du fait de sa réputation de cannibale (elle mange généralement son mâle après l’accouplement), cette petite bête gagne pourtant à être connue. L’ouvrage Mantis nous la révèle sous différents aspects, de son éclosion à ses prédations, en passant par sa beauté élégante avec ses deux pattes avant mimant le geste d’une prière – d’où son nom de mante «religieuse».

Laissez-vous séduire par ces photographies surprenantes, entre l’archive entomologique et l’ode à la nature et à la vie.

Charlène Veillon

Historienne de l’art. Docteure en photographie japonaise contemporaine

1. Site officiel de Yutaka Takahashi : https://500px.com/p/yutakatakahashi1?view=photos
2. Livre : Takahashi Yutaka, Mantis religiosa, iKi éditions, 2020.
3. Exposition de la série Mantis religiosa à la médiathèque André Malraux, Tourcoing, 11 juin-13 août 2022 : https://mediatheque.tourcoing.fr/opacwebaloes/index.aspx?IdPage=113&oaq[uid]=10080586

Aujourd’hui, nous nous intéressons au "photogramme".

Le photogramme se définit comme une image photographique obtenue sans utiliser d’appareil photographique. On obtient un photogramme, aussi appelé "dessin photogénique", lorsque l’on place un ou des objets sur une surface photosensible, et que l’on expose le tout assez longuement directement à la lumière naturelle ou artificielle.
Pour ses photogrammes tirés de sa série Others From the Future, le photographe japonais Ken Kitano a eu recours à un papier photosensible couleur grand format, un espace entièrement plongé dans le noir et… un bébé !
Partons donc à la découverte de cette intrigante série, nous interrogeant sur la vie elle-même, son origine, son avenir.

Ken Kitano a reçu de nombreux prix prestigieux pour son travail photographique qui se concentre majoritairement sur l’être humain et les rapports sociaux que nous entretenons dans le monde contemporain. Une de ses séries les plus iconiques est Our face. Il s’agit de portraits étranges, en noir et blanc, tirés à échelle humaine, dont l’aspect flouté – fantomatique presque – est dû à la technique du photographe. Ken Kitano fait plusieurs portraits de diverses personnes ayant un même métier ou un lien en commun. Puis, dans son laboratoire, il superpose les négatifs des portraits et réalise un tirage regroupant toutes ces personnes sur une même image, abolissant ainsi toutes frontières sociales au profit d’une unité de l’humain.

La série de photogrammes Others From the Future qui nous intéresse est née de la rencontre fortuite de Ken Kitano avec une obstétricienne qui avait découvert sa série Our Face en 2011 au Tokyo Metropolitan museum of photography. C’est elle qui lui a demandé s’il serait intéressé par une série sur les bébés. Ken Kitano a alors visité sa clinique et a commencé à photographier des nouveau-nés.
Il a ensuite expérimenté ses premiers photogrammes. Il a placé des bébés âgés entre 2 et 6 mois sur une plaque transparente posée au-dessus d’un papier couleur photosensible. Le bébé bougeant pendant le long temps d’exposition, il était impossible de prédire le résultat final. Or ce qui est apparu à l’image, c’est une forme rouge vif. Ces formes d’un rouge éclatant sont les silhouettes des bébés se découpant sur un fond noir.

Dans le texte publié dans son livre Others From the Future, paru chez Bookshop M en 2021, Ken Kitano raconte l’étrange sentiment qu’il a expérimenté face à ces petits êtres qui n’existaient dans ce monde que depuis quelques heures. Il a alors commencé à s’interroger : d’où viennent les bébés ? Dans quel genre de monde existent-ils avant d’entrer dans le nôtre ? Retournerons-nous un jour dans cet autre monde ?
L’hypothèse à laquelle il est parvenu est que peut-être le monde "en dehors de celui-ci" d’où viennent les bébés est rouge… Mais si nous, de notre monde, nous voyons ces images en rouge et noir, quel serait alors l’effet inverse ? Autrement dit, quelle couleur prendrait la vie vue de l’autre monde ? Ce questionnement lui a inspiré la production d’images inversées, en positif, créant des silhouettes roses sur un fond blanc, déclinées ensuite en bleu ou blanc, etc.

A l’inverse des photogrammes de bébés du photographe anglais Adam Fuss, les silhouettes de Ken Kitano ne semblent pas nager en plein liquide amniotique. Les bébés sont plutôt comme en apesanteur dans un monde éthéré différent du nôtre. Cet effet est encore accentué par l’échelle imposante des tirages réalisés grandeur nature, avec parfois plusieurs bébés à l’image.
Les photogrammes de Ken Kitano interrogent le regardeur sur son origine, sur l’au-delà de notre monde et de notre perception. Où allons-nous ? D’où venons-nous ? From the future peut-être…

Charlène Veillon
Historienne de l’art. Docteure en photographie japonaise contemporaine

Texte écrit et lu par Charlène Veillon

Site officiel de l’artiste : http://www.ourface.com/english/works/ourface.html

Sa galerie à Tokyo présentant le livre : https://mem-inc.jp/2021/08/15/kenkitano2021_en/ 

Pour en savoir plus, vous pouvez visionner les photos de l'exposition , cliquez ici

Publication Others From the Future, série limitée à 500 exemplaires : https://www.shashasha.co/en/book/others-from-the-future

Aujourd’hui, nous nous intéressons à la photographe Hideka Tonomura.

Née en 1979 à Kobe au Japon, Hideka Tonomura est désormais une photographe incontournable. On a pu la découvrir dernièrement dans des expositions majeures de photographie. Son travail suscite l’engouement non seulement des collectionneurs avertis mais aussi des femmes s’identifiant aux préoccupations de la photographe. Hideka permet aux femmes d’affronter leur quotidien grâce à la beauté et l’authenticité de ses photographies.

Alors où peut-on découvrir cette artiste ?

Tout d’abord à Paris, à la Maison Européenne de la Photographie - MEP à Paris dans l’exposition Love Songs. Hideka Tonomura y est présente avec sa série «mama love» qu’elle a publiée en tant que livre photo (son premier) en 2008 avec Akaaka Art Publishing. «mama love» révèle un sujet terriblement intime - la vie amoureuse et sexuelle de sa mère. Hideka Tonomura photographie avec une étrange complicité sa mère qui, dans certains clichés, regarde droit dans l’objectif. Au fur et à mesure de la série, Hideka illustre une histoire humaine puissante et profonde (une histoire d'amour au-delà des tabous) sans volonté d’être consensuelle ou voyeuse. Elle transforme un sujet intime et personnel en une histoire universelle se mettant sur les rangs des plus grands photographes. Au sein de cette exposition, Hideka Tonomura nous montre comment l’amour transforme le monde et comment une photographe en témoigne tout en provocation et pudeur, nous rendant spectateur de ce grand questionnement sur les relations familiales et les relations amoureuses.

Hideka Tonomura réédite cet exploit photographique de transformer un récit personnel en un sujet universel avec son projet SHINING WOMAN PROJECT qui a suscité l’attention durant le festival Kyotographie à Kyoto au Japon par la "SHINING WOMAN PARADE”.
Ce projet a démarré par un évènement personnel, son cancer du col de l’utérus. Lors de son hospitalisation, Hideka Tonomura rencontre des femmes qui, malgré la maladie, sont étincelantes de vie. Touchée par ces rencontres, elle lance son projet - SHINING WOMAN PROJECT - afin de les célébrer. Depuis 2019, la photographe parcourt le Japon pour rencontrer les femmes qui l’ont contactée via le compte Instagram du projet (hideka_tonomura) et réalise des portraits de femmes qui combattent un cancer changeant ainsi le regard sur les cancers et les femmes touchées par cette maladie. C’est donc la première fois qu’un défilé réunit tous les participants et sympathisants de ce projet. La "SHINING WOMAN PARADE” a permis de diffuser le message à un public plus large, message que j’espère sera entendu d’Europe malgré les restrictions de voyage !

Hideka Tonomura était aussi présente à Kyotographie dans l’évènement « 10/10 Celebrating Japanese Women Photographers » présentée à l’HOSOO GALLERY avec une autre série «die of Love », considérée par l’artiste comme son propre « théâtre d’amour ». Les photographies nous plongent dans son univers personnel avec des couleurs intenses, des flous signifiants et un angle de perspective introspectif. Ses photos sont comme un journal intime qui guérit, lui permettant de partager ses joies et ses peines pour mieux nous parler de la vie et de la mort elles-mêmes. Voici quelques mots de la photographe :

(Traduction française)
« L'amour n'a pas de forme
Si l'amour a une forme,
que ce soit une photographie à la toute fin
Ce n'est que du papier
Juste un rire -
La vie elle-même est ridicule, après tout
Ah, juste une tragi-comédie "

— Hideka Tonomura, "die of love"

Pour finir, n’oublions pas son exposition “Love” à venir à sa galerie japonaise, Zen foto galerie à Tokyo, du 3 juin au 2 juillet 2022. Cette expositions sera comme une sorte de rétrospective pour mieux apprécier l'intégralité des oeuvres d'Hideka Tonomura.

Au nom de de toutes les femmes, un grand merci à Hideka Tonomura !

Texte écrit par Sophie Cavaliero et lu par Charlène Veillon

Site officiel de l’artiste :

• https://www.hidekatonomura.com

Kyotographie 2022 :

• “die of love” 
• “SHINING WOMAN PROJECT”

MEP 2022 - Love songs - 30 mars au 21 août 2022 :

• love songs

ZEN_FOTO - Love - 3 juin au 2 juillet 2022

• Love

Aujourd’hui, nous nous intéressons au "rituel Zaido".

Le rituel shintoïste Zaido, mêlant rites purificateurs et danses sacrées, est le sujet principal d’une série de la photographe Yukari Chikura. Intitulée Zaido, cette série a remporté de nombreux prix, dont le STEIDL BOOK AWARD en 2016, qui a abouti à une luxueuse publication en 2020. Ce photo book a notamment été élu meilleur livre photo de 2020 par Vogue, Vanity Fair ou encore LensCulture, parmi d’autres.

La série Zaido est entrée en 2013 dans les collections de la Bibliothèque Nationale de France. Elle est également présentée ce printemps 2022 à la HOSOO gallery, à Kyoto, dans le cadre du prestigieux festival international de photo Kyotographie, qui fête cette année son 10^e anniversaire.

Yukari Chikura, compositrice musicale de formation, est arrivée à la photographie et au rituel Zaido suite à une série de tragédies personnelles. La mort subite de son père des suites d’un cancer, ainsi qu’un grave accident dont elle a failli ne pas réchapper, ajoutés au traumatisme du séisme, du tsunami et de l’accident nucléaire de Fukushima en 2011, ont ravagé Yukari Chikura, la plongeant dans une profonde dépression. Elle raconte qu’ensuite, son défunt père lui est apparu dans un rêve, lui enjoignant de se rendre dans un village retiré dans le nord-est du Japon où il avait un jour vécu.

Obéissant à ce songe, Yukari Chikura, appareil photo en main, a initié un étrange pèlerinage qui l’a conduite dans un lieu profondément enfoui sous la neige. Dans un froid hivernal glacial, avec des températures pouvant descendre jusqu’à -20 degrés, elle a découvert le Zaido, ce rituel vieux de 1300 ans, encore pratiqué de nos jours par quelques rares villages.

C’est la résilience du Zaido à travers le temps et l’abnégation des populations locales à perpétuer ce patrimoine sacré qui ont redonné un sens à la vie de Yukari Chikura. Année après année, elle photographie les pratiquants de ce rituel, créant ainsi une série poétique empreinte de mystère et de spiritualité, où la beauté se cache derrière chaque flocon de neige.

Tous les 2 janvier, bien avant l’aube, les locaux, petits et grands, bravent la neige et le froid pour se rassembler afin de pratiquer le Zaido. Issu du shintoïsme, la religion animiste du Japon, ce rituel mêle pratique ascétique de purification et danses pour les divinités, afin de s’assurer bonne fortune et protection.

La série Zaido est constituée de photographies en couleurs (avec quelques noir et blanc), combinant paysages de neige à la limite de l’abstraction, et clichés de danseurs ou d’ascètes. On y voit, par exemple, un homme quasi nu, vêtu uniquement d’un fundoshi, le sous-vêtement traditionnel masculin, agenouillé dans la neige, en train de pratiquer un mizugori, une cérémonie d’ablutions purificatrices dans l’eau glacée du petit matin. Tout cela afin d’être pur avant sa danse. L’image en couleur semble floue, car constellée de petites taches blanches. Il s’agit de flocons de neige, l’image ayant été prise en plein blizzard.

Un autre cliché en noir et blanc présente en son centre un interminable escalier de pierre, traversant une forêt de résineux gigantesques, le tout sous la neige. Yukari Chikura explique que lorsqu’elle a découvert cet escalier, elle a pensé que si elle parvenait jusqu’en haut, comme les courageux locaux lors des cérémonies, peut-être qu’elle pourrait y rencontrer son père défunt, cet escalier faisant le lien entre le monde d’en bas et le divin.

Yukari Chikura dédie ces clichés qui lui ont quasiment sauvé la vie, à l’espoir qui peut naître dans le désespoir.

Charlène Veillon - Historienne de l’art. Docteure en photographie japonaise contemporaine

• Site officiel de l’artiste : https://www.yukari.chikura.me/
• Kyotographie 2022 : https://www.kyotographie.jp/en/exhibitions/2022/yukari-chikura/
• Article sur la série Zaido: https://dozodomo.com/bento/2021/05/04/yukari-chikura-et-les-danses-rituelles-japonaises-zaido-vieilles-de-1300-ans/

Aujourd’hui, nous nous intéressons au "portrait photographique de rencontre".

Le portrait photographique pour omiai (ou portrait de rencontre prénuptiale) est le sujet exclusif d’une série de 2001 de la photographe Tomoko Sawada. Intitulée Omiai, cette série constituée de 30 autoportraits est présentée jusqu’en juin 2022 dans l’exposition collective Role Play tenue à la fois à l’Observatoire de la Fondation Prada de Milan et au Prada Aoyama building à Tokyo.

Mais quelle est l’histoire de ce portrait au Japon ? Dans les siècles passés, dans l’Archipel, le portrait ou l’autoportrait n’était pas un genre pictural aussi développé qu’en Occident. Il existait bien quelques portraits de maîtres zen ou d’aristocrates, mais il semble que la pensée traditionnelle japonaise qui ne valorise pas l’ego ait été un frein à la représentation individualisée.
Les choses ont bien changé à l’ère moderne, notamment avec l’arrivée de la photographie dans l’Archipel au début de la seconde moitié du XIXe siècle. Le portrait photographique y est petit à petit devenu tout aussi courant qu’en Occident. Il a toutefois trouvé une utilité bien spéciale dans la culture japonaise contemporaine : le portrait pour omiai ou portrait de rencontre prénuptiale !

Ce portrait photographique particulier est lié à la pratique de l’omiai, le « rendez-vous arrangé » en vue d’un mariage entre deux personnes qui ne se connaissent pas. L’omiai aurait vu le jour au XVIe siècle dans les familles de samouraïs, puis il se serait étendu à toute la population. On estime qu’aujourd’hui 6% des mariages japonais se font toujours par omiai.
Ces photos sont prises du côté féminin comme masculin, même si les codes de postures et de vêtements sont plus stricts pour les jeunes filles. Ces portraits s’échangent ensuite entre les parties, souvent par l’intermédiaire des familles, qui veulent voir leur progéniture faire un bon mariage.

La photographe "aux 1000 visages" Tomoko Sawada est une adepte de l’autoportrait. Elle utilise la mise en scène photographique et sa propre personne pour explorer des questions identitaires et sociétales. Dans toutes ses séries, elle incarne divers personnages féminins pour en faire ressortir les stéréotypes : la mariée, la lycéenne, la sweet lolita, ou encore la jeune fille à marier. Elle interroge également les pratiques photographiques de notre société, comme les photos de classe, de mariage et d’omiai.
Dans cette série, Tomoko Sawada se transforme en 30 jeunes filles différentes. A l’aide de perruques, de maquillage, de costumes, elle imite les très sérieuses photos réalisées par les familles dans le but d’un omiai : il s’agit après tout de vendre sa progéniture sur photo ! La photographe copie donc la gestuelle et les attitudes de la jeune fille à marier qui doit se présenter sous son meilleur jour, en vêtements classiques et en magnifiques et coûteux furisode (le kimono à longues manches réservées aux célibataires), dans une attitude toute réservée, les pieds joints, le plus souvent les mains croisées également, le visage sérieux, les yeux fixés sur l’objectif.
La répétition de ces jeunes filles toutes semblables dans les portraits d’omiai nous fait prendre conscience de l’artificialité de ces représentations sociales de soi. En photographiant à chaque fois sa propre figure dans ses autoportraits, Tomoko Sawada démontre l’interchangeabilité de ces jeunes filles soumises à "un jeu de rôle", celui de l’enfant à caser. "Jeu de rôle", comme le titre de l’exposition de la Fondation Prada présentant actuellement la série Omiai de Tomoko Sawada.

Charlène Veillon
Historienne de l’art. Docteure en photographie japonaise contemporaine

• Site officiel de l’artiste : http://tomokosawada.com/
• Fondation Prada, Observatoire, Milan : https://www.fondazioneprada.org/project/role-play/?lang=en
• Prada Aoyama Tokyo : https://www.prada.com/jp/ja/pradasphere/special-projects/2022/role-play-prada-aoyama.html
• Tomoko Sawada at Rose Gallery : https://rosegallery.net/artists/54-tomoko-sawada/overview/ 

Aujourd’hui, nous nous intéressons au thème de "la troisième vague féministe".

L’expression "Third Wave Feminism" (3^e vague féministe) désigne une nouvelle vague féministe apparue aux Etats-Unis au début des années 1990, regroupant diverses revendications politiques et pratiques artistiques de tous les pays, et surtout de tous les groupes minoritaires et communautaires où les femmes sont doublement marginalisées ou stigmatisées.

D’octobre 2021 à mars 2022, le musée d’art contemporain du XXI^e siècle de Kanazawa, au Japon, a accueilli une exposition où la commissaire Yurie Nagashima, photographe japonaise, a choisi de challenger les images produites par 10 artistes photographes et vidéastes nippons sous l’angle de la 3^e vague féministe.

Intitulée en français "Contre-mesures envers les discours maladroits : du point de vue de la 3^e vague féministe", cette exposition offrait une interprétation féministe originale d’œuvres produites depuis les années 1990 par des artistes japonais femmes et hommes qui ne se revendiquent pas féministes.

Mais qu’est-ce que le féminisme et qu’a-t-il à voir avec la photographie japonaise contemporaine ? La commissaire Yurie Nagashima est partie du constat de sa propre expérience d’artiste ayant fait ses débuts en 1992. Elle fut une pionnière de l’exposition de soi photographique au féminin, inspirant à sa suite toute une génération de photographes femmes travaillant sur et avec leur corps. Son travail d’autoportraits d’alors mettant en scène son corps nu, son quotidien ou sa famille a très vite été catalogué par les critiques masculins d’onnanoko shashin, autrement dit de "photo de fille". Comme si parler du corps féminin se réduisait à une catégorie sociale ou de genre, voire même à un sujet secondaire « de fille ». La série Self-portraits de Yurie Nagashima, initiée en 1992 mais toujours en cours, a petit à petit révélé la force féminine de la photographe et le pouvoir de l’autoportrait en tant que geste féministe radical s’opposant au regard et aux valeurs patriarcales.

Pour Yurie Nagashima, la 3^e vague féministe japonaise a pris place dans ce contexte artistique d’invisibilité forcée, où se définir féministe était quasiment impossible. C’est ce constat que Yurie Nagashima a voulu interroger en invitant des artistes ayant travaillé sur le sujet féminin sans pour autant s’exprimer sur la question féministe.

Prenant elle-même part à l’exposition, Yurie Nagashima a exposé des tirages de sa série Self-portraits, dont une photographie de 1993 en noir et blanc d’elle-même, nue, allongée sur le ventre sur un futon aux côtés de son frère, également nu, dans la maison familiale. Cette mise en scène avait pour but d’interroger la tendance contemporaine japonaise de la photographie "hair nude", mettant exclusivement en scène des femmes nues, de façon frontale, exposant leurs poils pubiens. La pilosité intime est toujours très taboue au Japon et son exposition est légalement interdite, mais sous couvert de "photo artistique", le "hair nude" montrait le corps de la femme comme un unique objet du désir masculin pour le regard masculin.

Cette exposition était donc un défi, proposant des réinterprétations féministes d’images produites depuis les années 1990 sur le sujet féminin, dans ce contexte particulier de la 3^e vague féministe japonaise, où la photographie de femme par les femmes ne pouvait être jusqu’à présent qu’une onnanoko shashin, une photographie pour fille. Le dialogue initié dans cette exposition permettra peut-être une légitimation féministe du regard sur le corps féminin.

Charlène Veillon - Historienne de l’art. Docteure en photographie japonaise contemporaine

Ressources :

• Site officiel de l’artiste : https://yurienagashima.com/
• Galerie de l’artiste :  https://www.mahokubota.com/en/artists/yurie-nagashima/
• Exposition au musée d’art contemporain du XXI^e siècle de Kanazawa : https://www.kanazawa21.jp/fr/data_list.php?g=155&d=35
• Autres expositions récentes :
  • https://domani-ten.com/2022/aichi.php
  • https://mtkcontemporaryart.com/en/exhibition/kono-suki-ni-shizenga/

Aujourd’hui, nous nous intéressons aux « fleurs de cerisiers » !

La fleur de cerisier est le sujet exclusif d’une série du photographe Risaku Suzuki intitulée Sakura, le nom japonais de la fleur de cerisier. Sujet à la fois banal et érudit, la fleur de cerisier est omniprésente dans la culture japonaise traditionnelle. Mais quelle est sa place dans la photo de Risaku Suzuki ?

Risaku Suzuki photographie depuis plus de 20 ans des fleurs de cerisiers. Il alimente chaque printemps sa série Sakura, qui continue à être présentée internationalement, comme en avril-mai 2021 à la galerie Danziger aux Etats-Unis.
Chaque année au Japon, vers la fin mars, débute la floraison de cette petite fleur pâle si importante dans la culture nippone. Les Japonais se réunissent alors sous les cerisiers en fleurs pour pique-niquer et pratiquer le ohanami, la célébration de cette fleur qui ne vit que peu de temps. Sa beauté est donc intrinsèquement liée à son «éphémérité ».

Bien que Risaku Suzuki s’intéresse à d’autres motifs naturels, comme les montagnes, la mer, la neige ou encore les nénuphars, la série Sakura est une des plus iconiques du photographe. Elle est constituée de tirages couleurs grands formats réalisés à partir de plan-films de 10 sur 12 cm ou même 20 sur 25, ce qui permet des détails extraordinaires à l’image. On y voit en plan rapproché des branches de cerisiers chargées de grappes de fleurs blanches ou rose pâle, se découpant sur un fond de ciel bleu.
La construction de l’image est littéralement «renversante», puisque la prise de vue s’effectue en contre-plongée, donnant au regardeur l’impression de se trouver sous les branches du cerisier, comme s’il levait la tête vers le ciel pour admirer les sakuras.

Toutefois, Risaku Suzuki réduit la profondeur de champ à un seul point, ce qui donne à tout le reste de l’image un effet flou, cotonneux, premier plan et arrière-plan se mélangeant. Pour le photographe, obliger le regardeur à chercher des yeux le point de netteté dans l’image est important, car il affirme que son travail porte essentiellement «sur la vision et le temps».

- La vision, parce que regarder une sakura depuis le sol est un défi visuel sans fin : chaque fleur a sa beauté propre, et pourtant il est impossible de toutes les voir, sur toutes les branches, dans toutes les grappes. Le regard se focalise fatalement sur quelques-unes uniquement, comme le point de netteté de l’image de Risaku Suzuki.
- Le temps, parce que la fleur de cerisier étant éphémère, elle oblige Risaku Suzuki à accourir chaque année dans les parcs à l’exact bon moment pour ses photographies. Marqueurs temporels de l’arrivée du printemps, les sakuras symbolisent à la fois un cycle répétitif annuel et un passage fugace sur terre. Elles incarnent donc à la fois une éternité et un instant.

Plus que la représentation d’un symbole national de beauté, la série Sakura de Risaku Suzuki est en réalité une ode aux trésors de la nature.

• Site officiel de l’artiste : http://www.risakusuzuki.com/en/  
• Galerie de l'artiste au Japon : https://www.takaishiigallery.com/en/archives/19745/
• Galerie Danziger : https://www.danzigergallery.com/exhibitions/risaku-suzuki-sakura 

Aujourd’hui, nous nous intéressons aux poteaux électriques !

Le poteau électrique tokyoïte est le sujet exclusif d’une série du photographe Tomoaki Makino. Série présentée à la galerie Kana Kawanishi, à Tokyo, au printemps 2021. Dans ces tirages en noir et blanc, Tomoaki Makino met en lumière une des particularités surprenantes de la ville de Tokyo : l’omniprésence des poteaux et câbles dans le paysage urbain.

Dès que l’on lève les yeux, on ne peut y échapper : les lignes électriques, téléphoniques, de fibres optiques, de TV… forment comme une toile d’araignée au-dessus de la tête des passants, dans les quartiers commerciaux comme dans les zones pavillonnaires. Totems étranges du Japon, il y aurait 34 millions de poteaux électriques dans l’Archipel pour 1,2 million de km de câbles. Seuls 8% de la totalité des câbles sont enterrés à Tokyo, contre 100% à Paris, par exemple.

Les photographies de Tomoaki Makino nous présentent ces créatures tentaculaires de béton ou de bois, sur lesquelles s’accrochent diverses excroissances : feux de signalisation, caméras de surveillance, plaques des noms d’avenues et quartiers…

À la fois utiles et véritables verrues esthétiques, les poteaux électriques tokyoïtes de Tomoaki Makino symbolisent la malédiction de l’utilitaire bon marché, héritages de la reconstruction rapide de la ville, avec peu de moyens, après sa destruction quasi-totale lors des bombardements de la Seconde Guerre mondiale. Pourtant, 75 ans après, le Japon construit toujours plus de poteaux électriques qu’il n’enterre de câbles.

Pour Tomoaki Makino, la question est de savoir si l’avenir verra disparaître ces poteaux, ou bien si les institutions politiques choisiront d’en faire un héritage industriel et décideront de les garder pour de bon. Le photographe a donc indiqué dans tous ses titres, non seulement le nom de l’arrondissement et du quartier où la photographie a été prise, mais aussi les coordonnées GPS du lieu exact, afin qu’un jour, n’importe quand, n’importe qui, puisse se rendre à cet endroit, et témoigner pour les générations futures si le poteau  électrique tokyoïte est toujours là.

• Site officiel de l’artiste : https://www.shinogo45.com/works 
• Galerie Kana Kawanishi : https://www.kanakawanishi.com/tomoaki-makino-works
• Musubi - Reliez le Japon, « La vérité sur les poteaux électriques japonais » : https://www.youtube.com/watch?v=0XH7A9AXlrI